En Escena... CRÍTICAS DE CINE

Crítica: Conociendo a Jane Austen

2008-02-10T17:33:00.000+01:00

Director: Robin Swicord
Intérpretes: :María Bello, Emily Blunt, Kathy Baker, Amy Brenneman, Maggie Grace, Jimmy Smits
Estreno en España: 8 de febrero de 2008

Le damos un 5,5

¿Qué faltan ideas para elaborar el típico pastelón hollywoodiense que aborde temas como el miedo a la soledad y los anhelos de toda mujer madura? Eche mano a los clásicos y destrípelos a su antojo.

Diseccione la obra de una autora y, con algo de espíritu crítico –tampoco es necesario mucho-, saque su propia moralina: nadie pondrá objeciones a su tesis, sobre todo en este mundo dominado por el ocio de consumo rápido y, casi siempre, falto de sustancia.

En Estados Unidos se lleva mucho eso de hacer corrillos para analizar el contenido de un libro, vean si no la serie Perdidos, que en sí misma es una continua toma de conciencia literaria. No ganará el Premio de Fomento a la Lectura, pero la debutante en la dirección Robin Swicord, que venía de hacer guiones como las adaptaciones de Mujercitas y Memorias de una geisha, pone su granito de arena a esta sociedad cuasi-analfabeta. Como es –o se cree- más lista que nadie, demuestra que no sólo se ha leído Orgullo y prejuicio y Sentido y sensibilidad–o ha visto las adaptaciones-, sino que se asombra de haber hallado en la narrativa de Austen las claves para, desde la autocrítica, cambiar nuestras vidas.

Después de todo este rollo que me he soltado no crean que estamos ante la propuesta sesuda del año: detrás del análisis de seis libros de Austen –suena mejor como título- se esconde la típica colección de topicazos 'made in America' puestos en tela de juicio por una mujer que se esfuerza por aparcar el punto de vista femenino incluyendo en este club de lectura a un hombre que, como todos (Swicord dixit), sólo se mueve siguiendo su instinto.

Como entretenimiento funciona, sobre todo si el espectador no se deja inocular por el virus de la moralina, presente a lo largo de todo el forzado argumento.... Que salga con una sobredosis de azúcar ya es otra cosa: aunque el telón de fondo esté pintado por la inestabilidad emocional, el poso de amargura y los sueños por cumplir, no hay nada como una pátina de azúcar glass para suavizar el trago.

¿Qué creían? ¿Que iba a faltar en esta película un final feliz? Bueno, no nos adelantemos porque seguro que piensa ver esta propuesta facilona, sobre todo después de una jornada dura... Ya sabemos que la vida no es así, pero siempre está la pobre chica lesbiana para que reciba el guantazo de realidad.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: Astérix en los Juegos Olímpicos

2008-02-10T17:28:00.001+01:00

Director: Frédéric Forestier y Thomas Langmann
Intérpretes: Gérard Depardieu, Clovis Cornillac, Benoit Poelvoorde, Alain Delon, Vanessa Hessler, Stéphane Rousseau, Jean-Pierre Cassel, Santiago Segura, José García
Estreno en España: 8 de febrero de 2008

Le damos un 5

Si ha crecido con las aventuras del pequeño galo, piénselo dos veces antes de sacar entrada. Si tiene niños, ya es otra cosa, aunque no pase por alto el nivel de exigencia del público infantil.

Desde Francia salió en 1999 la avanzadilla de Astérix y Obélix contra el César con el objetivo de conquistar el gusto del público del Viejo Continente. Pasó unos muy poco estrictos controles de calidad aunque hizo buena caja, al menos en Francia. Eso animó a los productores a mandar, tres años después, a nuestros queridos personajes a Egipto en Misión Cleopatra. Ahora bien, que la taquilla reventase en esas dos ocasiones no quiere decir que tengamos que sufrir una saga interminable.

Muchos, caso de la gran Monica Bellucci, ven lejana su participación en alguna de estas aventuras; a otros (Fernando Tejero, Mónica Cruz) les han apeado del proyecto en marcha, cuando los fotogramas pasaron por la mesa de montaje. A decir verdad, a nadie se echa en falta en esta película cuyo metraje puede resultar algo alargado y reiterativo para los más pequeños y que, para los adultos que deban ejercer de acompañantes, puede ser más llevadero si se anima a contar los cameos insertados y a suponer detrás de qué rostro se esconde el actor José García (El 7º día, de Carlos Saura)... No hay más donde rascar.

Vista como producto la mezcla resulta avispada, aunque no inteligente: uno de los cómic más atractivos del mundo de Astérix para llevar a imágenes (junto con el de las doce pruebas) convertido en superproducción europea –rodada en la alicantina Ciudad de la Luz- y destinada a satisfacer la demanda del público más joven y, quizás, menos crítico con el siempre controvertido concepto de la adaptación cinematográfica. Ahí está por ejemplo la continúa parodia de sí mismo que realiza Alain Delon, ¡oh César!

Seguro que es de los que echa en falta mayor fidelidad a los padres de la criatura, René Goscinny y Albert Uderzo, y menos dosis de efectos especiales y gracietas al hilo de la actualidad -eso incluye la colección de estrellas del deporte-... Si es de los míos, sepa que siempre puede recurrir a los largometrajes de animación basados en estos belicosos galos y los locos romanos, los de siempre.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: Savage Grace

2008-02-03T12:21:00.000+01:00

Director: Tom Kalin
Intérpretes: Julianne Moore, Stephen Dillane, Eddie Redmayne, Elena Anaya, Belén Rueda, Unax Ugalde, Simón Andreu
Estreno en España: 25 de enero de 2008

Le damos un 3

Esta recreación del drama de la familia 'de la baquelita' no es más que un folletín mal concebido, más cercano a lo endeble que a un relato sólido. Eso sí, Julianne Moore, como siempre, salvable.

No sé ustedes, pero yo estoy aburrido de la pretensión de algunos por no dejar indiferente a nadie... Que los desequilibrados personajes en los que está basado este relato novelesco tuviesen un cacao mental puede ser, hasta cierto punto, algo lógico e interesante para mostrar. Desde luego, los matices y dobleces son enriquecedores a la hora de hacer una película, pero que el director del mejunje –por cierto, nada barato- no tenga claro cómo contarlo, es algo que pesa como una losa.

El amigo Tom Kalin saltó a la palestra con un título clave en el New Queer Cinema, algo que me tuvieron que explicar –es la escisión más gay del movimiento independiente surgido en los noventa-. Entendido esto cuesta menos averiguar el porqué del cambio de rumbo del cineasta apasionado por desenterrar los secretos de la mente criminal y las historias fuera de lo común aunque curiosas por ser del todo reales. También es cierto que no vira demasiado el cineasta de Swoon, porque le va eso de llevar tabúes a la pantalla.

Ese reto es digno de mencionar aunque de pretensiones no se vive: no importa que se vean escenas sexuales explícitas que atenten contra nuestro pudor, resulta hasta cierto punto interesante ver cómo los intérpretes intentan desenvolverse en terrenos farragosos, pero falla el armazón, el esbozo de los personajes y las relaciones entre ellos. Es una pena, sobre todo para los que han dejado su impronta en esta película y los que esperaban algo más acerca de este episodio sobre la decadencia de la clase alta en caída libre, que siempre gusta ver en pantalla grande.

Si de algo sirve esta propuesta es para poner de manifiesto que a España pueden venir desde fuera a hacer cine: en Barcelona se recrean localizaciones tan dispares entre si como París, Londres, Nueva York y Mallorca –en Cadaqués sí que rodaron de verdad. Son lugares por los que pasan los herederos del creador de la baquelita, la familia Baekeland, desquiciada, sí, pero con espíritu aventurero o, mejor dicho, escapista. Por cierto, sólo son efluvios ilusorios, ya que, perderse por el jardín de casa, por muy grande que sea, emoción no tiene. Igual que esta película.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: Hula girls

2008-02-03T12:07:00.000+01:00

Director: Lee Sang-il
Intérpretes: Eri Tokunaga, Etsushi Toyokawa, Ittoku Kishibe, Shizuyo Yamazaki
Estreno en España: 25 de febrero de 2008

Le damos un 6

Simpática resulta esta incursión en el mundo de la minería japonesa reconvertido en parque de atracciones hawaiano… ¿Insólito? Dejémoslo en curiosa iniciativa que recuerda a El club de los poetas muertos.

El calificativo amable puede conllevar, en su relación con el cine, diferentes acepciones: una película amable puede ser obviable, del montón o, simplemente, insulsa. Releyendo lo escrito, parece que en el término ‘amable’ sólo encontramos connotaciones negativas. En fin, esta película es –y siento repetirme- amable. Lo comprobará si es de los que deciden ir al cine.

La propuesta, a priori, es entretenida: imagine lo que es ver a un montón de hijas de mineros con los atuendos idóneos para echarse un bailecito hawaiano en el frío norte de Japón. Con eso está todo dicho, ahora les toca opinar si el argumento planteado es creíble o no, aunque he de decirles que detrás del Parque Hawaiano de Joban hay una historia real.

Antes mencionamos El club de los poetas muertos, no queremos que se nos queden atrás otros títulos con el ‘todos a una’ por bandera, caso de Tormenta blanca, y con ese ejemplo –prepárense para ciertos empachos- seguro que imaginan por donde van los tiros: el honor, el poder de los sueños, la figura de un ‘alma mater’, el anhelo de labrarse un camino distinto al marcado…

Este viaje de la minería al hula pasa de puntillas por todos estos aspectos, aunque hay un enfoque mayor sobre el peso de la tradición frente a los aires livianos del futuro inmediato. En cine es algo que queda muy bien y esta cinta es, por encima de todo, muy atractiva en términos visuales y, porqué no decirlo, también en términos comerciales.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: Mal gesto

2008-02-03T11:43:00.000+01:00

Crítica realizada por Daniel Galindo y emitida en De Película, de Radio 1.

Crítica: Hacia rutas salvajes

2008-02-03T11:38:00.000+01:00

Director: Sean Penn
Intérpretes: Emile Hirsch, Marcia Gay Harden, William Hurt, Hal Holbrook, Catherine Keener, Jena Malone, Kristen Stewart, Vince Vaughn, Brian Dierker
Estreno en España: 25 de enero de 2008

Le damos un 7,5

Confirmado como director preciso, con estilo propio para contar las cosas, Sean Penn propone un relato sencillo aunque de proporciones épicas, más por lo que cuenta que por falsas pretensiones de grandeza.

Dicen que para ahondar en los grandes asuntos que preocupan al ser humano tan sólo hay que mirar dentro de uno mismo. Lo de la búsqueda de la verdad y la propia identidad es ya casi un género en toda regla en la literatura, en el cine… Ahora este título aúna ambos formatos –podíamos incluir aquí el musical, gracias a la magnífica banda sonora-, aunque el best-seller pasa a convertirse en cine de semi-autor.

El actor metido a cineasta abandona el drama urbano al que nos tenía acostumbrado y se decanta por una historia que pide bellas panorámicas, planos arriesgados y tomas en las que el tiempo parece detenerse... ¿Demasiado idílico para la historia tan dura que nos presenta? Puede ser, ahora bien, no importa que una historia tan cruda, la del camino de la superación que emprende un joven perdido, cuente con un envoltorio sugerente, el problema es que a veces uno se olvida del drama que sufre el personaje con la inclusión de efectos visuales como la escritura en pantalla.

Una de las apuestas de esta producción fue el joven actor Emile Hirsch, curtido en series de televisión y cortas apariciones en la pantalla grande. Consigue impregnar de verdad un personaje que podría haberse extraviado entre tanta ínfula literaria de la que puede pecar un soliloquio, pero Penn resuelve la papeleta con un montaje que, no siendo del todo ágil, alivia por momentos –a pesar de que esta historia pide a gritos dos horas de nuestro tiempo, al menos 120 minutos de concentración y evasión de la realidad-.

Hablando de metraje, la película sólo tiene unas cuantas pegas: que se alargue en determinadas etapas del viaje; que el protagonista recuerde a Leonardo DiCaprio –de esto no tiene culpa el pobre-; que la acción se descompense debido a que lo visual se imponga a lo narrativo; y que, en términos generales, la cinta vea mermada sus cualidades por un montón de críticos que la califiquen como obra comprometida, filosófica o iniciática… ¡Nada de eso! Hacia rutas salvajes no es más que una elección de vida, una lección de cine.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: Déjate caer

2008-02-03T11:24:00.000+01:00

Director: Jesús Ponce
Intérpretes: Iván Massagué, Darío Paso, Juanfra Juárez, Pilar Crespo, Mercedes Hoyos, Isabel Ampudia
Estreno en España: 1 de febrero de 2008

Le damos un 7

El que nos legó la excelente 15 días contigo demuestra que es un minucioso ilustrador de paisajes urbanos poblados por seres anónimos que representan a buena parte de nosotros.

No cuesta identificarse con quienes aquí, simplemente, no son: ni adultos ni niños, ni parados ni trabajadores, ni estudiantes, ni delincuentes, ni gente honrada... Jesús Ponce lo tiene muy claro: es tan sencillo como que no son.

El esbozo es acertado, la cámara atina con el encuadre pero, siendo puntillosos, algo ocurre con esta cinta: puede que sea el hecho de que no nos resulte redonda por culpa de un metraje un tanto lineal, a falta de algún giro muy necesario en la historia, un aliento que debería llegar antes de los 'se esperaba', los hechos que precipitan el desenlace previsible. Aún así, en esos ya-no-tan-jóvenes, representantes de una generación indefinida, se ve que hay vertido un concienzudo trabajo para que nada resulte azaroso.

Nada de etiquetas ni pretensiones de cimentar un movimiento cinematográfico que no existe (aunque tampoco estaría mal)... Lo de 'neorrealismo andaluz' que lo acuñen otros, eso sí, la tercera propuesta de Ponce –la segunda, si obviamos el trabajo de encargo que fue Skizo- mantiene paralelismos con un buen número de cintas que, curiosamente, se han rodado en Andalucía y muestran, tampoco esto es anecdótico, una realidad social extrapolable a otras demarcaciones aunque, créanme, son cuadros característicos del Sur.

Conste que quien suscribe estas palabras es andaluz, por eso no hay ningún decoro a la hora de afirmar que nada chirría en lo que relata Ponce por medio de un coro de personajes bien definidos. El cineasta consigue como pocos hacer esbozos que, apoyados en una interpretación rigurosa, realista y sensata, arman el esqueleto de una cruda aunque interesante panorámica que completa las ya trazadas por títulos también destacables, como Carlos contra el mundo y 7 vírgenes.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: Juno

2008-02-03T11:15:00.000+01:00

Director: Jason Reitman
Intérpretes: Ellen Page, Michael Cera, Jennifer Garner, Jason Bateman, Allison Janney, J.K. Simmons, Olivia Thirlby
Estreno en España: 1 de febrero de 2008

Le damos un 8

Un personaje real de un cómic realista, interpretado por una acertada Ellen Page en este simpático e incontestable relato de iniciación, compuesto por retales de un traje elegante, aunque con ánimo de destacar.

Lúcida y divertida, Juno es la 'otra comedia adolescente', la que no deja en mal lugar a los jóvenes, resulta más real –a pesar de la abrumadora carga presuntuosa de los diálogos-, convence con su mezcla de tono agridulce y picante y, sobre todo, sorprende.

Que nadie le ponga la etiqueta de producto 'indie', en la senda de Pequeña Miss Sunshine, porque eso no puede más que lastrar el devenir de esta atípica cinta. Lo de atípica viene por ser deliciosa y acertadamente irreverente –algo menos que Ghost World, por situarla en algún punto- en una época en la que sólo de cuando en cuando se atisba un oasis en medio de un desierto lleno de arena insulsa.

El personaje de Juno y sus problemas –y su capacidad, o no, para resolverlos- articula un relato sazonado con un toque justo de amargura y en el se saborean ciertas gotas de brillantez. El plato, un entrante sustancioso y original, se presenta salpicado por muestras de una galería de seres un tanto estereotipados aunque idóneos para sustentar el viaducto entre los dos mundos por los que transita Juno en el camino que va desde la inmadurez lógica y aprehendida, hasta la tierra en la que, o eres adulto... ¡o eres adulto!

Nuestra compañera de viaje tiene ese halo atractivo de chica sabionda, un punto repelente –muy seductor, por cierto- al creerse un tanto superior, aunque presuma de no hacérnoslo creer... Por eso y muchas otras razones, Ellen Page está exultante en un personaje creíble, mucho más que el de la 'lolita-caperucita' de Hard Candy, que resultaba algo forzado –exigencias de guión, por supuesto-. Hay que apuntar que no son comparables estos loables trabajos: en Juno, el personaje de Page -con un sentido de la ironía mucho más trabajado- recuerda a la niña que fue Natalie Portman en Beautiful girls y maduró hasta convertirse en la protagonista de Garden State (Algo en común).

Jasón Reitman, director de la curiosa Gracias por fumar, y Brook Busey-Hunt (alías Diablo Cody), ex stripper y voz de línea erótica metida a escritora, han acertado con esta mirada a la aventura de crecer. Nadie considerara Juno un trabajo al uso, sino una demoledora fábula sobre intensidades y caminos que, aunque más largos, son más llamativos y enriquecedores que los atajos comunes. En definitiva, estamos ante una propuesta que echa sal a eso de que la vida te juega malas pasadas, algo que tampoco es que nos coja de improviso. Ahora bien, que la gracia de la vida está en vivirla con intensidad, siendo un poco insolente si te dejan, lo sabemos, aunque pocos se atreven a ponerlo en práctica.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: XXY

2008-01-19T13:15:00.000+01:00

Director: Lucía Puenzo
Intérpretes: Ricardo Darín, Inés Efron, Martín Piroyanski, Germán Palacios, Valeria Bertuchelli
Estreno en España: 11 de enero de 2008

Le damos un 7,5

Hay que salvar muchos escollos para que un relato acerca de un 'secreto' no quede en cúmulo de retazos cargados de sentimentalismo o mero panfleto sobre la búsqueda de la identidad.

Aunque es posible que por el título sepa de qué va la historia, no lo descubriremos nosotros: debe ser el propio espectador quien acompañe a Alex en su viaje adolescente, en este relato de iniciaciones y preguntas –veremos si resueltas- que, por suerte para nosotros, no se queda en el recurso de exprimir la anécdota facilona.

Es lo que plantea la directora desde el principio: que nos convirtamos en compañeros del camino que recorre el personaje protagonista, sin juicios de valor de por medio ni conjeturas innecesarias. No son necesarios los discursos, tampoco las teorías... Así es el relato de XXY, una exposición de hechos ruda y austera, sin alarde de medios pero rica en matices en todo caso.

Lucía Puenzo ha crecido entre latas de película y escritos, algunos de ellos convertidos en novelas o guiones. De su padre, responsable de títulos como La historia oficial y La puta y la ballena, ha aprendido el oficio, cómo hacer cine correcto, aunque ella ha aportado un enfoque más libre que escapa a los patrones típicos del cine, dando vía libre a una dualidad entre la concisión a la hora de narrar los hechos y el detenimiento en ciertos detalles, momentos sobrios que plasma con planos más pausados (y llenos de información).

XXY es la primera película para esta cineasta curtida en el trabajo de textos para ser dirigidos por otros y es cierto que puede pecar de un metraje descompensado, más que alargado. Aún así, el desequilibrio se compensa con el minucioso trabajo fotográfico que realza la interpretación de un reparto ecuánime y la apuesta por la idea de sugerir por encima de la acción de mostrar.

Si apuesta por esta película saldrá ganando porque, sin responder preguntas, no le dejará indiferente y podrá comprobar hasta qué punto fue merecido el Premio de la Semana de la Crítica en Cannes (justo, creemos) y es valedora de otros tantos reconocimientos, como el de ser la representante de su país, Argentina, en la carrera hacia el Oscar y uno de nuestros Premios Goya.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: La sombra del cazador

2008-01-19T13:10:00.000+01:00

Director: Richard Shepard
Intérpretes: Richard Gere, Terrence Howard, Jesse Eisenberg, Diane Kruger, Joy Bryant
Estreno en España: 4 de enero de 2008

Le damos un 7,5

Con ironía y sentido crítico se puede realizar una interesante película que aborde un retazo de la barbarie provocada por la sinrazón humana, que campa a sus anchas sin que nadie pueda echarle el lazo.

Acostumbrados a un cine más comercial y con mucho más glamour, Richard Gere nos sorprende al apostar por esta cinta sobre criminales de guerra y codicias televisivas, que luego no serán tanto. También arriesga Richard Shepard al escribir y dirigir esta cinta temeraria por poner el dedo en el gatillo y no soltarlo, manteniéndonos en tensión durante toda la película.

Es difícil contar con humor un episodio enmarcado en un conflicto bélico. Aún así tenemos casos curiosos, como el de Tres reyes, que rescataba situaciones paródicas de la penúltima guerra en suelo iraquí. En esta ocasión ponemos el punto de mira en la Guerra en los Balcanes, en una anécdota que sustenta todo el metraje. El mundo de un corresponsal de guerra en debacle es lo que sirve para quitarle un poco de hierro al drama de los asesinos que siguen libres a pesar de órdenes de búsqueda y captura y sin que los que tienen el poder hagan nada o muy poco por detenerlos.

Desde Hollywood se acercan de manera tímida a la posibilidad de contar el otro lado de la historia oficial, aunque no siempre van a poder contar con George Clooney en títulos como Suriana… ¡Y ahí está Gere! Es el rostro más conocido de un reparto en el que tampoco pasa desapercibida Diane Kruger, ensalzada en este fresco que roza la parodia con momentos absurdos y, precisamente por eso, también brillantes. Y como curiosidad apuntan los responsables que en La sombra del cazador, sólo lo realmente ridículo es verdad.

Por cierto, ¿cómo es posible que un periodista venido a menos encuentre al tipo más buscado por la CIA, la OTAN, la Unión Europea y el Tribunal de La Haya? Esta es una de las preguntas que lanza el avispado Richard Shepard en este inteligente ejemplo de cine comprometido, entretenido y ácido, una panorámica que nos muestra hasta qué punto en todos los conflictos bélicos ocurren cosas y lo que vemos, si es que lo vemos, dista mucho de la realidad.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: Caramel

2008-01-19T13:06:00.000+01:00

Director: Nadine Labaki
Intérpretes: Nadine Labaki, Yasmine Al Masri, Joanna Moukarzel, Gisèle Aouad, Adel Karam, Siham Haddad, Aziza Semaan, Fatme Safa
Estreno en España: 18 de enero de 2008

Le damos un 7

Con calidez y serenidad se puede elaborar la receta más deliciosa que da como resultado un plato delicioso con la curiosa facultad de dejar un regusto amargo y dulce al mismo tiempo.

Para ir del tópico a lo menos trivial sólo hay que saber darle forma a los ingredientes adecuados y dejarlos reposar en la memoria para que el buen sabor se nos repita de cuando en cuando. Todos esos símiles culinarios dan idea del interés que suscita esta modesta y atrevida cinta que no deberían dejar de ver.

No se puede establecer un paralelismo férreo entre ellas, pero si no vio en su día la película francesa Venus, salón de belleza puede resarcirse ahora entrando en la peluquería que monta Nadine Labaki, un centro de reunión social en el que cinco mujeres, diferentes entre sí, dejan aflorar sus sentimientos y secretos, en definitiva, una curiosa forma, sutil y con un toque de sensualidad, de dar pinceladas acerca de la situación de la mujer en Líbano.

Entre esas cuatro paredes es posible encarar sin tapujos los cinco grandes temas en torno a los que gira su mundo, cercano e íntimo: libertad, amistad, hombres, sexo y maternidad. Aprovechando el impacto estético que propone la directora y estableciendo una metáfora con el color del caramelo, que no llega a ser marrón ni amarillea del todo, Caramel está a medio camino entre el toque dulzón y melancólico y el bofetón amargo.

La joven responsable de hacer el esbozo de este trozo de vida pintado con una paleta de tonos mediterráneos demuestra que, además de ser buena maquilladora –sabe tapar los defectos con una capa de detalles-, sabe dar puntada al entramado de retales, o pequeñas historias, que conforman el traje de Caramel. Más de un cineasta exaltado debería aprehender la filosofía de andar por casa que propone Nadine Labaki en un metraje que nos va llevando, de manera pausada, por los dominios de un grupo de féminas con sus problemas y virtudes, sin dejar de lado cierto compromiso político.

Y lo más curioso de todo es que se muestra una realidad de lo más sosegada en uno de los países más revueltos, aunque, por otro lado, esa es la grandeza de esta cinta en la que se pone en la palestra los dilemas por los que atraviesa la mujer sin hacer la mínima referencia explícita a la guerra civil que sumió al país durante 25 años ni a conflictos bélicos más recientes. Porque, sin dejar de lado los grandes problemas, otro cine es posible.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: Across the universe

2008-01-19T12:56:00.000+01:00

Director: Julie Taymor
Intérpretes: Evan Rachel Wood, Jim Sturgess, Joe Anderson
Estreno en España: 4 de enero de 2008

Le damos un 6,5

Despiece del All you need is love en 133 minutos o cómo contar una historia de amor, amistad y ansias de libertad con ayuda de 33 canciones de los chicos a los que Liverpool se les quedó pequeño.

Que nadie se lleve a equívocos: este musical blandito no narra las peripecias de los Beatles sino que cuenta un relato que sirve de excusa para homenajear, a ellos y a un tiempo pasado, a través de sus canciones. De paso, además de lanzar críticas nada sutiles, el género musical cobra de nuevo fuerza con esta tragicomedia que a veces roza la parodia y otras se queda en mera presentación de retales de vida ambientados en los años sesenta.

¿Por qué cuando algo se sale de lo normal lo llamamos experimento? Julie Taymor no experimenta sino que va a lo seguro: toma canciones conocidas, busca un relato capaz de entroncar con la juventud y los que añoran -o simplemente recuerdan- épocas pasadas y lo enmarca en una de las décadas más convulsas y a su vez pródigas en reivindicaciones de todo tipo. El resultado es un largometraje sencillo y entretenido donde el contenido está al servicio de la forma. Aún así hará las delicias del espectador ávido de curiosidades, detalles y cameos.

Con un cuidado entramado visual de fondo, los casi desconocidos intérpretes dan el do y se muestran al tiempo convincentes: hacen creíble una trama que está condicionada, y mucho, por las letras de las canciones escogidas, que no hacen sino resaltar el ambiente de contracultura perseguida, explosión orgásmica y desenfreno delicioso. Y reiteramos aquí las posibilidades de los recursos sensoriales y efectistas aprovechados por la cineasta, muy cercanos a los efectos de sustancias psicotrópicas y alucinógenas.

La directora de Titus y Frida quiso fomentar el buen rollo generalizado aún pecando de simplona. Quizás eso llegue a pesar demasiado en cuanto a lo estrictamente cinematográfico, lastrando un metraje que parece un hilvanado de tejidos y retales varios y que a su vez acaba alargándose demasiado para los detractores del género, aunque a los que conecten con su filosofía siempre le resultará insuficiente.

Esto va para unos y otros: Across the Universe entroncará con esas películas de las que sales con el ánimo subido... Sólo hay que esperar a que los puristas no arremetan contra el cine visual, y por momentos vacío, de Taymor y que los fans de los Beatles no pongan el grito en el cielo con ciertas adaptaciones hechas, eso sí, desde el respeto.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: Padre Nuestro

2007-10-07T14:20:00.000+02:00

Director: Christopher Zalla
Intérpretes: Armando Hernández, Jorge Adrián Espíndola, Jesús Ochoa, Eugenio Derbez, Paola Mendoza
Estreno en España: 5 de octubre de 2007

Le damos un 6,5

No deje pasar la oportunidad de adentrarse en un mundo lejano aunque familiar por medio de una película que se sustenta en la anécdota particular y nos anticipa la cruda realidad.

Es Nueva York lo que vemos, pero es muy diferente al que nos tienen acostumbrados: la ciudad de las oportunidades se muestra desde una óptica inmigrante, limpia en recursos, y por medio de cuatro destacables interpretaciones desgarradas y muy duras.

Lo interesante de esta producción atípica sobre los que no tienen más que su trabajo para sobrevivir en un mundo hostil es tanto la forma como el fondo. Las carencias de una ópera prima se suelen cubrir con un buen planteamiento, una honrosa realización y un final que cumpla las expectativas creadas.

El debut de Christopher Zalla pasa esas tres evaluaciones y aprueba con nota el examen final porque no cae en lo pretencioso ni en lo previsible. Después de bajar a los infiernos más de uno decide quedarse entre los diablillos incluso teniendo la oportunidad de aferrarse a la mano de un ángel. Después de esta frase y teniendo presente la obviedad religiosa del título, puede pensar que estamos fomentando seguir el camino del buen cristiano...

No es así, sólo pretendemos que quiera continuar un camino, sí, pero por el que nos guía este debutante, un itinerario que discurre con lógica y sorpresas que enriquecen el viaje. Un ejemplo lo encontramos en la búsqueda del padre: tiene peso ese anhelo de encontrarse con el progenitor debido a la importancia de esa figura en la educación de un hijo (y ahí entran también los sueños del que abandona la ciudad mexicana de Puebla), pero no recae aquí todo el peso del metraje.

No contaremos nada acerca del argumento, merece la pena tomar el punto de vista del trío de protagonistas jóvenes y adentrarse en la noche neoyorquina, en la otra, la que no vemos con nuestros propios ojos.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: La señal

2007-10-07T13:57:00.000+02:00

Director: Ricardo Darín y Martín Hodara
Intérpretes: Ricardo Darín, Diego Peretti, Julieta Díaz, Andrea Pietra, Vando Villamil, Carlos Bardem.
Estreno en España: 5 de octubre de 2007

Le damos un 6,5

Un título de cine negro, hecho en Argentina y tamizado por el gusto del espectador del siglo XXI: honrosa resulta esta experiencia aunque puede que no acabe de convencer como película redonda.

Lo cierto es que a veces somos demasiado exigentes y nos dejamos llevar por análisis presuntuosos y recargados. Estos adjetivos no podemos aplicarlos al trabajo de Martín Hodara y Ricardo Darín, los directores, así que huiremos de críticas pedantes en las que se alaba el cine de género después de destrozar cualquier intento de mostrar algo novedoso.

Diferente, nueva... Así es esta cinta que no pudo ver terminada su promotor, Eduardo Mignogna. Es una historia escrita por él con maestría y trasladada a imágenes después de ser apuntalada gracias a los patrones más clásicos aunque aprovechando todos los recursos técnicos y artísticos que proporciona el cine a día de hoy. El tufillo a cine de época está presente en todo momento, aunque Diego Peretti y Julieta Díaz –sin llegar a ser la 'femme fatale' que pretende-, además de Darín en su faceta como actor, consiguen imprimir un leve soplo de aire fresco a sus interpretaciones.

Como experimento está bien, sobre todo conociendo los condicionantes que han determinado el resultado, pero quizás como película, y sacando nuestro lado más severo, le falte algo: puede que aligerar una historia un tanto enrevesada, evitar ciertas bajadas de ritmo... Lo mejor, sin duda alguna, la interpretación, también la fotografía y la ambientación en general: regresar al Buenos Aires de 1952 no debió ser tarea fácil para los responsables de esta atípica ópera prima. Merece la pena acompañarles.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: Siete mesas (de billar francés)

2007-10-06T19:55:00.000+02:00

Director: Gracia Querejeta
Intérpretes: Blanca Portillo, Maribel Verdú, José Luis García Pérez, Amparo Baró, Lorena Vindel
Estreno en España: 05 de octubre de 2007

Le damos un 8,5

El universo de Gracia Querejeta se amplia con una nueva muestra de cine íntimo, sencillo y reconfortante y eso que Maribel Verdú y Blanca Portillo se enfrentan a dos de sus papeles más duros.

Pocos cineastas apuestan por dar una bofetada tan certera, desbaratarlo todo y, al momento, volverse a ocupar de las cosas pequeñas, de los detalles, de las emociones. Intercalar situaciones cotidianas con momentos de gran intensidad dota de una particular riqueza al relato.

Si no se tiene un pulso firme, tantos altibajos pueden llegar a desconcertar, haciendo intransitable un camino con curvas muy cerradas. Maneja bien el asunto Gracia Querejeta y echa millas. Tanto ímpetu es arriesgado pero conlleva una recompensa y la que recibe Querejeta –aunque el regalo nos lo hace a nosotros- es el honor de haber hecho una de las películas más sinceras de los últimos años. El quinto viaje emocional de la guionista y directora resulta sencillo, está narrado sin grandes brusquedades, penetra con suavidad y eso que el poso que nos deja, aunque con pinceladas de humor, no es fácil de tragar.

Juega con un valor, el de la cercanía, y lo deconstruye: los personajes que perfila son gente como usted, como yo, son personas que se reúnen en torno a un proyecto y se ilusionan. Se desgastan y recuperan fuerzas, avanzan y luego caen, pero se levantan... Esa lucha por seguir adelante, a veces solo, mejor en compañía, marca la obra de esta mujer que tiene mucho que contar y que a veces confía en un observador externo, como David Planell (con quien firmó Héctor), antes de servirnos en bandeja el resultado final.

Blanca Portillo y Maribel Verdú se baten en duelo, el espectador es quien debe juzgar sus interpretaciones. Desde aquí pensamos que salen indemnes, que las dos se presentan como supervivientes. Es la tónica general en el cine de la madrileña, acuérdense del enfrentamiento entre Mercedes Sampietro y Adriana Ozores en Cuando vuelvas a mi lado, de la que destacamos todo: Marta Belaustegui, la intensidad, Julieta Serrano.... Al igual que aquella, esta cinta que transmite realidad no es una más: es altamente recomendable para todos los que alguna vez nos hemos sentido un poco abandonados y gracias a una mano amiga, o al cine de Gracia Querejeta, hemos salido adelante.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: Líbero

2007-09-30T10:40:00.000+02:00

Director: Kim Rossi Stuart
Intérpretes: Barbora Bobulova, Stefano Busirivici, Alberto Mangiante, Alessandro Morace, Marta Nobili, Tommaso Ragno.
Estreno en España: 28 de diciembre de 2007

Le damos un 8

Una ópera prima cercana, concreta e inteligente, así es el debut en la dirección de un actor que convive con la necesidad de contar historias que, desde la sencillez, atrapan incluso al espectador más elitista.

Cuando se estrena una producción de nuestros vecinos, no sé ustedes, pero siempre pienso en todas las otras cintas que se han quedado en el camino, así que hasta cierto punto es comprensible que todas las películas de factura italiana que nos llegan presenten un notable nivel de calidad.

Este mosaico de sentimientos reconstruido por un pequeño avispado y entrañable entronca con una nueva forma de comunicar que se está dando como ligero contraataque al cine de consumo masivo: el actor Kim Rossi Stuart tiene las ideas claras y cuenta con los mecanismos precisos, además de la experiencia necesaria –curtirse a las órdenes de otros le ha servido-, para poner en pie un relato que articula elementos cotidianos, narrado desde la sencillez de planteamiento y sin las ínfulas de muchos que se creen que han nacido sabiendo.

Sólo es necesario huir de la pretensión y tratar al espectador como un igual, y no como un mero consumidor que olvida con rapidez, para entrar en el selecto club al que ya pertenecen los hermanos Ulloa, Sánchez-Arévalo y, desde luego, veteranos como Icíar Bollain, Manuel Poirier, Nanni Moretti y Gracia Querejeta -por reducirlo al arco mediterráneo-. Líbero es otro ejemplo de cómo hacer cine partiendo de una idea concisa para no perderse en subterfugios emocionales de los que cueste salir o recargar el metraje con adornos innecesarios.

Aquí importa la palabra bien dicha en el momento oportuno, la fuerza hipnótica de una mirada, el valor de un silencio... La película elude la lágrima rápida, el componente melancólico que suele edulcorar de manera innecesaria. Se agradece que el padre de la criatura no recurra a lo fácil y por otro lado juegue con nosotros colocándonos siempre en el filo, al borde del precipicio, con pequeñas pruebas y desafíos.

Volviendo a nuestra teoría sobre lo que llega o no a las pantallas comerciales, el problema no es que haya poca permeabilidad en nuestra industria de cara al cine italiano, sino que a los dueños del cotarro cada vez les interesa menos una historia cercana, sencilla y bien relatada. Por desgracia y, salvo excepciones, es algo inherente a todas las cinematografías del Viejo Continente.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: Nuevo Mundo

2007-06-30T09:40:00.000+02:00

Director: Emanuele Crialese
Intérpretes: Vincenzo Amato, Charlotte Gainsbourg, Aurora Quatrocchi, Francesco Casisa, Filippo Pucillo

Estreno en España: 15 de junio de 2007

Le damos un 8,5

Como si de Homero se tratase, el director de Respiro presenta una loable producción que le tuvo que dar más de un quebradero de cabeza. Al final, todo esfuerzo tiene su recompensa.

Los viajes siempre hacen mella en el individuo. Esa muesca vital puede ser más o menos profunda, en función de la carga –emocional o física-, los compañeros de andanzas, el coste que conlleva, las ilusiones depositadas en lo que es algo más que un trayecto...

Lleva a Ítaca siempre en tu pensamiento, llegar a ella es tu destino. No apresures el viaje, mejor que dure muchos años... Que le digan esto a los personajes que dibuja Emanuele Crialese, una suerte de pequeños héroes mediterráneos que afrontan el éxodo más duro de su vida, el que a comienzos del siglo XX llevó a millones de europeos a Estados Unidos: algunos consiguieron franquear las puertas de tan ansiado paraíso, otros sucumbieron en el intento de hacer realidad su sueño.

El sueño, siempre presente en la vida del hombre. No resulta extraño que una constante pincelada de ensoñación e irrealidad embadurne todo el metraje. Es lo que conlleva que a uno le adscriban al realismo mágico y, además, no escatime en esfuerzos para corroborarlo. El drama resulta de esta manera más liviano, aunque en ningún momento se atisba el toque empalagoso y cómico de La vida es bella.

Crialese está, desde luego, más cerca de Manoel de Oliveira y, sobre todo, de Theo Angelopoulos, pero no se olvida de que el humor negro, el sarcasmo, la ironía, suavizan un hecho, aunque no resta amargura. A ello contribuye el selecto reparto, con la impenetrable (casi siempre) Charlotte Gainsbourg y Vicenzo Amato a la cabeza: creíble, mucho menos histriónico (y cansino) que su compatriota Roberto Benigni, y heredero del porte de los 'tipos normales' populares gracias al neorrealismo italiano.

Con profusión se recrean detalles de la angustiosa aventura en la que se embarca una familia de sicilianos, mezclando cuadros casi cómicos con desgarradoras secuencias que ponen de manifiesto la supremacía de los que tienen la sartén por el mango siempre y los que la cogen de vez en cuando, siempre que los que mandan quieran sacar algún beneficio de ello.

Si no le pone de los nervios el viaje claustrofóbico con sustancia y el severo retrato de las injusticias sociales, aquí tiene este billete de ida al buen cine. Es densa, sí, pero esta Odisea contemporánea, premiada en Venecia, merece la pena.
Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: Un engaño de lujo

2007-06-30T09:35:00.000+02:00

Director: Pierre Salvadori
Intérpretes: Audrey Tautou, Gad Elmaleh, Marie-Christine Adam, Vernon Dobtcheff

Estreno en España: 15 de junio de 2007

Le damos un 6,5

Dar muchas puntadas sobre el mismo sitio puede resultar cansino, pero con pequeñas innovaciones puede conseguirse el preciado objetivo: hacer una cinta diferente dentro de su aparente normalidad.

Es lo que ocurre con la última película del director de Los aprendices y Usted primero, historieta confeccionada a partir de retales recurrentes, graciosillos, aunque muy bien realizada, centrándose en los personajes, llenos de contrariedades y ocurrencias.

Mucho ha hecho la industria francesa por salvaguardar un género considerado menor en otras cinematografías, aunque sea uno de los que más dinero recaude en taquilla. Sí, lo han adivinado, se trata de una comedia sutil, a veces banal, llena de guiños fácilmente exportables y elevada, entre otros, por Francis Veber (La cena de los idiotas) y, por supuesto, Pierre Salvadori.

Si quieren pasar un rato entretenidos, no vayan pidiéndole demasiadas cuentas a este cineasta, él ya ha cumplido con su parte del trato: una historia que nos lleva a fiestas en las terrazas más selectas de la Costa Azul, una pareja protagonista equilibrada y convincente y un buen montón de personajes que animan el cotarro.

Asegura el director que escribió los caracteres principales pensando en Gad Elmaleh, al que ya han bautizado como el Búster Keaton galo, y Audrey Tautou, que se despoja del 'aire Amelie', aunque no elude darse unos toques de la fragancia patentada por Audrey Hepburn. La película se alza sobre sus interpretaciones y en las idas y venidas de dos tipos que aparentan ser lo que no son, algo que funciona, al menos para el espectador.

Lo dicho, una divertida propuesta para reírse durante un buen rato con estos avispados cazafortunas retratados sin histrionismo, sin exageraciones que acaban dinamitando nuestra estancia en la sala de cine.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: Ladrones

2007-06-30T09:26:00.000+02:00

Director: Jaime Marques Olarreaga
Intérpretes: Juan José Ballesta, Maria Valverde, Patrick Bauchau, Maria Ballesteros, Carlos Kaniowsky, Christian Sampedro
Estreno en España: 22 de junio de 2007

Le damos un 6,5

En el farragoso terreno de las primeras obras destaca una cinta diferente. Así es esta película, sobre todo por el halo de sobriedad preciosista que incide en el goce estético.

Un placer mayor cuando comprobamos que todo el metraje se sustenta en dos figuras, las de dos de los actores con más tirón de nuestro cine y a los que la cámara y el público quieren mucho.

Es verdad que el espectador que acuda a verla saldrá con la idea de que su vista ha tenido un regalo gracias a la más que ‘criminal’ química existente entre Juan José Ballesta y María Valverde, que han dejado de ser valores en alza para convertirse en apuestas seguras.

Una fotografía potente realza la belleza de sus protagonistas y da una nueva vuelta de turca al cine negro, aunque el género policiaco se muestra aquí con ribetes luminosos. Es lo primero que nos atrae de este relato, estructurado a partir de una sugerente y rítmica combinación de planos limpios y estudiados y diálogos medidos que destacan sobre tantos silencios, también milimetrados.

El debutante Jaime Marqués aprueba con nota. Lo hace después de exprimir a sus ideólogos en la materia: Jean-Luc Godard, Robert Bresson, Won Kar-wai, Sam Fuller… Aún así, a esta historia le falta empaque, para que el envoltorio no destaque más que su contenido, como a veces ocurre con ciertas películas llegadas del Lejano Oriente.

Quizás el problema resida en que el aire de tragedia –la pérdida de referentes paternos- sólo impregne la columna argumental sobre la que se disponen las vértebras, es decir, los recuadros anecdóticos, el día a día de dos raterillos elegantes y estilosos. Como toda la película en su conjunto, a pesar de las posibles pegas.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: Café solo... o con ellas

2007-06-30T09:14:00.000+02:00

Director: Álvaro Díaz Lorenzo
Intérpretes: Alejo Sauras, Lucía Jiménez, Asier Etxeandia, Elena Ballesteros, Inma Cuesta, Diego París, Javier Rodino, Terele Pávez
Estreno en España: 29 de junio de 2007

Le damos un 4

Sin más pretensiones que hacernos pasar un rato divertido, esta comedia facilona nos deja al descubierto la verdadera esencia del joven español. Menos mal que todo es ficción... ¿Todo?

No entremos en discusiones ni polémicas, dejemos a un lado eso de que 'dime con quien andas...'. Se trata de un aforismo hecho que no vamos a aplicar al padre de esta criatura.

Le suponemos buen cineasta porque ha recreado un panorama que nada tiene que ver con la realidad, ya que su viaje al mundo de los niñatos roza en algunos momentos la desfachatez y la grosería, con muchos paradigmas del mal gusto.

Aún así, más de uno se sorprendió al verse reír en el cine, durante la proyección. Es, lo que suele decirse, un actor reflejo a los 'golpes' de humor. Los tiene, algunos demasiado bestias, pero no les voy a engañar: el chiste fácil hizo mella en un servidor, vamos, que no se durmió por tanto asco. También en el caso de los malagueños, que alzaron la película: Premio del Público, nada más y nada menos, en el último festival de cine español.

Hay que saber lo que uno va a ver. Y seguro que, si ha elegido esta cinta, es porque quiere ver hasta qué punto los guionistas españoles pueden emular a los padres de American Pie, los 'albóndigas' del siglo XXI: ellos son bastante estúpidos, ellas se salvan de la quema, aunque quedan como mero objeto de deseo. Ah, y el menos estúpido, es decir, el rey de los estúpidos –haciendo caso al refrán-, acaba siendo el mayor tontorrón por culpa del amor o el enamoramiento.

Situaciones tópicas, un guión bastante facilón y unos convincentes actores –y aquí no sacamos a relucir la ironía- conforman el arriesgado aunque previsible debut de un cineasta que, una vez demostrado que puede llevar a buen puerto un proyecto como este, debe retornar a otros mares más complicados.

Al menos, el responsable de esta película acierta en algo: dulcificar la realidad porque, en caso contrario, no nos parecería ficción. Aunque, quédense tranquilos: los que se acercan a los treinta no son tan descerebrados, todo lo opuesto a lo que nos muestran en esta cinta que honra al patetismo pero que, en el fondo, se deja ver.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: Los climas

2007-06-30T09:06:00.000+02:00

Director: Nuri Bilge Ceylan
Intérpretes: Ebru Ceylan, Nuri Bilge Ceylan, Nazan Kesal, Mehmet Eryýlmaz, Arif Asçý, Can Özbatur

Estreno en España: 29 de junio de 2007

Le damos un 8,5

Los detalles cobran fuerza y articulan un relato apoyado en la cercanía y en la comunicación no verbal desde la expresividad más absoluta. Y todo envuelto por una atmósfera sosegada.

Hay quien opta por eludir la realidad cuando se pone detrás de un visor. Otros, como el turco responsable de Lejano (Uzak), se decanta por captar el mundo que le rodea y plasmarlo sin interferir en esa comunicación: sencilla, limpia y nada prepotente.

El cineasta acota con el encuadre, por supuesto, pero Nuri Bilge Ceylan otorga primacía a la idea de mantener el tono realista por encima del resto de elementos. Da la sensación de que el autor hubiese ascendido a un estrato superior en el que las miradas, la atmósfera, valen más que cualquier diálogo superfluo.

Viendo este devenir por paisajes emocionales, geográficos y climatológicos, tenemos la sensación de estar entrometiéndonos en la vida de dos personas reales, la pareja protagonista, que lo es también en el día a día. La naturalidad tiene un coste y ese ha debido ser el complicado proceso de rodaje, ya que estar a un lado y otro de la cámara no es tarea fácil. Aún así, el turco da la sensación de que nos pasa las fotografías de su álbum de vida, pero es ficción, no crean lo contrario.

Los climas recibe un tratamiento basado en la sensibilidad, casi se palpa el buen gusto con el que está rodada. Sólo hay un par de escenas algo subiditas pero orquestadas a partir de una certera composición y recogidas con maestría, por medio de largos planos secuencia que nos retornan a nuestro lugar como mirones: al fin y al cabo, sin desentonar, entroncan con ese dar rienda suelta a los deseos más profundos, un acto que puede jugarnos malas pasadas.

Nada pretenciosa, un pelín exasperante en algún momento del metraje –aunque todo está fundado-, la película puede actuar de espejo ya que no será difícil vernos reflejados en ella, atentos si no a su origen: desde el Mediterráneo oriental nos llega esta interesante propuesta para que, en una tarde tormenta, nos seduzcan con las cosas que no se cuentan.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: 28 semanas después

2007-06-30T08:57:00.000+02:00

Director: Juan Carlos Fresnadillo
Intérpretes: Robert Carlyle, Rose Byrne, Jeremy Renner, Amanda Walker, Shahid Ahmed, Cathercine McCormack
Estreno en España: 29 de junio de 2007

Le damos un 7,5

Fresnadillo afronta el reto de continuar un producto y no sólo lo exalta sino que lo enriquece, huyendo de los típicos guiños del cine de terror y, en especial, vísceras y sangre.

Su óptica le ha llevado a relatar el ansia de seres infectados por un virus letal, un drama que viene de lejos. El principio de una catástrofe tiene su continuación, pero avisamos, que luego nos cae el chorreo: no es apta para todos los gustos, mucho menos si hablamos de los más refinados. Es cierto que para aguantar el metraje de esta cinta, aún cerrando los ojos, hay que tener estómago, pero a quien le guste el cine con ritmo, los sustos y el corte epidemiológico, sí que lo puede "disfrutar".

Finales de 2001, Intacto daba la sorpresa: un guión con enjundia, una metódica realización y actores como Mónica López y Leonardo Sbaraglia, bailando al son que les marcaba un director novel. Él no lo sabía, pero no tendría que pasar mucho tiempo para que los ojos del iconoclasta Danny Boyle se fijasen en un director de orquesta que lo mismo nos introduce en el rock más duro que nos deleita con sones de nueva era y huye de los tópicos manidos del cine de terror, desde los 70, destinado a un consumo adolescente.

Sólo él podía hacerse cargo de una historia catastrofista planteada desde el vértigo, el verismo y el ritmo de videoclip. Terror de autor es lo que propone este cineasta que, dignificando el campo sembrado de secuelas, maneja la técnica y encumbra el cine más comercial hasta las cimas del sello propio y de calidad. A lo largo de 100 minutos no deja de asombrarnos la estudiada fotografía aérea de Londres, en cada plano nos advierte de la inmensidad del vacío, del desasosiego. Y es sólo un ejemplo de lo que consigue, sin entrar en paralelismos con la realidad y apocalípticas visiones de lo que nos espera.

Era incondicional de 28 días después (estrenada en 2002), y se nota la devoción al no masacrar su esencia, algo impuesto por otro lado. Cierto es que ya la primera parte, original, lo que se dice original, no era. Basta echar un vistazo a títulos de serie B ya clásicos como El último hombre vivo sobre la tierra y La noche del cometa. A partir de esa premisa, ya podemos lanzarnos a elogiar este ejercicio desagradable, desmedido, desconcertante y, me atengo a las consecuencias, más que convincente en sus tesis.

Es cierto que le cuesta cerrar la historia o quizás no se lo planteó en ningún momento. Siendo así, hay quien no la hubiese dejado abierta de manera tan descarada, pero agradecemos que no nos tome por tontos, que no insulte a nuestra inteligencia como espectadores, aunque es verdad que a medida que avanza el metraje pierde fuelle tanto ímpetu y acaba diluyéndose en pos de una resolución tan pobre como correcta.

Se le perdonan los descuidos en el guión por esa búsqueda de la veracidad en lo que parece más un documental ficcionado que un relato de ficción al uso. Si lo que quería era innovar y aportar sustancia al género de terror, combinado eso con una excelente banda sonora y unos planos cuidados que encierran coreografías de lo más salvaje, sin olvida la cámara rabiosa, Juan Carlos Fresnadillo lo ha conseguido.

¿Cómo rodaría este autor un cuento íntimo, sin necesidad de efectos especiales, con todo más a mano? Nos lo cuestionamos después de ver el tono que impregna a un producto tan deliberadamente comercial. Es más, ojalá el próximo proyecto le lleve a un cambio de registro para confirmar, por si a alguno le quedan dudas, que estamos ante una de las más inteligentes miradas del cine europeo. De autor, sí.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: Bajo las estrellas

2007-06-16T11:01:00.000+02:00

Director: Félix Viscarret
Intérpretes: Alberto San Juan, Emma Suárez, Julián Villagrán, Violeta Rodríguez, Luz Valdenebro, Amparo Valle
Estreno en España: 16 de junio de 2007

Le damos un 8

Una ópera prima es una aventura de la que puedes no salir indemne. También puede darse el caso contrario, encumbrarte hasta las cotas más altas del cine.

Si además se trata de un cine menos convencional, alejado de las propuestas más comerciales y vinculado con un ejercicio de autor, sin que llegue a serlo, el triunfo tiene mucho más mérito.

Es lo que le ha ocurrido al debutante Félix Viscarret, un padre que premia y castiga a sus hijos, sus personajes, con mano férrea y certera, bajo la atenta mirada del padrino de los niños, Fernando Trueba, que aquí hace las veces de productor.

Viscarret ha optado por contarnos, a modo de fábula naturalista que destila melancolía y sarcasmo, con socarronería y mucha desfachatez, una historia de perdedores que se guardan un as en la manga para darnos una grata sorpresa. Para ello se basa en El trompetista del Utopía, de Fernando Aramburu, y confía sus personajes principales a actores sólidos que entran al trapo en esta comedia atípica por rozar la fibra sensible, llamar a las cosas por su nombre y confrontar personalidades muy ricas en matices. Casi nada.

La cinta está ambientada en una Estella (Navarra) que parece haber salido de una realidad paralela, anclada en un tiempo del que poco sabemos, a pesar de que sean personajes contemporáneos a nosotros. Se alzó con la Biznaga de Oro en el décimo Festival de Málaga y con razón: sólo tenía papeletas para hacerle sombra Pudor, otra primera obra, de los hermanos David y Tristán Ulloa y también basada en una novela, de Santiago Roncangliolo.

Asombra la naturalidad con la que Alberto San Juan afronta el papel de un tipo desengañado de la vida que bien podría haber sacado a relucir su lado más desagradable. Todo en él es digno de valorar, hasta su 'puerquita', la forma afectuosa con la que se refiere siempre a Violeta Rodríguez, la hija de Emma Suárez en la ficción, en quien encuentra su particular alter ego. Nos falta el cuarto en discordia, el hermano de la criatura, Julián Villagrán, quien ha dado muestras de su valía desde que se dio a conocer en otra comedia agridulce: Carlos contra el mundo.

La chatarra de la sociedad nos llega destilando poesía y con el aspecto de estos seres, desahuciados por todos aunque ricos en espíritu. Están solos bajo las estrellas. Ellos merecen encontrar su lugar en el mundo, o al menos, en nuestro cine, entre tanto guión barato y reclamos publicitarios.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: Tuya siempre

2007-05-04T20:08:00.000+02:00

Director: Manuel Lombardero
Intérpretes: Flora Martínez, Rubén Ochandiano, Nancho Novo, José Coronado, Caroline Hendreson
Estreno en España: 27 de abril de 2007

Le damos un 6

El director de En brazos de la mujer madura convierte a Flora Martínez en una de sus cicerones turísticas: adéntrese en los bajos fondos de la ciudad y vea lo que no aparece en las guías de viajes.

Si existe una clasificación de cine por colores, esta película tendría un tono grisáceo, azulón intenso y tonos pardos muy cercanos al negro. Curiosidades cromáticas a un lado, Tuya siempre es una muestra de cine negro cuyos patrones han sido revisados por un cineasta interesante por atrevido, a priori.

Correcto thriller con conciencia social y acertado resulta el retrato de esta otra Barcelona, lejos de los barrios señoriales, los centros turísticos y a resguardo del aire modernista y la ventolera modernilla. El escenario donde subsisten dos marginados (interpretados por Martínez y Rubén Ochandiano) sirve de punto de encuentro para seres que se mantienen en peligroso equilibrio, siempre con la amenaza de caer al vacío.

Bien perfilados los actuantes, quedaba definir la(s) trama(s) y es aquí donde flojea esta cinta, que sufre los desmanes de un ritmo algo descompensado y la idea de puzzle en el montaje. Aún así resulta muy interesante esta nueva visión del 'otro lado', retratado por medio de una ambientación certera, un destacado apoyo musical y una correctísima fotografía del maestro José Luis Alcaine. Donde también se confirma Lombardero es en la dirección de actores: Nancho Novo lleva dos de dos en muy poco tiempo, porque no nos olvidamos de Pudor.

Es uno más de estos desgraciados seres que pululan por estas islas dominadas por traficantes, prostitutas, mafiosos de poca monta pero capaces de hacer mucho daño y delincuentes con sueños. No tenemos la necesidad de distinguir entre buenos y malos: todos tienen razones para estar ahí y hacer lo que hacen. Sin ánimo de influir en su criterio y a pesar de que estos trozos de no-vida se dejan ver, Manuel Lombardero podría haber hincado el diente con más fuerza. Pero a lo mejor, eso de no hacer demasiada sangre...

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: Mi hijo

2007-05-04T20:02:00.000+02:00

Director: Martial Fougeron
Intérpretes: Nathalie Baye, Victor Sevaux, Olivier Gourmet, Marie Kremer, Emmanuelle Riva
Estreno en España: 4 de mayo de 2007

Le damos un 6,5

Público, crítica y jurado festivalero suelen ir por caminos diferentes. Prueba irrefutable de ello lo encontramos en la cinta ganadora de la Concha de Oro en San Sebastián 2006.

Por el tiempo que ha tardado en ver la luz, da la sensación de que los distribuidores tenían miedo a enseñarnos este claustrofóbico y amargo relato acerca del sentimiento de posesión maternal.

Sin entrar en reiteraciones argumentales, la cordura se ha impuesto y al final ha llegado a nuestras pantallas, con poco bombo eso sí, este curioso retrato de la desesperación y el egoísmo, alimentado por el exceso de autoridad, por el que su actriz principal se alzó también con la Concha de Plata en el festival donostiarra.

El amor de una madre puede ser insoportable para el que lo sufre. Detrás de esta afirmación no hay segundas que valgan, sino una sentencia que alimenta la esencia de un corto aunque intenso y un tanto previsible largometraje sobre la autoridad materna llevada a extremos.

La violencia psicológica es menos tangible que la física: no hay moratones, ni daños visibles a simple vista, pero quien la sobrelleva lleva consigo sus traumatizantes marcas de por vida. A partir de esta premisa, Martial Fougeron describe un sinfín de situaciones agrias esbozadas de manera seca y austera aunque con concreción y un, por momentos, desmedido punto de reiteración que podría haber provocado su caída.

Pero ahí estaba ella para sostener esta bajada a los abismos: pocas actrices me convencen tanto como la francesa Nathalie Baye. No he obviado ningún título protagonizado por ella desde que la conocí flirteando en la cama con Sergi López y verborréica perdida en Una relación privada.

En esta década –ella lleva en la brecha mucho más tiempo- he visto Según Matthieu, Venus, salón de belleza, La flor del mal… películas más o menos interesantes, bodrios y maravillas, pero todas ellas con un denominador común: la que fue musa de François Truffaut siempre estaba espléndida. Lo mismo ocurre aquí, donde además de ser el principal reclamo, ejerce de salvadora de una cinta que bien podría haber sido obviada y tampoco hubiésemos sufrido mucho.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: I love Miami

2007-05-04T19:54:00.000+02:00

Director: Alejandro González Padilla
Intérpretes: Juan Luis Galiardo, Ofelia Medina, Jaime Camil, Adrian Alonso, Johnny Lozada, Alicia Machado
Estreno en España: 27 de abril de 2007

Le damos un 4

¿Una película sobre la nueva vida de Fidel Castro en Miami? ¡Qué pereza! Fue lo primero que pensé, aunque a veces, hasta de lo más absurdo se extraen conclusiones interesantes.

Castro está enfermo. Eso es lo que dicen desde su gobierno en La Habana. Lo cierto es que ha desaparecido y esa es la noticia que han dado a conocer para ganar tiempo y preparar la transición a otro mandatario. Partiendo de esa premisa, que bien podría ser cierta, llegamos a unos planteamientos, estos sí, muy alejados de la realidad.

Confesada mi reticencia inicial he de decirles que no era para tanto. Que la soporté y no sólo eso, ya que también, por momentos, me entretuve, aunque sin llegar a convertirme en un adepto a la propuesta. Buena parte de ello recae en las situaciones surrealistas, imposibles de reproducir si no es con ayuda de un buen actor, que exprime un guión disparatado y le da entereza, porque esto de contar el drama de los balseros a partir del más ilustre de los mismos, tiene miga.

Juan Luis Galiardo me parece uno de los grandes intérpretes vivos, pero a veces me embriaga demasiado al confundir persona con personaje. El gaditano goza de mi simpatía pero esto no es suficiente ya que a veces no veo otra cosa en la pantalla que a él (a pesar de su buena caracterización), así que se agradece el vaivén de las tramas, que salpican a otros personajes, como el interpretado por el niño, un metódico actor que ya fue hijo en la ficción de Catherine Zeta-Jones y Antonio Banderas en la segunda entrega de las aventuras de El Zorro.

De la anécdota cómica, del guiño a la supuesta actualidad, se pasa al cine con conciencia social. La aventurilla del nuevo Fidel nos sirve para conocer otras Cubas y a otros cubanos obligados a (sobre)vivir fuera de la isla. Es aquí donde damos rienda suelta a nuestro interés ante la posibilidad de ver lo que ha generado el régimen castrista fuera de sus demarcaciones.

Es cierto que existe un velo de histriónico y pamplinoso que empaña la realidad, pero desde la ironía y la farsa también se puede plantear el debate político. La credibilidad es otro asunto a tratar que les dejamos a ustedes. Un apunte para finalizar: tuve oportunidad de verla en el Festival de Málaga, gratis; esto me lleva a pensar de manera objetiva empleando la regla de los 6 euros por entrada por lo que, con total seguridad, me replantearía esta reseña.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: La maldición de la flor dorada

2007-05-04T19:45:00.000+02:00

Director: Zhang Yimou
Intérpretes: Chow Yun Fat, Gong Li, Jay Chou, Ye Liu, Dahong Ni, Junjie Qin

Estreno en España: 27 de abril de 2007

Le damos un 7,5

Aquellos que creyeron que después de La casa de las dagas voladoras no íbamos a disfrutar de una orgía plástica y una explosión de los sentidos similares estaban equivocados.

Si bien la historia puede resultar menos atrayente que las narradas en sus títulos anteriores, Zhang Yimou otorga un halo de distinción supremo a su, perdónenme el termino, folletín ambientado en la china de la Dinastía Tang, que es como nuestra Edad Media pero con mucho más glamour y brillo, al menos visto por los historiadores que adecentan y maquillan el relato verídico en su adaptación al cine.

Si le ha resultado peyorativa la referencia novelesca siga leyendo, pues he aquí un firme defensor de un cineasta que lleva más de dos décadas en la brecha. Saca el máximo rendimiento a películas, que son algo más que experimentos y un simple despliegue de medios bien gestionados, y prueba de ello es el deleite que supone ver La maldición... en pantalla grande a pesar de sus puntos débiles, más acuciados que en otras ocasiones.

Lejos queda ya el tono íntimo de sus primeras producciones o de la última, El camino a casa, antes de su etapa 'wuxia', iniciada por Hero. Aunque esto no es del todo cierto, ya que si le quitamos el envoltorio, es decir, las grandes coreografías, las luchas ralentizadas, el desenfreno plástico, queda eso, la historia. Detrás de toda épica, de la manifestación de poderío y ostentación, hay sentimientos que se encargan de encarnar los intérpretes que dan vida al poco indulgente emperador y al extraño personaje que vincula este relato con las grandes tragedias del teatro de Shakespeare, del mismo modo que el telón de fondo de La casa... recordaba al mundo de ladrones que roban a los ricos para ayudar a los pobres.

Dignísimo es el reencuentro de la excepcional Gong Li con el cine de su país de manos de su descubridor. La madurez y la impronta le hacen merecedora de este personaje de relumbrón del que no habría podido sacar partido, por la edad y su físico, la también musa de Yimou, Zhang Ziyi. Li se mueve con soltura por palacio pero, y esto es más inherente a la trama que a los personajes, ve como su alma y su corazón se pierden entre tanta suntuosidad, que también afecta al ritmo de la cinta.

A pesar de este último apunte, Zhang Yimou ya ha demostrado que es un maestro del cine, capaz de satisfacer su ego creativo y dejar boquiabiertos a los demás. Ahora bien, después de este soberbio y elegante paréntesis épico, debería replantearse volver a la encrucijada y tomar el otro camino abandonado, que si no la maleza que lo oculta le impedirá seguirlo.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: La fuente de la vida

2007-05-04T19:34:00.000+02:00

Director: Darren Aronofsky
Intérpretes: Hugh Jackman, Rachel Weisz, Ellen Burstyn, Mark Margolis, Stephen McHattie, Fernando Hernandez, Cliff Curtis
Estreno en España: 27 de abril de 2007

Le damos un 6

El sacrificio se nos presenta aquí como una forma de suicidio. No hablamos de la historia, ni de los personajes, sino del director al aventurarse en una película que nada contracorriente.

Hay películas surrealistas que tienen por donde agarrarlas. Este poema visual es eso, una elegía, una especia de canto de cisne, así que sus responsables esperan un sobreesfuerzo por nuestra parte.

Imagine una cajita que encierra metáforas, referentes filosóficos y culturales, recuerdos, sensaciones, errores, imágenes de gran belleza, recortes, lágrimas... Así es esta película que, más que fascinar, atrapa nuestra atención, aunque sea apoyándose en nuestra espera para saber qué camino va a seguir. Quizás por reforzar este enganche, de su argumento diremos que el amor da fuerzas para todo, que es un acto de fe, de entrega y abnegación y, como tal, también tiene sus víctimas.

Después de desplegar las ideas, aquí la victima puede ser el público. Somos espectadores acostumbrados a una prosa cinematográfica con sus reglas ortográficas y gramaticales, con su significados y sus interpretaciones... Nos hemos educado en un cine 'normal', con una narrativa concreta y por ello, ante propuestas nada corrientes, solemos mostrarnos reacios.

Los primeros planos de Rachel Weisz, el duro trasfondo de la relación entre su personaje y el interpretado por Hugh Jackman, las buenas intenciones plásticas y la retórica empleada y en ciertos aspectos edulcorada se contrarrestan con lo previsible de una narración que no por ser atípica resulta más seductora y peca de excesiva pedantería plástica. El guión, lejos de asombrar, destaca por su simpleza, aspecto negativo que, mirándolo con buenos ojos, acaba convertido en curiosa virtud al remarcar la impronta estética.

Quiero dejar claro que la tercera cinta de Darren Aronofsky (después de Pi y Réquiem por un sueño) me provocó, me picó. Son verbos que empleo cuando no sé si algo me convenció o no: es como ver un cuadro abstracto en un museo. La valentía formal casi siempre está reñida con nuestro gusto, apoyado en la herencia cultural aprehendida. Por eso, resulta constructivo no permanecer herméticos ante apuestas diferentes que extraen de nosotros el lado más crítico.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: Sunshine

2007-04-20T18:49:00.000+02:00

Director: Danny Boyle
Intérpretes: Rose Byrne, Cliff Curtis, Chris Evans, Troy Garity, Cillian Murphy, Hiroyuki Sanada, Benedict Wong, Michelle Yeoh
Estreno en España: 20 de abril de 2007

Le damos un 8

Respetable ejercicio de ciencia ficción con más pretensiones que sustancia. Así es este compendio de terror, elucubraciones metafísicas y supervivencia heroica cubierto por un precioso papel de regalo.

Si lo desenvolvemos, es decir, si le quitamos la excelente factura técnica, nos queda un paquete-bomba de reflexiones capaz de estallarnos en el momento en que el ideario se diluya por la aplicación de los estándares del thriller.

Antes de que siga leyendo le tengo que confesar que Danny Boyle tiene toda mi simpatía: me parece un tipo atípico y gracias a eso, un cineasta que no le hace ascos a nada: lo mismo se recrea en una fábula con niños con ángel y obsesionados con los santos (Millones) que diezma a la población británica (28 días después) y nos adentra en los submundos sociales con Trainspotting. Tiene talento e ínfulas de grandeza a partes iguales, una mezcla que equilibra la balanza en este curioso puzzle, extraño dentro del género vamos-a-salvar-el-mundo, por ello interesante, y desigual en cuanto a lo estrictamente narrativo, y es aquí donde flojea la cosa.

Su excelente capacidad para relatar historias le ha llevado a narrar la crónica de los últimos días de la vida en la Tierra desde un punto de vista más realista, diferente del triunfalismo al que nos tienen acostumbrados los de Hollywood. Eso no quiere decir que la película sea positiva, todo lo contrario: el sol se muere y aquí no hay trampa ni cartón. Lo previsible de su argumento se diluye en cuanto toman carrerilla el ritmo y la tensión a las que nos somete, apoyados –todo hay que decirlo- en ciertos episodios más propios de una suerte de títulos enmarcados en el terror cutre y el catastrofismo barato.

Sunshine es lo que obtendríamos si cruzáramos 2001: Una odisea en el espacio y Solaris (tanto en cuestiones argumentales como formales), con Armageddon y títulos de la factoría Wes Craven. Se nota el influjo de clásicos como los primeros mencionados y la joya del terror espacial, Alien, el octavo pasajero. Los planteamientos iniciales resultan muy atractivos, pero pierden consistencia al tiempo que avanza el metraje y se deja llevar por el efectismo de producciones más comerciales.

Aún así merece la pena, por los símiles -Ícaro es el nombre de su nave- y el trasfondo psicológico de unos personajes muy bien interpretados por actores consagrados pero poco reconocibles por el espectador: Cillian Murphy, visto travestido en Desayuno en Plutón y héroe a la fuerza en la epidémica 28 días después, Michelle Yeoh (Tigre y dragón, Memorias de una geisha), Chris Evans (la antorcha humana de Los 4 fantásticos) y Cliff Curtis (La fuente de la vida, River Queen), entre otros.

Nos dejamos contagiar por la claustrofobia física y la angustia espiritual de estos seres abocados a un triste final por la buena continuación de nuestra vida. Su experiencia se ilustra con un cóctel de efectos especiales, fotografía de gran calidad plástica y un sonido impecable –en caso de ser así el que nos llegase en el espacio exterior-, elaborado en lo que tuvo que ser una agotadora fase de postproducción. Con sus errores, Sunshine hace pensar a priori para luego entretener, que no es poco.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: River Queen

2007-04-20T18:18:00.000+02:00

Director: Vincent Ward
Intérpretes: Samantha Morton, Kiefer Sutherland, Cliff Curtis, Temuera Morrison Estreno en España: 20 de abril de 2007

Le damos un 5,5

El director de la curiosa Más allá de los sueños experimenta, sin mucho acierto, en este drama exótico que vincula pueblos belicosos que pretenden imponerse a otros con búsquedas interiores de todo tipo.

Si Australia está lejos lo cierto es que su historia nos resulta algo más conocida por el cine que la de su vecina Nueva Zelanda, aunque no mucho más. Vincent Ward, que es oriundo del país convertido por Peter Jackson en la Tierra Media de Tolkien, intenta poner su granito de arena a la causa realizando una aproximación histórica, no muy contextualizada la verdad, al pasado colonial de estas islas.

Seguro que la actriz Samantha Morton les conquistó en Código 46, de corte futurista, y en la tremenda En América, donde daba vida a una irlandesa que emigraba junto a su familia a Estados Unidos. Aquí retrocede siglo y medio para llegar, también como extranjera, a una tierra extraña que despertará de golpe por culpa del colonialismo. Rodeada de otros prestigiosos intérpretes como Cliff Curtis –al que podemos ver en Sunshine-, Stephen Rea –que aquí se prodiga poco- y Kiefer Sutherland –pocos saben morirse como él-, sucumbe a las pretensiones de un director al que se le descompensa la jugada.

Resulta curioso este viaje río arriba y partimos de una idea: es irregular en cuanto a su relato, equidistante entre el tedio y el ritmo frenético, es decir, mal nivelado. A veces nos atrapa la acción, nos atrae lo que se narra y, casi de manera instantánea, nos evadimos por culpa de un abuso de la voz en off y de localizaciones de insuperable belleza. Pensarán que exagero, pero a veces se me iba la mente hasta El Piano y creía ver a Holly Hunter moviéndose con dificultad con su vestido entre la maleza y el fango, pero las detonaciones me devolvían al escenario de una lucha descarnada (y en parte fraticida) entre el ejercito inglés y las tribus aborígenes maoríes.

La idea de búsqueda domina todo el metraje: encontrar la verdadera identidad, perseguir a los que te arrebataron la vida, buscar un futuro mejor que el presente tormentoso... Si bien puede resultar interesante este mix de deseos por cumplir, el ritmo al que nos somete el director llega a rozar el aburrimiento extremo, sin olvidar la falta de profundidad en los perfiles de ciertos personajes determinantes en la historia.

Sin entrar en giros reiterativos y en la poco creíble historia de amor por estar construida con apenas datos, River Queen, suerte neocelandesa de La reina de África, sólo acierta al poner en su punto de mira un episodio histórico diferente, pero suspende al no dotarlo de entereza argumental y aderezarlo con bonitos y exóticos paisajes y reflexiones pueriles acerca de seres condenados a vivir divididos entre dos culturas.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: La vida en rosa (Edith Piaf)

2007-04-20T17:58:00.000+02:00

Director: Olivier Dahan
Intérpretes: Marion Cotillard, Sylvie Testud, Pascal Greggory, Marc Barbé, Emmanuelle Seigner, Jean-Paul Rouve
Estreno en España: 20 de abril de 2007

Le damos un 7

Lejos de la biografía al uso, convence por el perfil 'real' que esboza acerca de la artista Edith Piaf, cuyas canciones se convirtieron en himnos para diferentes generaciones.

El problema de acercarse a un mito es que muchos de sus fans –aunque éste no sería el término correcto- se pueden volver en tu contra. Ese era el riesgo que corría Olivier Dahan con este retrato de una leyenda sagrada para nuestros vecinos del norte.

¿Cómo se puede ganar a un público tan difícil de penetrar? La respuesta es bien sencilla: contando con una actriz que se transforme rasgándose la piel y buscando desde dentro la personalidad de un personaje del que se tienen referencias para aburrir. Lo ha hecho Marion Piaf, perdón, Cotillard, irreconocible en su transformación: rascando encontramos a la actriz que se tomó la justicia por su mano en Largo domingo de noviazgo y entró en el universo de Tim Burton con Big Fish.

Si una canción evoca un estado de ánimo, una película debe hacer lo mismo: provocar emociones y remover los sentimientos dormidos. Es lo que debió pensar el responsable de esta biografía audiovisual apoyada en cicatrices y triunfos sesgada a conciencia con el fin de servir de vehículo hacia una época pasada y recreada no sólo por los decoradores ambientadores, sino también por un reparto donde sobresalen Gerard Depardieu y Emmanuelle Seigner.

Igual que ocurre cuando uno lee un libro y lo recrea en su mente, un personaje de leyenda cobra vida en nuestra cabeza después de haber recibido innumerables impactos informativos. De esta forma, La vida en rosa (la película, no la canción) es una idealización de una estrella a partir de una compilación de biografías oficiales, recortes en prensa, audiciones de su discografía y percepciones personales –éstas se llevan la mayor parte del pastel-.

El fundamentalismo popular y los ánimos destructivos de ciertos críticos pueden condicionar el futuro de este loable trabajo, caso similar al de la reciente Lola, la película, con una soberbia Gala Évora. Después de este comentario chovinista ibérico –por hacer paralelismos entre dos artistas, dos mitos-, sólo nos queda destacar que puede parecer excesivo su metraje que, aunque compensado por un excelente banda sonora, merma en parte la capacidad de impacto que ostenta este retrato de La Môme desde su primer fotograma, con el que se inicia una vida apasionada y apasionante.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: Moscow zero

2007-04-14T10:16:00.000+02:00

Director: Luna
Intérpretes: Val Kilmer, Vincent Gallo, Oksana Akinshina, Joss Ackland, Rade Serbedzija
Estreno en España: 4 de abril de 2007

Le damos un 3

El entretenimiento suele estar reñido con la perfección cinematográfica. Es lo que ocurre con la esta nueva muesca en la carrera de Luna, cineasta tan atípica como criticada.

Dispar. Así es la obra de María Lidón, más conocida en la industria por su apodo espacial que da idea de que orbita por otros lares. Su mirada atrevida al cine de hoy le hace merecedora de elogios y burlas.

A las segundas vamos a llegar muy pronto, sólo permítanme que recordemos la filmografía de Luna: comenzó con Náufragos, una aventura en Marte increíble y peor contada, para seguir después con Yo, puta, donde combinaba el tono documental con la farsa, contando con Daryl Hannah y Denise Richards.

¿De dónde saca la financiación para sus proyectos? ¿Cuáles son sus contactos en el mundillo? Deben ser interesantes para contar con intérpretes afamados como Val Kilmer y otros cotizados por su valía, caso de Joaquim de Almeida, que aquí no hace gala de ella. Ya que consigue tanto dinero, la cuestión que se plantea es el porqué de sus descuidos en el guión y las incoherentes interpretaciones de sus actores-estrella, que rozan el patetismo.

Que las entrañas de Moscú puedan generar una y decenas de historias dignas de llegar al cine es algo que no nos coge de improviso. ¿Por qué no consigue atraparnos esta bajada a los infiernos tomando como entrada el transporte metropolitano moscovita? El ambiente claustrofóbico y oscuro se contagia de una apatía formal que se traduce en planos repetitivos, música recurrente y un guión tosco que bebe de dos referentes ya clásicos: El espinazo del diablo, de Guillermo del Toro, y el rotundo cortometraje 7337, acerca de un grupo de niños que 'se esconden' en una escuela durante la Guerra civil española y... Hasta ahí podemos contar.

Dándole incluso el beneficio de la duda –puede que Luna no vea muchas producciones españolas-, Moscow zero debe remontar las pre-críticas que suele generar esta directora. Esto cuesta tanto o más que creernos que las profundidades de Moscú están controladas por tribus urbanas que aparecen y desaparecen por arte de magia y asisten perplejos a los delirios de un tipo obsesionado con leyendas que se remontan a 1920.

Mal narrado, este cuento resulta intragable, mucho más si se adereza con guiños absurdos: un cura que se besa con una peculiar guía de ese inframundo, la eterna lucha entre los vivos y los muertos por un mismo lugar en el mundo (de los vivos, claro) y los rápidos movimientos de cámara siguiendo estelas y sombras, las mismas de toda película de terror mala.

Por cierto, amigos directores de cine, algunas de las mejores historias del género ocurren a plena luz de día, caso de ¿Quién puede matar a un niño? Ahí no hay oscuridad que camufle las imperfecciones.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: Diario de un escándalo

2007-04-14T10:06:00.000+02:00

Director: Richard Eyre
Intérpretes: Judi Dench, Cate Blanchett, Bill Nighy, Andrew Simpson, Phil Davis, Michael Maloney, Juno Temple, Max Lewis
Estreno en España: 30 de marzo de 2007

Le damos un 5

El deseo se convierte en motor de una película que sería prescindible de no ser por dos actrices con fuerza, principal reclamo de un título que bien podría pasar por telefilme de sobremesa.

La envoltura llama la atención en un primer momento, tiene una cuidada factura técnica, interpretaciones contundentes y, sin embargo, empieza a destacar el relato plano, que sorprende en muy pocos momentos y corre el riesgo que desde el principio huela a conocido.

Innegable es la contribución de Judi Dench y Cate Blanchett, que sustentan la producción y sin ellas, mal iríamos. La veterana consigue crear un personaje enfermizo, lleno de aristas e interesante por inspirar lástima y odio a partes iguales; la australiana debe aguantar las arremetidas de Dench, que no es poco, además de hacer creíble la soledad a la que de manera progresiva se va enfrentando, origen esto de una desesperación que resulta muy creíble. En definitiva, la mejor opción para dar impronta a unos seres antipáticos, uno más que otro, en una situación nada cómoda.

Detrás del libreto está Patrick Marber, el mismo que convirtió en marionetas a los personajes de Closer. Él se encarga de la adaptación de la novela Notes on a scandal de Zoë Heller, aunque se deja llevar por dos golpes de guión demasiado evidentes. A pesar de todo consigue elevar la tensión. No obstante hay que decir que no es mérito suyo sino del montaje y la realización de Richard Eyre, que además se apoya en la música de Philip Glass, autor de la excelente banda sonora de Las horas.

Así, con una materia prima más bien pobre pero con unos artesanos de primera, se consigue mantener en tensión al espectador. ¿Cómo se logra esto? Acudiendo a patrones de trabajo que no son más que técnicas y he aquí un ejemplo: Dench ya trabajó a las órdenes de Eyre en Iris por lo que el director ya sabe cómo exprimir a la actriz por medio de planos que nos hipnotizan, en gran medida gracias a la fuerza dramática de ella.

A pesar de los esfuerzos de todos por guiarnos en un relato acerca de la obsesión, el miedo a morir solos y el sentimiento de culpa, y de la intensa labor de dos intérpretes pertenecientes a generaciones diferentes y capaces de crear escuela –sin olvidar al coro de secundarios-, hay algo que nos resulta demasiado familiar, y no es el cartel, que recuerda al de Hable con ella –con distinta tonalidad cromática y sin los rostros de Leonor Watling y Rosario Flores-. Todo esto nos hace pensar que estamos ante una película para consumo televisivo, muy bien hecha, eso sí.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: Pudor

2007-04-14T10:00:00.000+02:00

Director: David Ulloa, Tristán Ulloa
Intérpretes: Nancho Novo, Elvira Mínguez, Natalia Rodríguez, Celso Bugallo, Carolina Román, Marcos Ruiz, Lorena Mateo
Estreno en España: 13 de abril de 2007

Le damos un 7

Sin guiños amables y con mucha valentía, los hermanos Tristán y David Ulloa debutan en la dirección con una interesante mirada íntima a las tumultuosas relaciones entre náufragos de una misma familia.

Con honestidad y recato entran en el feudo de la podredumbre emocional y el mal olor. Perdónenme este juego de palabras con los significados del término que da título a la cinta, pero es que resume con acierto la expedición que realizan estos debutantes –si olvidamos el corto Ciclo- al territorio de lo íntimo e individual.

Dicen que los actores que se pasan a la dirección tienen una óptica especial, una manera diferente de afrontar un proyecto. Aunque muchos se arriesgan con una historia propia (Laura Mañá y Sexo por compasión; Federico Luppi y Pasos; Carlos Iglesias y Un Franco, 14 pesetas) otros se apoyan en textos ajenos que hacen suyos. Es el caso de Tristán Ulloa que se nutre de la novela de Santiago Roncangliolo y la pericia técnica de su hermano David para levantar el microuniverso abigarrado y claustrofóbico de Pudor.

La cámara se convierte en nuestra mirilla para husmear en el hábitat de unos seres perdidos que se desnudan ante nuestros ojos. En el paso del papel a la pantalla no huyen del dramatismo, pero tampoco caen en el tedio de los que se regocijan en las desgracias de los otros, hurgando en las heridas. Lo hacen con sentido (común) y sensibilidad (especial), de una manera nada sutil pero tampoco sangrante en exceso, dando atisbos de esperanza.

Entre los nubarrones se cuela algún rayo de sol y, siguiendo con los símiles, abrimos el paraguas y nos refugiamos bajo el chaparrón de películas sobre la familia, ese objeto de investigación sobre el que han experimentado tantos cineastas: Ettore Scola (La familia), Sam Mendes (American beauty), Ang Lee (La tormenta de hielo)... En ellos parecen inspirarse los hermanos Ulloa para sacar un lado de voyeur combinado con una ejecución apoyada en los pilares del suspense y el ligero surrealismo que les separa del costumbrismo más típico.

Como el naturalista que observa a las fieras, nos acercamos a una familia herida sobre la que revolotean los buitres esperando que alguno desfallezca. Elvira Mínguez, Nancho Novo y la joven Natalia Rodríguez sobresalen respaldados por un reparto bien elegido: Celso Bugallo, Joaquín Climent y Nuria González. Y volviendo al par de responsables, uno dirige mientras el otro realiza, por eso está tan bien la dirección de actores y no encontramos errores en la fotografía, la música y el montaje. Es decir, el tándem perfecto del que esperamos más películas.

Nos reservamos un último apunte y se lo dedicamos al escenario: Gijón. Se trata de una huida necesaria de los focos de rodaje habituales, Madrid y Barcelona. Por sus calles deambulan seres que, a pesar de vivir juntos, están solos y se muestran herméticos... ¿fábula o realidad?

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: Días de gloria

2007-03-30T08:57:00.000+02:00

Director: Rachid Bouchareb
Intérpretes: Jamel Debbouze, Samy Nacéri, Sami Bouajila, Roschdy Zem, Bernard Blancan, Mathieu Simonet, Benoît Giros, Mélanie Laurent

Estreno en España: 30 demarzo de 2007

Le damos un 6,5

Sin que lo entiendan de manera peyorativa, este interesante ejercicio de cine bélico puede funcionar mejor como panfleto contestatario y reivindicativo que como película.

Concebida como homenaje a todos los argelinos que lucharon contra las tropas alemanas en los años 40, esta cinta ha logrado que los grandes olvidados por la Historia reciban distinciones y tributos que van allá de la simple medallita. Nos referimos a la subida de pensiones a los ex combatientes magrebíes, un incremento monetario que sin duda alimenta más que los galones.

Esta puntilla no tiene valor cinematográfico o sí, según se mire. El caso es que hay un trasfondo social e histórico que ha alimentado el interés por este drama que sigue los avatares de un grupo de soldados argelinos que buscan, algunos sin saberlo, su lugar en el mundo, una historia que deja patente la supuesta relevancia de las banderas y los símbolos. Pero esa si que sería otra cruzada.

Ver la guerra con otros ojos y contar las batallas de otra forma. Ese es el principal acierto de esta película que mucho tiene que ver, en su forma y en las intenciones, con el dueto formado por Banderas de nuestros padres y Cartas desde Iwo Jima. Adentrarse en el terreno del drama bélico no es tarea fácil, romper con los patrones establecidos ya parece una locura e introducir carga crítica puede hacer que uno se gane más de un enemigo.

Entre balas perdidas y la desazón contagiosa de los personajes destacan los diálogos, no exentos de verdad y sutileza. Me recordaron grosso modo y sin tanta ironía a los de En tierra de nadie, otro curioso ejercicio de cine bélico con sustancia. La ópera prima de Danis Tanovic nos presentó la guerra de los Balcanes desde otro punto de vista. Rachid Bouchareb sugiere una visión diferente acerca de la Segunda Guerra Mundial que todos conocemos, de la idea de patriotismo y de la distinción entre clases y razas: al final, y mucho más en la lucha por la defensa de un país, todos somos iguales.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: Nordeste

2007-03-30T08:48:00.000+02:00

Director: Juan Solanas
Intérpretes: Carole Bouquet, Mercedes Sampietro, Juan Pablo Doménech, Goya Toledo, Enrique Piñeyro, Ignacio Jiménez, Aymará Rovera

Estreno en España: 30 de marzo de 2007

Le damos un 4

Querer no es poder: así podemos referirnos a esta pobre película donde destaca la presencia de Carole Bouquet, que se esfuerza por no parecer perdida, y no en la traducción precisamente.

Era un chiste demasiado fácil, lo siento. El caso es que la actriz francesa pone toda la carne en el asador y demuestra que es una gran actriz y mejor persona al hacer gala de su conciencia social y cinematográfica apoyando productos condenados al olvido.

A veces salvamos una película por sus buenas intenciones. Las de Juan Solanas no son discutibles: pretende dar detalles acerca de la adopción internacional que puede rozar la ilegalidad, intenta mostrar el drama de una madre frustrada por no poder dar un presente a su hijo, aspira a narrar una historia con interés... En definitiva, promesas y más promesas que no son suficientes para sustentar un largometraje de este calado.

Se echa en falta, entre muchas otras cosas, una claridad de planteamiento formal: en su inicio tenemos en paralelo dos relatos que mantienen un interés relativo hasta que se cruzan; si ya nos costaba asimilarlas por separado, debido al falso tono documental y la ausencia de ritmo fílmico –no basta con emplear distinciones de fotografía del tipo Traffic-, a partir del minuto 20 discurren por un camino plano donde sólo sobresalen las pinceladas sobre el entorno en el que se desarrolla la historia.

Mención especial merecen los diálogos, que se esfuerzan en ser naturales: hay una secuencia inicial con Goya Toledo y Bouquet de la que no les digo nada. En definitiva, además de la pobreza general de la producción –y no vale eso de que con poco presupuesto no se hacen milagros-, todo resulta previsible. Esto ya podría hundir una historia pero, por si fuera poco, añadimos el sopor que nos produce a lo largo de 104 minutos que se nos antojan interminables.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: Hannibal, el origen del mal

2007-03-26T19:38:00.000+02:00

Director: Peter Webber
Intérpretes: Gaspard Ulliel, Gong Li, Rhys Ifans, Kevin McKidd, Dominic West, Richard Brake
Estreno en España: 16 de marzo de 2007

Le damos un 6

Viendo el resultado nos cuestionamos si era necesario conocer los ya presupuestos orígenes del asesino caníbal o si estamos ante una excusa barata para estirar un guión facilón y escaso en sorpresas.

A veces no hay mal que por bien no venga, ya que gracias al interés de Dino y Martha De Laurentiis por explotar un filón económico hemos podido disfrutar del alarde interpretativo del joven Gaspard Ulliel, acompañado de la sensual y siempre interesante Gong Li, pero poco más.

Concebida para dar respuesta a las preguntas que todos nos hacíamos, al final todo resulta tan evidente que ese compendio introductorio podría haber servido para dotar de contenido el simple prólogo de cualquier otra entrega sobre las andanzas de uno de los asesinos en serie (y serios) más famosos del siglo XX.

Siguiendo la estela de Christian Bale en Batman begins, Ulliel (Largo domingo de noviazgo) nos ayuda a desenraizar los pocos pero contundentes conflictos que degeneraron en asesinatos y juegos de seducción. Es la principal apuesta de una cinta que, de no apresurarse a sentar las bases de una historia con sustancia, pasaría por estético y 'rutinario' ejercicio de venganza tras una afrenta cruel y sanguinaria, lo normal en esos casos de desagravio.

Uno de los aciertos de un director es su capacidad para omitir pasajes innecesarios y no caer en las reiteraciones. Si ha visto Munich, de Steven Spielberg, ya sabrán de qué hablo. El joven Lecter se pasa toda la película, unos alargados 117 minutos, con una sed de venganza que no llegará a saciar y claro, nos podría haber ahorrado algún que otro episodio imaginable, recreándose más en el abandono de la inocencia y el despertar sexual del protagonista.

Peter Webber (La joven de la perla) se presenta como un realizador correcto capaz de dotar de interés un argumento más bien plano, recreando una atmósfera de misterio e introduciendo personajes a priori interesantes, como el de Lady Murasaki y el de Grutas, un malo malísimo. Al final no desentonan y cumplen con el libreto, trazado para satisfacer las ansias de entretenimiento de ciertos espectadores, aquellos que seguro no van a echar de menos la ausencia (justificada, por otro lado) de Anthony Hopkins.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: Atlas de geografía humana

2007-03-26T19:34:00.000+02:00

Director: Azucena Rodríguez
Intérpretes: Cuca Escribano, Montse Germán, María Bouzas, Rosa Vila, David Selvas, Nacho Fresneda
Estreno en España: 23 de marzo de 2007

Le damos un 6

Tanta corrección y apatía formal hace que desconectemos de la historia, aunque cuando entramos en ella logramos pasar algunos momentos entretenidos.

Antes de comenzar deberíamos dejar claro nuestra postura ante lo que se conoce como 'cine de mujeres': no hay un género concreto, es decir, no existe el drama contado por hombres ni el terror narrado por mujeres... Hay una mirada femenina, sería ilógico negarlo, pero no es un modus operandi.

Cambian los puntos de vista, sí, pero eso tan manido del 'hecho por mujeres' como marca distintiva, y a veces peyorativa, debería caerse de nuestro vocabulario, ya que no deja de ser un burda etiqueta que menosprecia el discurso feminista en nuestros días. Así que esta película, donde coinciden cuatro protagonistas femeninas y está dirigida por una mujer -aunque no sea vinculante-, se caracteriza por ser un recatado tratado acerca de la dependencia del amor, de sentirse enamorado y querido al mismo tiempo.

La obra de Almudena Grandes, más conocida como 'filón para guionistas', ha sido adaptada casi en su totalidad. Comenzó Bigas Luna con Las edades de Lulú y Gerardo Herrero la convirtió en su escritora de cabecera (Malena es un nombre de tango, Los aires difíciles), con permiso de Belén Gopegui. Todo queda en casa, ya que en la producción de Atlas... planea la sombra del propio Herrero. Será por eso que se nota el tono formal que tienen en común con esas cintas y otras como El principio de Arquímedes y Las razones de mis amigos.

No vamos a gritar que a todas les falta alma pero sí que en demasiados momentos sus personajes parecen agarrotados, faltos de movimientos, a lo que hay que sumar unos diálogos demasiado literarios. Aún así y a pesar de que Azucena Rodríguez no arriesga, quizás por temor a desvirtuar la esencia de la novela homónima, consigue hacernos pasar una rato divertido, con media sonrisa, aunque sea desde los estereotipos, no tan marcados como en películas planas que no tienen otro fin que su pase por televisión, y ya es mucho.

Las actrices y sus 'segundones' –Alberto Jiménez, David Selvas, Boris Ruiz- se esfuerzan por dotar de vida a sus personajes. Lo consiguen aunque lleguen a perderse en una realización simplista que no enaltece el contenido. Quizás Azucena Rodríguez, que desde Entre rojas en 1995 no se hacía cargo de un largo, no debería haber perdido la práctica. Al fin y al cabo no sobran las directoras femeninas.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: Lola, la película

2007-03-26T19:28:00.000+02:00

Director: Miguel Hermoso
Intérpretes: Gala Évora, José Luís García Pérez, Carlos Hipólito, Ana Fernández, Antonio Morales, alfonso Begara, Kiti Mánver
Estreno en España: 16 de marzo de 2007

Le damos un 7

Huyendo de estereotipos y salvando todas sus interpretaciones, el director de Fugitivas y La luz prodigiosa repasa en esta cinta elegante y muy correcta dos décadas de la historia de nuestro país.

Afectuoso resulta este homenaje a las mujeres que tuvieron que adaptarse a las circunstancias de una época difícil. Muchas no consiguieron sobrevivir pero hubo alguna que otra que logró hacerse un hueco, como nuestra guía.

Aunque queramos abstraernos de la tesis inicial a todos, que más o menos conocemos la historia de Lola Flores, nos parecerá estar viendo una biografía ficcionada, del estilo de Camarón. Costará por tanto descubrir que el cineasta granadino, además de sensibilidad y visos de antropólogo, tiene un pulso certero que le ayuda a narrar una historia atractiva, más allá de los referentes reales. Con la técnica aprehendida, sólo tiene que dejarse llevar por un paseo bien adoquinado y fácil de recorrer a pesar de que a veces pase por terrenos fangosos donde nos retrasamos por cierta reiteración.

Esa es la principal pega de una narración que desplegaba un sinfín de caminos: el más vistoso e interesante contemplaba las etapas iniciales –repletas de posibilidades dramáticas- donde una pobre chica que no era ninguna persona fuera de lo común se convierte en mujer y artista. Cuando el personaje resuelve contradicciones (triunfar, pero siendo respetada) continúa la parte de la historia más conocida, la de estrella, y es ahí donde termina la ficción. De ahondar en ella saldría una trilogía, contemplando además el género documental. Se la podrían encargar a Hermoso, que esboza de manera sutil los años más oscuros de la España del siglo XX, justo después de la Guerra Civil, y se apoya en profesionales solventes como la coreógrafa Cristina Hoyos.

Que difícil es separar la ficción de la realidad, que se lo digan al joven reparto que responde a eso de 'bocanada de aire fresco': cada aparición supone un impacto visual enorme al que asociamos todos nuestros referentes sobre el personaje en cuestión. Sus interpretaciones tienen tanta fuerza que hipnotizan: es el caso de Ramón Villegas (el futbolista Biosca), Alfonso Begara (Antonio González, El Pescaílla) y, sobre todo, Gala Évora, a quien le sobra fuerza para sostener la película y aporta una mirada nueva.

Luego están los veteranos, los que enriquecen un proyecto arriesgado, enjundioso y necesario, exprimiendo los matices de personajes anclados en individuos reales: Kiti Mánver, Carlos Hipólito, Ana Fernández y un descomunal José Luis García Pérez en el papel de Manolo Caracol. Todos han contribuido a que conozcamos de cerca el entrono de la que 'triunfó a pesar de ser mujer', la que atesoró episodios tempestuosos y apasionados a lo largo de su vida, como el resto de los mortales.

Dice Hermoso que cree haber hecho la película que a Lola Flores le hubiera gustado no sólo ver, sino también interpretar. Lo que está claro es que como homenaje y aproximación al personaje funciona más que como drama al uso, pero en general convence.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: Tara Road

2007-03-26T17:22:00.000+02:00

Director: Gillies Mackinnon
Intérpretes: :Andie MacDowell, Olivia Williams, Stephen Rea, Brenda Fricker, Iain Glen, Jean-Marc Barr, August Zirner
Estreno en España: 23 de marzo de 2007

Le damos un 6,5

A pesar de que funciona y tiene tantos incondicionales como para llegar a copiarla, no debemos pedir mucho más a este drama vitalista salvo pasar un rato nada incómodo en la butaca.

Son 100 minutos y esa es la duración justa de una película que llega a España con dos años de retraso: ¿por qué alargar de manera innecesaria una historia? He aquí un ejemplo de lo contrario: la película Vacaciones, con Kate Winslet, Cameron Diaz y Jude Law, estira su metraje 30 minutos más.

No hemos tomado ese título al azar: Vacaciones, rodada y estrenada el año pasado, nos presenta a una mujer de EE.UU. con problemillas con el sector masculino y a otra, británica que sufre de lo mismo, que consideran que una solución temporal a su apatía puede ser intercambiar sus casas. Perdonen, pero les acabo de destripar el argumento de Tara Road, y eso que no nos gusta hacerlo en una crítica.

Como pueden comprobar, parece que estamos ante un calco descarado, algo que no nos resulta extraño vista la facilidad con la que Hollywood aprovecha historias con tirón originales de otros, más conocidas (Abre los ojos) o menos (La cabeza sobre el agua), para apuntalarlas con sus propias maderas, caso de Vainilla sky y Solamente se vive una vez. Un apunte curioso: Cameron Diaz está en las tres 'copias'.

Después de este paréntesis acerca de la originalidad, nos adentramos en Tara Road, que nos cuenta en paralelo las idas y venidas de dos mujeres que intercambian sus entornos en Nueva Inglaterra y Dublín. Aunque la anécdota pueda resultar forzada –todo empieza con una llamada telefónica equivocada-, el caso es que engancha, también por el aporte de vitalidad y la honestidad de su planteamiento.

Detrás de esta producción, con más sustancia de lo que parece a simple vista, hay un director que sin ser una suerte de cineasta espléndido, conmuta el ser un viejo conocedor de los entresijos fílmicos en una apuesta simpática y fresca que tiene a Andie McDowell como principal protagonista.

Los personajes no resultan tan maniqueos como los que pueden venir del otro lado del Atlántico y además los diálogos son creíbles a pesar de que se den situaciones un tanto irreales. Son éstas las principales virtudes de una cinta que sin duda pasará por la cartelera española sin hacer ruido y eso no es precisamente hacer justicia a una película que ha dado hijos menos disciplinados como Vacaciones.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: 300

2007-03-26T17:03:00.000+02:00

Director: Zack Snyder
Intérpretes: Gerard Butler, Lena Headey, Dominic West, Davis Wenham, Vincent Regan, Michael Fassbender, Tom Wisdom, Andrew Pleavin, Andrew Tiernan, Rodrigo Santoro
Estreno en España: 23 de marzo de 2007

Le damos un 6,5

Esta singular orgía de efectos digitales con supuesto trasfondo histórico abre de nuevo el eterno dilema suscitado por las adaptaciones en el cine.

Nunca una adaptación fue tan fiel, aunque por otro lado, no nos ponemos de acuerdo acerca de si una película y el libro en el que se inspira (u obra de teatro) deben o no compartir algo más que su esencia y líneas argumentales básicas.

300 es la Historia convertida en leyenda y llevada al extremo. La batalla de las Termópilas y la verdad sobre griegos y persas, o mejor dicho, la verdad según Frank Miller que ha acabado tomando cuerpo en un desenfreno audiovisual que supone un punto de inflexión en el cine épico, tirando al fantástico. Poco que ver con Alejandro Magno, Gladiator, Troya, etc. con flecos de las batallas de El Señor de los Anillos, aunque nos negamos a establecer paralelismos que al final lastren el objetivo que queremos: aplaudir la osadía de apostar por un género y unas maneras de hacer diferentes.

No nos sorprende encontrarnos con interpretaciones esquemáticas al servicio del goce estético, exagerado en grado sumo, aunque fiel al espíritu y el contenido de la novela gráfica. Los buenos, que son pocos, se enfrentan a los malos y horrendos, y las batallitas se aderezan con momentos sublimes y una introducción donde se mezclan metáfora, mito y algarabías cinematográficas, sin contar el desfile de musculosos y brutos sanguinarios que tiene lugar durante los 90 minutos de metraje.

Se agradece esta duración porque así no acaba siendo monocorde la narración. Se soporta, sobre todo si uno es lector habitual de novela gráfica, como Sin City y V de vendetta, y va al cine con mente abierta dispuesto a contemplar cómo se arriesga (o suicida) un cuasi-debutante, ya que en la filmografía del director sólo destaca Amanecer de los muertos. La envergadura del proyecto pudo apabullar a más de uno pero la creencia a pies juntillas de que no se estaba inspirando, sino que homenajeaba al cómic homónimo, le convenció de que debía huir de todo prejuicio.

La película tiene muchas lecturas, algunas impregnadas de un marcado tinte ideológico antimilitarista y antitodo. Pero no iremos por ahí: lejos de dejarse llevar por las críticas que acusan a la película de racista –por el retrato monstruoso de los persas- y estar llena de tópicos – que los tiene, y muchos-, les aconsejo que se adentre en esta notable recreación al detalle de lo plasmado sobre el papel que, como narración audiovisual, funciona y entretiene.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: Teresa, el cuerpo de Cristo

2007-03-09T10:14:00.000+01:00

Director: Ray Loriga
Intérpretes: Paz Vega, Leonor Watling, Geraldine Chaplin, José Luis Gómez, Eusebio Poncela
Estreno en España: 9 de marzo de 2007

Le damos un 7

No se deje engañar: detrás de polémicas injustificadas se esconde, además de cierta valentía, un buen ejercicio de cine que en su conjunto no chirría.

Dispuesto a ver escenas de sexo camufladas en frívolas metáforas del misticismo y soflamas varias contra la Iglesia Católica sin una base argumental, uno se sorprende al encontrar una cuidada aproximación a una época oscura de nuestra Historia a partir de un personaje carismático y, perdonen la osadía, desconocido para la mayoría de nosotros.

La Teresa que nos presenta Ray Loriga (La pistola de mi hermano) no es la santa a la que muchos rezan, tampoco la joven que está a punto de abandonar un camino más o menos despejado para adentrarse en un terreno poblado de espinos y malas hierbas. Es una Teresa diferente aunque complementaria a la que crearon Josefina Molina y Concha Velasco, construida sobre la base de un análisis enjundioso y escasa de clichés y tópicos, algo de agradecer sobre todo vista alguna que otra 'película de época' como Tirante el Blanco.

El polifacético narrador de historias deja atrás su halo de 'enfant terrible' para madurar hasta convertirse en cuentacuentos sui generis y brazo derecho de cineastas como Carlos Saura, que le confió el guión de El séptimo día. En ese esfuerzo por enriquecerse como creador decidió afrontar un reto, no el de meter el dedo en asuntos otrora patrimonio de la curia eclesiástica, sino el de investigar a fondo acerca de un personaje crucial de nuestra cultura. Y aunque no van por ahí los tiros, tampoco hubiera sido el primero en discutir, con tesis razonadas, las imposiciones de las altas esferas religiosas, recuerden por ejemplo a Martin Scorsese en La ultimación tentación de Cristo y Mel Gibson en La Pasión de Cristo.

Tema actores. Podríamos discutir mucho acerca de si es o no acertada la elección de Paz Vega: es una metódica actriz, algo impulsada pero al fin y al cabo correcta, aunque no la veo como la monja abulense, y es una pena que en ello pese demasiado su dicción, poco natural y forzada. El resto de intérpretes, con alguna excepción que debería ir cambiando de registro, cumple su función de acercarnos a una España condicionada por el poder religioso (y el económico, no lo olvidemos), trasmutada aquí en planos estudiados que encierran mucho trabajo de todos los equipos artísticos y técnicos, sin que el montante final parezca un pestiño de argamasa y cartón piedra sin vida.

Fui a ver la película sin saber las críticas de la Conferencia Episcopal, qué respondió el productor... Da igual: para disfrutar del cine se necesita sólo pagar una entrada y olvidarse del mundo durante un par de horas, no necesitamos 'extras', que dejamos para la edición en DVD. Sólo iba algo condicionado por el cartel de la película: la sevillana con el hombro descubierto siendo acariciado, de manera sutil, por una mano con signos de haber sido perforada por un clavo. Ahora le encuentro su significado y a pesar de las reticencias iniciales y aunque no me apasiona, Loriga me convence.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: Un puente hacia Terabithia

2007-03-02T11:21:00.000+01:00

Director: Gabor Csupo
Intérpretes: Josh Hutcherson, AnnaSophia Robb, Zooey Deschanel, Robert Patrick, Kate Butler, Bailee Madison
Estreno en España: 2 de marzo de 2007

Le damos un 7

Al fin una cinta donde se trata a los niños de manera inteligente y como lo que en realidad son: seres despiertos y sedientos de historias con sustancia, como las que contaban a sus mayores.

Más allá de que existan o no críos en nuestro entrono, hay un alto compromiso a la hora de mostrarnos críticos con una película de exclusivo consumo infantil. En este caso no deben existir las medias tintas, calificando cada cinta en función de si es recomendable para un menor que lo absorbe todo como si de una esponja se tratara.

Ésta, con más aciertos que fallos, lo es y lo interesante es que no camuflan los vacíos y los errores con absurdos y a su vez adictivos efectos especiales. Por momento cierto tono sensiblero recuerda más al del telefilme de sobremesa que a la producción con sello Disney, pero es quizás lo que se necesita para acercar con más contundencia el mensaje al niño y alejarle de producciones estrictamente fantásticas como Las Crónicas de Narnia, precursora en cierto modo de esta nueva revisión del eterno conflicto entre el bien y el mal.

Dentro de la fantasía a la que accedemos gracias a un guión inspirado en el libro escrito por Katherine Paterson, se esconden los guiños al viaje que hace un niño y su peculiar amiga –excelentes interpretaciones- hasta el terreno de la adolescencia, como el despertar al amor, el valor de la amistad, el peso de la moral e incluso el encuentro con la muerte. En este itinerario se toparán con sombras amenazadoras y deberán hacer frente a terribles maldiciones; el mundo real queda al otro lado del paraíso en el que han cimentado su reino mágico gracias al hecho de cerrar los ojos y abrir la mente.

Un puente... pertenece a un tipo de cine menos espectacular, en el que se cuenta más de lo que se muestra, un incentivo al fomento de la imaginación. Al que suscribe le convenció esta adaptación certera con enjundia y bastante alejada de los patrones convencionales. Hizo que saliera del cine con ganas de llevar a uno que ronda los 7 años: sabe poco de cine pero mucho de cuentos, y a ésta le daría buena nota. Al fin y al cabo son ellos quienes deben juzgarla.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: Ronda nocturna

2007-03-02T11:14:00.000+01:00

Director: Edgardo Cozarinsky
Intérpretes: Gonzalo Heredia, Rafael Ferro, Moro Angheleri
Estreno en España: 2 de marzo de 2007

Le damos un 6

Pocas películas tienen un contenido tan fiel al título como esta producción que nos muestra, con respeto y sin caer en estereotipos, otra cara del negocio del sexo.

Casi no hay trama porque el relato viene dado por el recorrido de un chapero por las calles menos vistosas de Buenos Aires durante una larga noche. Es un viaje atípico, y en ciertos momentos fantaseado, por las profundidades de la ciudad que no duerme para todos.

Resulta curioso que este itinerario resalte por constituir una falsa o convenida idealización de la prostitución masculina, emparentada aquí con una singular mitología formada por sus héroes, dioses y monstruos. La gracia reside en darle la vuelta a la realidad e incluso conferir un halo de alucinación irreal. Es lo que persigue Edgardo Cozarinsky, veterano cineasta e inédito en nuestro país de no ser por algunos videoclubs.

Lejos de mostrar a los personajes caricaturizados o demonizados, se limita a utilizarles como anclas de una historia onírica dentro de la real, llena de encuentros con el sexo y las drogas rodados con naturalidad a pesar de estar insertos en una atmósfera enrarecida que nos recuerda a los claroscuros del lienzo de Rembrandt –de ahí viene el título y la esencia-, donde los márgenes parecen sesgados.

Las sombras y los que pululan más allá de la panorámica que nos permite ver el creador son los protagonistas que cobran vida en este largometraje de tan sólo 80 minutos al que le falta algo de vidilla e incluso una ampliación de los focos de interés. Después de una primera toma de contacto y satisfecha la curiosidad, la historia se nos antoja monótona y rocambolesca, a excepción de ciertas sorpresas a lo largo de un metraje que da bandazos entre el estricto guión ficción y el tono documental.

Los debutantes Gonzalo Heredia y Rafael Ferro y Moro Anghileri (Lifting de corazón, Buenas Vida delivery) revisten de frescura y credibilidad unos personajes que parecen naufragar y consiguen salir a flote en un horizonte que en conjunto resulta interesante, aunque no deja de ser uno de tantos vistazos a esa realidad que nos incomoda o nos es indiferente y a la que no solemos mirar.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: Breaking & Entering

2007-03-02T11:07:00.000+01:00

Director: Anthony Minghella
Intérpretes: Jude Law, Juliette Binoche, Robin Wright Penn, Martin Freeman, Ray Winstone
Estreno en España: 2 de marzo de 2007

Le damos un 7,5

Con esta mirada a la 'otra ciudad' queda atrás el Minghella de grandes producciones, como las épicas El paciente inglés y Cold Mountain, concebidas para hacer taquilla.

Esta película también cuenta con un plan de marketing, aunque menos estudiado: es conmovedora, persigue que nos involucremos en la(s) historia(s) y cuenta con atractivos intérpretes-gancho. Todo esto demuestra que detrás de la falsa apariencia de sencillez del envoltorio se esconde un sustancioso caramelo que hay que saborear.

Conociendo la trayectoria del niño mimado por Miramax destaca que el drama de los personajes no quede denostado por paisajes de imborrable belleza y apueste por una historia localista, ambientada en el distrito londinense de King's Cross, un área deprimida casi en el centro donde conviven los que disfrutan del estado del bienestar y los que 'afean' la ciudad, dos realidades opuesta aunque vecinas. Anthony Minghella lanza una mirada profunda a los problemas de la sociedad europea de ahora, aunque sin prescindir del toque romántico en el sentido menos 'sentimental' de la palabra.

Se erige en atípico guía o policía de proximidad y nos conduce por un Londres mestizo que a pesar de estar lleno de compartimentos diferentes (en algunos viven los 'invisibles') y a priori muy delimitados, mira a un futuro con visos de ser mejor que el presente. Es el juego que propone la arquitectura, en concreto las corrientes que persiguen una vistosa modernidad a la que se llega con la 'limpieza' de toda referencia del pasado y con ella, la huella de la marginalidad, aunque esto no es tan fácil de lograr. Es el tema que subyace en la trama y lejos de constituir sólo el nexo entre los personajes de dos mundos, acaba influyendo en la concepción de los planos: abiertos, luminosos y estudiados al milímetro, para nuestro goce estético.

Imagine las casas a escala que ocupan los escaparates de las promotoras inmobiliarias, pequeñas ciudades con sus arbolitos, sus cochecitos y su gentecita. La película podría pasar por maqueta de barrio marginal que acabará convertido en ciudad ideal. Los personajes son como muñequitos distribuidos de manera estratégica: Juliette Binoche es una mujer bosnia que abandonó Sarajevo junto a su hijo, su motor en la vida; sólo el azar le unirá con el arquitecto y marido abnegado, Jude Law, consumido por la lógica inestabilidad emocional de su mujer, Robin Wright Penn, y junto a ellos, el coro, que articula el discurso y sustenta el interesante trío.

Con esa materia prima un cineasta que se considere experto debería hacer una gran película. A lo mejor ésta, que llega a notable alto, no trascenderá por un ineficaz plan de marketing, y eso que cuenta con valores esenciales, como el carisma de unos personajes abocados a entenderse para sobrevivir y la precisión de una historia bien narrada y apoyada en una más que correcta estructura formal.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: 3º colder

2007-02-25T10:04:00.000+01:00

Director: Florian Hoffmeister
Intérpretes: Bibiana Beglau, Sebastian Blomberg, Johann Von Bülow, Meret Becker, Alexander Beyer, Katharina Schüttler
Estreno en España: 23 de febrero de 2007

Le damos un 7

Interesante ejercicio que plantea, desde un enfoque minimalista, la disyuntiva acerca de qué es más importante, amar o ser amado.

Hasta que avanza la acción nos sentimos un poco perdidos y uno, que ya lo ha experimentado, les recomienda que se dejen llevar. Sólo así disfrutará al máximo de esta curiosa y atrayente muestra de cine intimista.

Casi todo resulta desconcertante: su comienzo, en una solitaria playa del País Vasco, atisba un posible final o un inicio, pero lejos de parecer un relato predecible esta película alemana se presenta como una composición peculiar por varias razones: no llegan muchas producciones germanas, tiene signos de experimento sociológico al introducir un elemento extraño (aunque no tanto) en una rutina "apacible" y los gestos y los paisajes urbanos imperan en una realidad de pocas palabras.

Si hubiera que buscar similitudes con otros títulos recurriríamos a la italiana Las consecuencias del amor y a la uruguaya Whisky, aunque más por la atmósfera que por los polígonos sentimentales que se forman. Tiene algo que se presiente y transmite una sensación que invita a pensar en La buena estrella y Son de mar, desvestidas del acento ibérico y más frías, en concreto "3 grados menos", haciendo caso de su traducción al castellano.

Una de sus mayores riquezas -y tiene muchas que dejaremos que descubra- la encontramos en los intérpretes, capaces de sostener miradas que se traducen en primeros planos: la cámara parece extraer sentimientos de lo más profundo. El terreno donde se desenvuelven no parece hostil pero sí extraño, donde se prescinde de lo innecesario; fíjese por ejemplo en la ciudad, que parece desierta y exclusiva para los títeres perfilados y manipulados por el todavía inédito cineasta en nuestro país.

Siendo honestos y viendo el afán devorador de la cartelera, el futuro de la cinta se presenta frío como su título. Una pena, ya que está realizada con sentimiento, contención y corrección, cualidades que pasan por alto demasiados cineastas que se afianzan en las salas, claro está, con el apoyo incondicional del público.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: París, je t'aime

2007-02-25T09:49:00.000+01:00

Directores: Olivier Assayas, Frédéric Auburtin, Gérard Depardieu, Gurinder Chadha, Sylvain Chomet, Joel Coen, Ethan Coen, Isabel Coixet, Wes Craven, Alfonso Cuarón, Christopher Doyle, Richard LaGravenese, Vincenzo Natali, Alexander Payne, Bruno Podalydès, Walter Salles, Daniela Thomas, Oliver Schmitz, Nobuhiro Suwa, Tom Tykwer, Gus Van Sant
Intérpretes: Natalie Portman, Fanny Ardant, Elijah Wood, Nick Nolte, Juliette Binoche, Willem Dafoe, Bob Hoskins, Gena Rowlands, Ben Gazzara, Gérard Depardieu, Steve Buscemi, Rufus Sewell, Emily Mortimer, Maggie Gyllenhaal, Leonor Watling, Miranda Richardson, Juliette Binoche, Sergio Castellitto, Olga Kurylenko, Li Xin, Margo Martindale, Yolande Moreau, Catalina Sandino Moreno, Ludivine Sagnier, Barbet Schroeder, Gaspar Ulliel
Estreno en España: 23 de febrero de 2007

Le damos un 7

Preciosas postales se confunden con folletos sin valor en el buzón de la memoria cinematográfica. Son las consecuencias de afrontar un desafío tan atractivo como heterogéneo.

El reto, superado con creces, consistía en reunir a una veintena de cineastas y convencerles de que cada uno tenía que rodar una historia corta –5 minutos–, con París como fondo. El tema era libre, bastaba con que tuviese relación con el amor en cualquier de sus modalidades: deseo, pasión, egocentrismo, pérdida, recuerdo, etc. Una contribución a glorificar aún más si cabe la ciudad más romántica del mundo, con permiso de Venecia.

Por lo que vemos, los responsables de engarzar las perlas se quedaron cortos, y eso que el trabajo colectivo llega a los 120 minutos. En este cajón encontramos de todo, desde relatos muy elaborados, como los que firman los hermanos Cohen –insuperable Steve Buscemi- y Tom Tyker -Natalie Portman de nuevo en estado de gracia-, hasta alguna que otra tomadura de pelo camuflada como experimento cinematográfico. El resultado final es más que aceptable e incluso con los episodios más insulsos conseguimos entretenernos.

Para quedarnos con buen sabor de boca después de degustar todos los caramelos del paquete –ya decimos que algún gustillo se nos antojará más extraño que otros-, no entraremos en cuestiones de marketing y originalidad, porque esta ciudad, al igual que Nueva York, ha inspirado este tipo de contenedores. Un ejemplo con secuela es el de París visto por... estrenado en 1964 y más de uno recordará a los 40 cineastas implicados en Lumière y compañía, aunque el nexo de unión fuese otro.

Cuando salga del cine pasarán por su mente los rostros de Juliette Binoche, Elijah Wood, Nick Nolte, Sergio Castellito, Fanny Ardant, Maggie Gyllenhaal... También los de otros a los que no ponemos nombre, como el de la turista ocasional que escribe una redacción sobre el París que ha visto. La memoria es selectiva y es posible que sólo sobrevivirán al olvido algunos trocitos, como ese epílogo de Alexander Payne, cargado de ironía, la fábula de Isabel Coixet que, caerá mejor o peor, pero es una excelente narradora, y la firmada por Walter Salles, la más conmovedora de las piezas.

Por cierto, que lo de "piezas" no le lleve a error: no se trata de un rompecabezas porque no hay que comerse el coco, tan sólo disfrutar, embriagarse de esencias contenidas en pequeños frascos.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: Miss Potter

2007-02-16T11:15:00.000+01:00

Director: Chris Noonan
Intérpretes: Renée Zellweger, Ewan McGregor, Emily Watson, Barbara Flynn, Bill Paterson, Matyelok Gibbs
Estreno en España: 9 de febrero de 2007

Le damos un 6,5

Todo es amabilidad en esta correcta cinta que devuelve a Renée Zellweger a los títulos de crédito con el tipo de personajes que ella borda: extremos, cursis e intensos.

No queremos que nos entiendan mal: el halo de dulzor exagerado y el toque ñoño son los dos parámetros sobre los que, de manera acertada, se desarrolla este relato cinematográfico inspirado en Beatrix Potter, una de las primeras escritoras de cuentos infantiles, precursora de otras más modernas como J.K. Rowling.

Piense en cómo le contaríamos a un niño pequeño la historia de una mujer en un sector dominado por los hombres, el del mercado editorial, y en una sociedad machista. La respuesta es bien sencilla: de la misma forma con la que intentamos provocar la risa con un chiste de humor blanco, de esos que no hacen daño a nadie.

Potter, que poco tiene que ver con el mago salvo en el éxito de ventas, es la mamá-amiga de conejitos con chaqueta, ocas con sombrero, ardillas pizpiretas y sapos que usan monóculo. Escribió un sinfín de libros infantiles y decidió vivir a su manera. Con la misma estética de cuento rural de animalitos llega esta muestra de cine apto para todos los públicos aunque deben cuidarse aquellos que se empalaguen con demasiada facilidad.

No le pidan más a este retrato de una creadora de mundos infantiles, salvo pasar un buen rato. Sigue a pies juntillas el camino marcado por producciones también recientes como Descubriendo Nunca Jamás, sobre el padre de Peter Pan. El autor vuelve a convertirse en protagonista y conlleva aquí el lucimiento de una actriz, Renée Zellweger, y sobre todo de Emily Watson. El director de Babe, el cerdito valiente fue el artífice de que la estadounidense entrase en la piel de otra incomprendida inglesa -un antepasado cursi de Bridget Jones-, y buscando paralelismos, vivió como ella en cierta forma, encorsetada en unos patrones sociales que le venían demasiado ajustados.

Es un largometraje de poca duración, ideal para niños si tenemos el objetivo de inculcarles que hay que marcarse una meta y luchar por llegar a ella con buenas artes. A los mayores nos puede entretener la estética y la ambientación gracias al viaje a los años de comienzos del siglo XX y finales del anterior. Los flashbacks sustentan la acción, además de los primeros planos de una cara de contrariada o panoli, según se mire. Y ojo, cuidado con esos rostros, ya que los niños más incomprendidos pueden convertirse en creadores de éxito y las actrices en estrellas mundiales.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: Manuale d'amore 2

2007-02-16T11:08:00.000+01:00

Director: Giovanni Veronesi
Intérpretes: Carlo Verdone, Monica Bellucci, Riccardo Scamarcio, Antonio Albanese, Sergio Rubini, Fabio Volo y Elsa Pataky
Estreno en España: 16 de febrero de 2007

Le damos un 5,5

El primero fue un éxito y por eso repiten la fórmula con un título corregido y aumentado o, mejor dicho, estirado y ligerito.

Ya la primera entrega de este tontón decálogo de autoayuda audiovisual para "enamorados del amor" nos pareció un sucedáneo facilón, entretenido pero, en definitiva, mix de ciertos guiños curiosos y muchos no tanto por recurrentes.

Es lo que tiene la novedad y la cinta resultaba fresca por lo sorprendente de su montaje y el correcto hilado de su argumento. También gracias a actores solventes y muy conocidos en Italia como Jasmine Trinca (La mejor juventud), pero con poca repercusión mediática fuera del país. La experiencia nos hace listos y se nota el trabajo de marketing, incluyendo en el reparto a Elsa Pataky y la gran Monica Bellucci. Confesada mi predilección por la actriz, me embarco en la tarea de hacerles ver que en el paso de una creación artesanal a una producción en serie se pierde y mucho.

De la factoría de churros sale este título que engarza algunas perlas –pocas, la verdad- con bisutería barata. El resultado es un collar algo kitsch que te puedes poner una, dos veces quizás, pero ya está. Amenazan con editar actualizaciones del dichoso manual y, avisamos, dejará de provocar el efecto perseguido. Aquí ya le cuesta a Giovanni Veronesi, director y uno de los tres guionistas que escriben un par de historias simpáticas, pero tampoco mucho más interesantes que las otras dos, cogidas un poco con pinzas para rellenar el pavo.

Ahora bien, no hay duda de que este Manuale d'amore 2 será un éxito, de igual forma que lo fue el primero, no sólo en la taquilla italiana sino en sus ventas internacionales y en cuanto a premios –aspiró a unos cuantos David de Donatello-. De cara a la promoción y a las ventas, Barcelona es el marco donde se desarrolla parte de dos de los relatos.

El enamoramiento, la maternidad, el matrimonio menos convencional y el amor extremo. Son los subterfugios del amor tratados de manera amable aunque carentes de estricto interés cinematográfico, ya que por ejemplo le falta ritmo en sus dos últimas historias. Ahora bien, si concebimos el cine como objeto de divertimento, vaya a ver este fresco sobre los lances y los encantos del amor, no se arrepentirá, siempre y cuando no acabe con la sensación de que abusan de su confianza.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: Bosque de sombras

2007-02-16T11:00:00.000+01:00

Director: Koldo Serra
Intérpretes: Gary Oldman, Virginie Ledoyen, Paddy Considine, Aitana Sánchez-Gijón y Lluís Homar
Estreno en España: 16 de febrero de 2007

Le damos un 4

A pesar de ser un homenaje explícito a clásicos del género, a veces resulta interesante que un cineasta cocine un plato con los mismos ingredientes y empleando una misma receta.

El debutante Koldo Serra siempre dejó claro que quería hacer una película acerca de la incomunicación que acaba generando confrontación: en la pareja, entre diferentes clases sociales y entre culturas. El punto de partida, aunque recurrente, puede resultar atractivo. De hecho durante todo el metraje podemos permanecer inmóviles, expectantes ante lo que va a suceder, engañosamente abstraídos.

Una lástima que tanta tensión se vaya al garete con un relato mal resuelto que por supuesto no desvelaremos. Es más, no esgrimiremos la pluma para desmontar el trabajo. Lo podríamos hacer porque flancos en los que atacar tiene esta ópera prima, aunque vista la manga ancha que se le da a tantas producciones estúpidas, estereotípicas y absurdas, aquí vamos a hacer defensa de lo indefendible por una razón: es un modelaje de cine que tiene visos de mejorar.

Intenta innovar, dándole la vuelta a los patrones establecidos. Ahí está el hecho de que vayan cayendo los buenos como moscas, los actores principales sean los que menos luzcan al final y se dote de sustrato psicológico a ciertos personajes a analizar por un terapeuta especializado en familia. Pese a todos los esfuerzos no funciona como producto, quizás al mezclar tantos aspectos y luego no diseccionarlos bien a lo largo de un hilo argumental lineal, con pocos picos de emoción inesperados.

Las historias sobrenaturales, con misterios o protagonizadas por asesinos de lo más estrambótico encuentran en los bosques del norte de España la mejor ambientación. Pero el escenario no sirve de mucho cuando hay más acción que contenido y se mantienen tantas puertas abiertas, es por ello que nos sentimos un poco estafados. Tampoco contribuye el plantel de estrellas, que además conforma un sustancioso material interpretativo desaprovechado en un recorrido que se nos antoja irregular y pobre.

Aún así aseguramos que hay que seguirle los pasos a Serra. A nadie le han comprado la opinión ni tampoco el que suscribe se ha vuelto loco: este creador en ciernes promete aunque su debut no sea en absoluto brillante; lo hace por arriesgar, aunque se equivoque. No es comparable pero por momentos su criatura me recordaba a la fastuosa ¿Quién puede matar a un niño?, de Narciso Ibáñez Serrador, donde los acosados se convertían en ejecutores y no nos resultaba extraño.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: Bobby

2007-02-03T09:51:00.000+01:00

Director: Emilio Estévez
Intérpretes: Anthony Hopkins, Helen Hunt, Lindsay Lohan, William H. Macy, Demi Moore, Martin Sheen, Christian Slater, Sharon Stone, Elijah Wood, Harry Belafonte, Laurence Fishburne
Estreno en España: 19 de enero de 2007

Le damos un 7

El actor y director Emilio Estévez se aferra a referentes cinematográficos y a su ideología progresista y liberal para presentarnos un fresco formado por vidas cruzadas.

Como un titiritero (o gobernante déspota, según se mire) manipula a seres anónimos cuyas vidas podrían inspirar películas autónomas. El punto de interés reside en mezclarlas por un objetivo común con el que estamos de acuerdo, aunque para algunos resulte un manifiesto panfletario. El nexo de unión entre los personajes es doble: por un lado físico, ya que todos deambulan por las dependencias de un hotel con mucho movimiento; por otro emocional e ideológico, al respirar en una misma atmósfera.

Todos los personajes buscan un cambio en sus vidas. Algunos no lo saben, pocos son quienes lo propician, pero la inercia es poderosa y todavía más sin nos empuja de manera sutil. Así nos lleva Emilio Estévez por su idealista visión de un mundo mejor entre conflictos racistas, guerras lejanas e impuestas, inestabilidades sociales... Entronca con el clima que se vive en la actualidad, los paralelismos son incuestionables, pero estamos en los convulsos años 60, que en Estados Unidos se impregnaron de un tinte diferente tras los asesinatos de Martin Luther King y Robert F. Kennedy.

No se deje llevar por el título de la película. Es cierto que se habla del aspirante a candidato a la presidencia, el que prometía giros aplicables a la vida real sumida en la apatía, pero no constituye sino la segunda ligazón que mencionábamos antes. Se tocan de soslayo las ideas del político pero tampoco podemos decir que éste sea un título biográfico y mucho menos documental.

Se compromete el director con un epílogo largo -y algo redundante- donde pone en liza su buen ojo como realizador y agitador de conciencias. Asistimos a una especie de hecatombe que pone punto y seguido a las vidas de los personajes que integran esta galería que pretende ser un reflejo de la sociedad de la época y el lugar. Son muchos, más de una veintena, pero en su mayoría se perfilan con pinceladas profundas y certeras. Algunos sólo necesitan una secuencia para que días después nos vengan a la cabeza: la peluquera cansada interpretada por Sharon Stone, el agujero en el que está metida la estrella a la que da vida Demi Moore y el afán de supervivencia de los más desfavorecidos.

Aquí las estrellas (Anthony Hopkins, Helent Hunt, Martin Sheen) no luchan por tener más minutos de presencia sino por concretar sus rasgos con los escasos recursos a su alcance. El alma mater del proyecto no les dejo vía libre a interpretaciones estrambóticas: todos estaban en el mismo barco y así fueron al rodaje, con la lección aprendida. El director por su parte cumplió su propósito, ya que Bobby entretiene y además aporta algo de sustancia.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: Apocalypto

2007-02-03T09:46:00.000+01:00

Director Mel Gibson
Intérpretes: Rudy Youngblood, Dalia Hernandez, Mayra Serbulo, Gerardo Taracena, Raoul Trujillo
Estreno en España: 19 de enero de 2007

Le damos un 6

Atrevida, irreverente y convincente. Así es la última película dirigida por Mel Gibson, una cinta dura y potente, en términos visuales.

La cinta le confirma como meticuloso narrador aunque se sirva de la Historia para deslumbrarnos con un cuento de lucha a escala individual en un medio hostil y grandioso.

No ha escogido el camino fácil, sino el de profeta que recibe bofetadas. Deslumbrado por la grandeza del cine, en sentido literal, Gibson está obsesionado con retomar, salvando las distancias, la filosofía de producciones tipo Los diez mandamientos, de Cecil B. De Mille, y Cleopatra, de Joseph L. Mankiewicz. ¿Quién recuerda la sencilla producción de El hombre sin rostro? Tras su primera cinta como director, en 1993, se lanzó a hacer cosas a lo grande, epopeyas como la de Braveheart.

El riesgo no exento de compromiso le convierte en un cineasta diferente. Se ha quedado al margen por revelar sin cortapisas la pasión propia de un creador sin importarle demasiado el devenir de la industria. Ahora vuelve a relatar un hecho de manera visceral: su visión de la América primitiva, intentando obviar el punto de vista europeo occidental, entronca con su idea acerca del género de acción; así, Apocalypto es una película de aventuras sobre el instinto de supervivencia pero con contenido crítico, que no histórico.

La experiencia puede resultar fallida, más aún a la vista de aquellos que catalogaron La Pasión de Cristo de polémica, excesiva y brutal. Dejando a un lado el ánimo fanático de destrozar al padre de la criatura, hay que reconocer que como cinta de correrías resulta reiterativa y le sobran algunos minutos de los 139 que dura su metraje. El hastío que puede provocar tanta carrera en medio de la selva se equilibra con una realización meticulosa, pero no se contrarresta desde un posible valor como documento histórico ya que presenta carencias. Por otro lado, parecen justificadas al regirse por las emociones que pretende transmitir: miedo, opresión, venganza, deseo...

Como lección introductoria acerca del fin de la civilización maya le damos un aprobado, como ejercicio valiente un notable, sobre todo después de preguntarnos si son necesarias tan altas dosis de violencia y sangre. Para tratar la dicotomía entre destrucción y salvación y al huir del exceso de lirismo, Gibson hace suya la idea que nos ha llegado de un pueblo que no escatimó en sacrificios humanos. ¿Por qué no contarlo? Él lo ha hecho a su manera, y al realizarlo con esmero, rodando cada plano desde el detalle, convence.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: En busca de la felicidad

2007-02-03T09:41:00.000+01:00

Director: Gabriele Muccino
Intérpretes: Will Smith, Jaden Smith, Thandie Newton, Brian Howe, James Karen, Dan Castellaneta, Kurt Fuller, Takayo Fischer
Estreno en España: 2 de febrero de 2007

Le damos un 4

La experiencia americana del autor de El último beso no es más que una carrera de obstáculos para el personaje con el que nos venden al actor que ya era Will Smith.

La comedia está desprestigiada, al menos en las galas de Hollywood, donde ya te puedes olvidar de recoger un premio si no has sacado al menos una lagrima o mueca triste del espectador. Pero, ¿es ese el principal objetivo de un actor? ¿Llevarse a casa un Oscar conmoviendo de manera mecánica y predecible?

Por ahora es la batalla en la que está inmerso este intérprete ‘de comedia’, dicho esto sin ánimo de resultar despectivos. Lo que no deberíamos consentir es que nos inoculen una cinta prefabricada y hecha a medida para conseguir el adiós de Smith como actor encasillado. No, no es nuestra guerra y tampoco necesitamos tantas enseñanzas moralizantes en una historia de manual que pretende poner de manifiesto, una vez más, que buena suerte y talento no se llevan bien.

Conocemos demasiadas historias de padres-coraje como para sorprendernos con una más en la que el amigo lucha por despojarse del rol de héroe de acción. Sus agentes le dijeron que nada mejor que participar en una película con niño, un drama hasta cierto punto vitalista, una nueva revisión del ya clásico título de superación con el sueño americano de por medio, que para muchos conlleva que otros vivan una auténtica pesadilla.

Es esta una cinta curiosa más por los entresijos de su producción que por el relato archiconocido que nos presenta. El director es el italiano Gabriele Muccino, el que firmó y filmo El último beso y ahora se corrompe con dinero de Hollywood. No es que estuviera llamado a realizar una gran carrera en Europa, pero tampoco iba falto de empuje. En su primera y fallida aventura americana emplea recursos manidos, entre ellos una trama insulsa, plana y previsible.

En definitiva, estamos ante el típico ejemplo de producto comercial con actor que borda un rol, pero no por sus esfuerzos sino por su omnipresencia y contar con un coro de elementos dispuestos para su lucimiento. Y un último apunte: ya no vende eso de ‘basado en hechos reales’ y menos aún si nos embarga una persistente sensación de déjà vu.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: Pulse

2007-02-03T09:31:00.000+01:00

Director: Jim Sonzero
Intérpretes: Kristen Bell, Christina Milian, Ian Somerhalder, Jonathan Tucker, Rick Gonzalez y Samm Levine
Estreno en España: 2 de febrero de 2007

Le damos un 4

Wes Craven, convertido en factoría, nos vuelve a contar una prescindible historia con reiterativos elementos en los ya clásicos títulos de terror con y para jóvenes.

Reincide en la idea de que los muertos están entre nosotros, más de lo que algunos creen, y son sin cabe más espabilados en cuanto al uso de las nuevas tecnologías se refiere.

Estos seres de ultratumba ya se saben los trucos y nosotros, como espectadores, también, aunque a veces, y ese es el milagro del cine en pantalla grande, no hace falta que nos creamos lo que nos relatan para pasar un rato encogidos en la butaca y, he de reconocerlo, entretenidos. Esa es la única virtud de un título que repite los mismos patrones de la mayor parte de películas de terror venidas de Estados Unidos: atmósfera de misterio, chicas guapas que mueren más tarde que sus compañeros -más feos que ellas-, correrías y poco más.

Si la tomamos como algo original –y créanme que es difícil-, su planteamiento engancha y su concepción hasta cierto punto sorprende al ir de la típica sucesión de muertes hasta la panorámica de un presente apocalíptico. La crítica a nuestro estilo de vida contemporáneo no es sutil, sino todo lo contrario, aunque ya sabemos que los excesos no conducen a nada: el metraje se viste de un nerviosismo y una estética que acaba resultando cansina.

Wes Craven, perdón, el realizador Jim Sonzero, no se moderniza sino que se ancla en fórmulas que dan buenos resultados. Al final todo queda en una nueva revisión de lo que han hecho otros -y muchos de ellos, mejor-. El cocinillas del terror adapta la acción que transcurre en la nipona Kairo, de 2001, y adereza el relato con los habituales jóvenes universitarios nacidos en el país de las oportunidades y los sustos típicos de sus producciones, ya sean en forma de sueños o a través de cibernéticas soluciones bastante catastrofistas.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "Time"

2007-01-13T16:50:00.000+01:00

Director: Kim Ki-duk
Intérpretes: Sung Hyun-Ah, Ha Jung-Woo, Park Ji-Yun, Kim Sung-Min, Seo Ji-Seok
Estreno en España: 22 de diciembre de 2006

Le damos un 6,5

¿Cuánto dura el amor? ¿Se mantiene vivo más de dos años? A estas y otras preguntas responde Kim Ki-duk con maestría certera aunque sin asombrar.

Algo tiene su cine que gusta a pesar de que se esté acostumbrando a dejarnos una sensación de déjà vu, como de haber visto antes las situaciones que plantea. Conforme vamos viendo títulos de su particular universo merma su capacidad para sorprendernos. Lejos está ya de La isla, macabra y sensual tarjeta de presentación en Occidente o Hierro 3, una original historia de amor, acercándose a El arco, bastante más irregular que las anteriores.

El amor está presente en casi todas sus historias protagonizadas en su mayoría por solitarios atormentados y criados en el desconcierto. Los seres atípicos que orbitan en el universo del coreano suman dos compañeros más, los protagonistas de Time, y es curioso que en apariencia sean normales, aunque ya me dirán ustedes qué se considera normal en este mundo actual donde reina la (con)fusión.

Trece largos a sus espaldas y aún así destacaba su filmografía por la escasez de diálogos y el ritmo propio conseguido gracias a un montaje limpio y preciso. Se sigue reservando parcelas de intimidad que se neutralizan con golpes de humor sutil e histriónico a partes iguales y ligeros intentos por dotar de argumentos tangibles sus apuntes existencialistas.

Con imágenes de gran belleza no se sustenta una película. Ki-duk tiene aprendida la lección y entre el goteo incesante de planos estéticos y bien construidos suelta perlas sobre el apetito instintivo de buscar cosas nuevas, la idea de sufrimiento por culpa del tiempo y el deseo confundido con amor confundido con deseo, en una espiral sin fin. Ahí reside uno de los juegos que nos propone este Time, el resto lo dejamos en manos del espectador para no desvirtuar la relación privada y espiritual que establece el cineasta con él.

No supone una violación decir que la historia se alarga, dejando escapar la curiosidad que suscita en ciertos momentos. Se nos antoja por tanto algo pesada pero aún así recomendable. Ya sabemos que el cineasta ha logrado dejar su huella, una especie de imagen de marca indeleble, pero después de haber sido encumbrado como un maestro, debe renovarse y reinventarse para demostrar que puede seguir entre los grandes con todos los honores.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "Las consecuencias del amor"

2007-01-13T16:40:00.000+01:00

Director: Paolo Sorrentino
Intérpretes: Toni Servillo, Olivia Magnani, Adriano Giannini, Antonio Ballerio, Gianna Paola Scaffidi, Nino D'Agata
Estreno en España: 22 de diciembre de 2006

Le damos un 6,5

Tediosa, estirada, fría... Y por eso gusta esta cinta que consigue provocar sensaciones adversas según el espectador.

Paolo Sorrentino consigue que el aburrimiento nos embargue. En cualquier otra película sería un error irreparable, pero lo cierto es que aquí es un punto a resaltar por ser uno de los propósitos de esta historia sustentada en un personaje principal con el que es muy fácil establecer una relación basada en el odio, el amor o en ambos.

El director napolitano orquesta los elementos que están a su alcance: intérpretes solventes que esconden mucho tras su mirada, fotografía limpia y desconcertante y libreto cuyo interés va creciendo hasta llegar al misterio. La trama deambula por diferentes rincones o mejor dicho, va dando pasitos tímidos por espacios hasta entonces transitados por muy pocos.

La emoción contenida y el silencio configuran una atmósfera inquietante donde la frialdad apoya la sugerencia de que el mundo va por un lado y el protagonista por otro. Ese resquicio de soledad ‘obligada’ es el mismo que el presentado por Jaime Rosales en Las horas del día. El personaje de Toni Servillo está encorsetado al igual que Alex Brendemühl en la iconoclasta cinta catalana. El seguidor de Aki Kaurismaki (El hombre sin pasado) tampoco se sentirá defraudado con esta visión anodina de la madurez cuya estética se corresponde también a la planteada por Javier Rebollo en Lo que sé de Lola.

El amor es el desencadenante de la hecatombe que se produce de manera lenta y sibilina. Presintiendo lo que se le viene encima el personaje de Titto di Girolamo se deleita saboreando la tensión, la tristeza y el sufrimiento por un corazón ajeno. Un halo de existencialismo de andar por casa envuelve misterios que se descubren en un final precipitado que contrarresta la tranquilidad desconcertante que domina todo el metraje.

¿Ver una película que te entretenga –dejando un vacío respetable- o que además te provoque? Es el eterno dilema del consumidor de cine. Es cierto que todas suscitan algo en nuestro interior pero coincidiríamos al valorar a qué grupo pertenecerían títulos como Love actually, La Pasión de Cristo, V de Vendetta, El laberinto del fauno y La joven de las especias. Tras degustar este plato de difícil digestión es posible que salga con el estómago revuelto, angustiándose al recordar al animal encerrado y atosigado en la habitación de hotel. Lo que está claro es que la propuesta de Sorrentino gustará y desagradará a partes iguales.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "Ritmo salvaje"

2007-01-13T16:35:00.000+01:00

Director: Bryan Barber
Intérpretes: André Benjamin, Antwan A. Patton, Paula Patton, Terrence Howard, Faizon Love, Malinda Williams, Cicely Tyson, Ben Vereen, Bruce Bruce, Patti LaBelle, Ving Rhames, Macy Gray
Estreno en España: 12 de enero de 2007

Le damos un 4

Parece uno de esos relatos biográficos que, en un momento dado, se trunca para dar lugar a un ejercicio armonioso que intenta evocar (copiar) los musicales de los años 30.

A ritmo de video-clip se nos narra una historia sobre la amistad y los contratiempos adversos protagonizada por los integrantes del dúo musical Outkast, hasta ahora ‘sólo’ intérpretes aislados y afamados por su faceta de cantantes. ¿Se imaginan quienes son los responsables de la banda sonora?

Todo en esta producción queda en casa ya que la realización corre a cargo de Bryan Barber, que parece trasladar a la narración de historias con más peso los usos empleados en la concepción de videos musicales. Contado sin osadía y a falta de que brille en su puesta en escena final, el relato resulta pobre y más propio de un video-clip que de un largometraje que se precie interesante.

Lejos de acercarse a Moulin rouge o a Chicago, por poner dos casos recientes, Ritmo salvaje nos lleva hasta el sur de Estados Unidos y se centra en contar la historia –no la desvelaremos por ser el único enganche de la cinta- a ritmo de hip-hop y rap mezclados con ritmos más clásicos como el swing y el blues.

Recomendable sólo para incondicionales del grupo, la impronta frenética, sin llegar a ser salvaje, que imprime no sorprendería ni en el caso de la que la cinta se programase en televisión una tarde de sábado: son demasiados minutos de metraje sustentados por una historia sin fuerza para mantener activo al espectador, que ya está acostumbrado a que propuestas mediocres ensalcen el significado de la amistad y la importancia de cuidar y defender los vínculos familiares. Eso ya no vende.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "La masai blanca"

2007-01-13T16:27:00.000+01:00

Director: Hermine Huntgeburth
Intérpretes: Nina Hoss, Jacky Ido, Katja Flint, Nino Prester, Janek Rieke
Estreno en España: 12 de enero de 2007

Le damos un 5

La palabra que mejor define esta cinta es capricho: el que sufre el personaje principal y el que empuja a la directora a filmar una historia que, aún siendo novedosa, aburre.

Aunque ese componente de primicia es, si nos paramos a pensar, bastante discutible: sabida por todos, e incluso experimentada por algunos, es la atracción por el continente negro, ya esté motivada por el interés de adentrarse en lo desconocido, prosperar en un ámbito de trabajo, seguir los rastros de la fe o por amor.

Todas son formas de anhelo. Por eso, y a pesar de que no hemos visto muchas películas del estilo (se emparenta más con El cielo protector que con Memorias de África o Gorilas en la niebla), el panfleto que realiza la cineasta alemana, con más pasión y formalismo certero que riesgo, resulta previsible y aburrido ya que estira y abusa del metraje.

El producto en cuestión se sustenta en las peripecias de una joven suiza que se enamora (o se encapricha) de un guerrero keniata durante unas vacaciones. El personaje lucha a su modo contra las imposiciones culturales olvidando que ella es el elemento extraño, lo que nos lleva a no perder en ningún momento la perspectiva de europeo occidental. La película peca de no ofrecer una visión interesante por culpa del intento imperante de no resultar partidista.

¿Falta de valor para posicionarse o búsqueda de un falso equilibrio entre las partes que conforman el todo? No hablamos aquí de tomar un cliché o una realidad y lanzar una crítica ya presupuesta, sino de comprometerse con los recursos que tiene a su alcance. Un apunte para finalizar: sorprende ver toda España empapelada con carteles de la película: ni El perfume –por mencionar una cinta alemana con más tirón- ha tenido tan buena política de marketing.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "La caja Kovak"

2007-01-12T20:03:00.000+01:00

Director: Daniel Monzón
Intérpretes: Timothy Hutton, Lucía Jiménez, David Kelly, Gary Piquer, Georgia Mackenzie, Iván Morales, Annette Badland
Estreno en España: 12 de enero de 2007

Le damos un 7

¿Con qué sueña un novelista? Tenga cuidado ya que su respuesta puede condicionar el la vida del escritor y, de camino, destripar el argumento de esta cinta y el misterio que plantea.

Un consejo: para experimentar un paseo por el laberinto de nuestros temores intente no leer demasiado antes de ver el tercer largo del otrora crítico y guionista Daniel Monzón (El corazón del guerrero, ). Sólo así podrá entrar en la historia virgen y disfrutar mucho más de la sensación de suspense, aunque sólo hasta que el cuerpo aguante, porque las extrañas coincidencias y el exceso de grandilocuencia pueden resultar cansinos para el espectador.

Como ya no le podemos recomendar al padre de la criatura que meta algo de tijera en el montaje final, pasemos a alabar –no de manera gratuita- sus esfuerzos por mantenernos en vilo durante casi todo el metraje: 110 minutos. Con la El robo más grande jamás contadopromesa de un ritmo constante se presenta este puzzle que no lo es sólo en lo narrativo, también en cuanto a su producción: el contraste domina en el reparto, adecuado para poner en pie una trama que a priori resulta algo confusa para acabar, devaneos más tarde, sucumbiendo ante el síndrome de ‘trabarlo todo y dejarlo bien empaquetado para que no se pierda nadie’.

Es tan fino el trabajo de hilado que realiza el cineasta mallorquín atando cabos para no interferir en nuestro aburrimiento que al final logra el efecto contrario. He aquí un ejemplo: Roque Baños crea la partitura musical, envolvente, capaz de acentuar la atmósfera de thriller; al final es la banda sonora la que determina nuestra forma de entrar o no en la historia. Lo mismo ocurre con la trama: la pesadilla acaba redundado y se pierden los efectos secundarios al explotar demasiado la confusa relación entre realidad y ficción.

La luminosa isla balear donde se ambienta la acción acaba siendo asfixiante –sólo recuerde ¿Quién puede matar a un niño?-. Es el clima donde mejor, y de manera oculta, pueden vivir los monstruos creados por la mente de Monzón: psicópatas con aires de grandeza que experimentan con los sueños de la manipulación y casualidades que luego no lo son. Buena culpa de ello tiene el hecho de que la ciencia ficción se ligue con el mundo donde vivimos, sin provocar extrañeza y condicionando el trabajo de los narradores de historias.

La caja Kovak entretiene y, perdónenme el órdago, está hecha aquí, poniendo de manifiesto hasta qué punto los profesionales españoles crean productos vendibles y exportables. Sólo los títulos de crédito iniciales ya valen la pena, corroborando la idea que del cine tiene Monzón: hay que contar las cosas de la forma más apetecible, vistosa y divertida posible, pero siempre desde la inteligencia. Y esta película puede provocar muchas cosas, pero desde luego no insulta.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "El truco final (el prestigio)"

2007-01-12T19:54:00.000+01:00

Director: Christopher Nolan

Intérpretes: Hugh Jackman, Christian Bale, Michael Caine, Scarlett Johansson, Rebecca Hall, Andy Serkis, Piper Perabo, David Bowie

Estreno en España: 12 de enero de 2007

Le damos un 6

El director de Memento y Batman Begins consigue su propósito de mantenernos pegados a la butaca, aunque viniendo de él esperábamos algo más.

La magia no existe. A estas alturas, tampoco la película 100% perfecta. Esta, que por supuesto no lo es, consigue cumplir los parámetros propuestos: entretener con una historia en cierto modo original y sin los subterfugios propios y recurrentes del cine de género.

Estamos ante un thriller atípico donde importa mucho cómo se cuenta, con idas y venidas como si fuera uno de esos libros en los que el autor te pone en la tesitura de reordenar la historia. Aunque da la sensación de que nosotros manejamos el curso de la misma, es el director quien lleva el timón y quien hace que el barco parezca más brillante de lo que es.

Seguro que al salir de la sala se quedó con la sensación de que faltaba algo, ¿más riesgo, quizás? Christopher Nolan se confirma como un artesano del cine más que correcto, aunque con demasiadas ligazones a los patrones establecidos desde el Hollywood dominante, al fin y al cabo es quien paga: entre actores solventes –me quedo con Bale y Caine- se cuela alguna estrellita incipiente; da muestras de que es un narrador excelente, que juega con tiempos y engarza secuencias con rotundidad, pero se la juega en giros argumentales que no por ir insertados de manera sorprendente dejan de ser previsibles.

Lo que asombra del relato es su planteamiento: nada por aquí, nada por allá... y ante ustedes, ¡la historia! Nolan cuenta mucho pero lo hace a su manera, es decir que nos deja algo desconcertados. La cosa está en engañar al ojo y a la mente, sobre todo a la que está menos acostumbrada al cine clásico, donde todo tiene su razón de ser: la música, la fotografía, incluso los errores garrafales.

Concebida como un número de ilusionismo, sin desvelar el truco de manera abierta, pero sabiendo que está ahí, la esencia que cobra importancia se queda en la trastienda, junto a los elementos que dotan de empaque el resultado: la lograda ambientación nos deja ver la maquinaria con la que a comienzos del siglo XX se hacía teatro y magia.

Salvando las distancias, parece que estamos ante una película en la que Kenneth Branagh intenta enseñarnos los entresijos del teatro de Shakespeare montando ante todos nosotros una obra del dramaturgo inglés. Y como en aquella, sabemos lo que pasará, porque nos imaginamos cual es el as en la manga que se guarda cada uno de los magos que se enfrenta en lucha descarnada.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "Arthur y los minimoys"

2006-12-17T11:02:00.000+01:00

Director: Luc Besson
Intérpretes: Freddie Highmore, Mia Farrow, Ronald Crawford, Penny Balfour, Douglas Rand, Adam Lefevre, Jean Betote Njamba. Voces originales de: Madonna, David Bowie, Snoop Dogg
Estreno en España: 16 de diciembre de 2006

Le damos un 6

Ni apasiona ni incomoda la incursión en el terreno de la animación digital de uno de los cineastas más curiosos del panorama actual.

Sorprende y hasta cierto punto agrada que en el continente europeo se arriesgue con títulos de este calado. Tras el halago podemos criticar el afán lucrativo que se impone al creativo de Luc Besson. Aquí no es sólo el director así que también es lógico que alguien que invierta dinero quiera recuperarlo.

A juzgar por los ingredientes empleados, de primera calidad, el éxito comercial está asegurado: historia sencilla que combina aventuras con una sutil idea de superación ante las contrariedades, relato ‘cotidiano’ enmarcado en un mundo de fantasía que bien podría existir de no ser por las licencias que se permite el cineasta francés.

Nos contó que el amor se equipara a los cuatro elementos naturales y sacó el lado más profundo de Juana de Arco, aunque para comprobarlo tuviésemos que aguantar demasiados minutos sentados en la butaca. Ahora suelta la idea de que unas criaturas putrefactas parecidas a los elfos –no hablamos aún de los minimoys- se descoyuntan en nada improvisadas pistas de baile donde suenan éxitos modernos y confiere el poder de la omnipresencia a los miembros de una tribu africana. Qué lío...

Desde un punto de vista técnico convencen las andanzas de un niño real por un terreno ficticio aunque poco improvisado y edificado sobre demasiadas referencias. Tomando en consideración patrones y arquetipos, el ir y venir de Arthur desmerece, echando en falta más pasión imprudente y un toque de temeridad por parte del cineasta francés: niño bueno que se encuentra con un pastel a resolver, chica de la que se enamora, lazarillo lúcido y cómico, malo malísimo y conflicto acabado sin dar demasiadas explicaciones coherentes. Sí se encarga en cambio de dejar la puerta abierta a futuras secuelas –vuelve a relucir su faceta como productor-.

Es listo este tipo al echar los anzuelos: nada más picar, las redes nos atrapan. Cuando termina la película nos preguntamos si le consentimos demasiado: guiños actuales, proliferación de elementos que, por muy natural que parezcan, tiene un halo de irrealidad; el look de algunos de los bichejos, que recuerda al de Mila Jojovich en El quinto elemento... Un simple ejercicio de observación nos conduce hasta la mano de Luc Besson en esta versión rural de Los diminutos, televisivas criaturas que están demasiado lejos para los consumidores finales de este título: los niños nacidos en los albores del nuevo siglo.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "Eragon"

2006-12-17T10:54:00.000+01:00

Director: Stefen Fangmeier
Intérpretes: Edward Speleers, Jeremy Irons, John Malkovich, Sienna Guillory, Robert Carlyle, Djimon Hounsou, Garrett Hedlund
Estreno en España: 16 de diciembre de 2006

Le damos un 4

De andar por casa, así catalogamos esta fallida incursión en el universo fantástico que pretende seguir la estela de producciones que ennoblecieron el género.

En un atisbo de sinceridad hay que indicar que su metraje no es demasiado extenso, algo que elude cualquier deseo de abandonar la sala. También es cierto que no debemos rehusar responsabilidades dejando solos a nuestros pequeños acompañados, porque sí, ellos se convierten en la única excusa a la hora de ver una película que recuerda a Dragonheart y hace grandes otras muestras de segunda categoría como Dragones y mazmorras.

Carente de emoción pero pródiga en momentos sublimes faltos de contenido, Eragon no convence porque tenemos la sensación de estar viendo algo que ya nos han contado y, además, con más sustancia y mejores formas. No sabemos muy bien qué y quién lo ha hecho, pero un déjà vu constante nos acompaña en este trabajo que se sujeta con alfileres.

Los cineastas que se estrena, y Stefen Fangmeier lo es, parecen haber confundido grandes películas con paisajes naturales imponentes, dos o tres estrellas de nombre reconocido y una trama que, da igual que sea insustancial, porque ya se realzará luego con los efectos visuales y las escenas de lucha.

23 años tiene Christopher Paolini, el autor de El Legado, una trilogía aún sin completar cuyos primeros libros han alcanzado cifras millonarias de ventas. Eragon es el volumen introductorio y, a juzgar por el desenlace de la adaptación cinematográfica, será también la primera de una serie de películas. Seguro que la legión de incondicionales que hayan leído el libro acudirán en tropel al cine: la primera vez está garantizada pero es arriesgado confiar en que sigan respaldando una apuesta estrictamente comercial y efectista.

No sabemos si el joven escritor perfila sus personajes con la misma profundidad que los guionistas encargados de llevar las palabras a imágenes: han sido necesarios 4 profesionales –así serían- para desplegar un catálogo de seres que responden a patrones estandarizados. Los roles principales no son más que esquemas al servicio de una moralina manida adornada con acción previsible en todo momento.

No lo habíamos dicho aún: que nos gustó el trabajo de Peter Jackson al frente de El Señor de los Anillos y, no es por comparar, pero cuanto daño ha hecho a los que se aventuran en el difícil género de la fantasía.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "Quinceañera"

2006-12-15T08:26:00.000+01:00

Director: Wash Westmoreland, Richard Glatzer
Intérpretes: Emily Rios, Jesse Garcia, Chalo Gonzalez
Estreno en España: 16 de diciembre de 2006

Le damos un 6

Tras un halo de película conmovedora y divertida se esconde un retrato (uno más, todo hay que decirlo) de la comunidad hispana en la ilusoria sociedad californiana.

La clase obrera, el grupo de trabajadores que sustenta un país, ha protagonizado algunos de los mejores romances dramáticos de la historia del cine. Si teníamos duda del enganche emocional que tienen estos seres en pantalla grande aquí tenemos la clásica historia de amor entre dos jóvenes hispanos condicionado, ya no por la familia o las convenciones sociales, sino por el precio de la vivienda. Olvídenlo, es la anécdota.

A los amigos norteamericanos les gusta mucho el final feliz, extrapolable en los últimos años a calificar de feliz todo el metraje. Así es este trocito de vida en spanglish dentro del sueño de un futuro mejor. Esa escalada hacía un provenir mejor mantiene en activo a los padres, los mayores de la comunidad. Por el contrario Quinceañera narra las vicisitudes de los inmigrantes de segunda generación, los deseos de una adolescente nacida en Estados Unidos pero anclada en un terreno pantanoso por culpa de las costumbres heredadas.

La protagonista sueña con su puesta de largo, es lógico entre las americanitas que cumplen 15 años. Del hecho concreto pasamos al conglomerado de ideas que suscita este interesante trabajo acerca del choque de culturas y la necesaria asimilación de usos ajenos a la vida que tradicionalmente habíamos llevado. Los responsables de la cinta añaden a la mezcla tensiones raciales y una nada sutil crítica a la homofobia y los prejuicios religiosos.

En la línea de costumbrismo con pretensiones de títulos como Mi familia, Cuando salí de cuba y Goool! apunta maneras como retrato social. Como producto de entretenimiento también funciona. No salimos del cine con el corazón en un puño ni con desazón, así que cumple con sus funciones principales. Quizás peca de ofrecernos una imagen dulcificada de lo que más o menos intuimos, pero es el precio de hacer un largometraje que guste a todos, a la mayoría.

El Festival de Sundance suele dar cada año una excelente cosecha de corte independiente y, en cierta forma, trasgresor en forma y fondo. Siendo sinceros, todos los títulos no los percibimos de la misma forma aquí, en Europa. Puede ser este el caso de esta cinta que consiguió unir a jurado y público en la última edición del certamen alternativo: ¿hazaña real o nueva estrategia de marketing? Es decir, paso por el conocido certamen, y me cubro de gloria o, lo que es lo mismo, de publicidad gratuita. Juzguen ustedes.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "Mía Sarah"

2006-12-15T08:11:00.000+01:00

Director: Gustavo Ron
Intérpretes: Verónica Sánchez, Daniel Guzmán, Fernando Fernán Gómez, Manuel Lozano, Manuel Millán, Víctor Mosqueira, Diana Palazón
Estreno en España: 16 de diciembre de 2006

Le damos un 5

Viéndola tenemos la sensación de estar ante una fábula de otro tiempo, una cinta bastante edulcorada que parece salida de un arcón al que pronto volverá.

Un debutante en la dirección puede optar por arriesgar en la puesta en escena o relajarse y jugar con un cúmulo de referentes culturales y, sobre todo, cinematográficos. El madrileño Gustavo Ron se decanta por la primera.

Su fábula sobre el amor y todas sus etapas (el primer contacto, la seducción, la entrega) consigue dibujarnos una sonrisa permanente, pero le falta fuerza para arrancarnos cualquier otra mueca. No sorprende lo que narra ni cómo lo hace, y eso en los tiempos que corren, puede ser más que motivo suficiente para que su cinta pase de puntillas por la cartelera.

El toque mágico, sobrenatural, no es capaz de sustentar el metraje de este trabajo para mentes soñadoras que sienten predilección por los pequeños detalles. Y en eso puede caer el espectador, en perderse por otros mundos en lugar de estar atento a los embrollos amorosos entre los personajes de Verónica Sánchez, en su primer protagonista de peso, y Daniel Guzmán, en un tono más amable y menos barriobajero –dicho esto con cariño- que en anteriores trabajos.

De la agorafobia al amor hay un paso y el que vea la película sabrá porqué lo digo. No vamos aquí a destapar las pocas sorpresas que atesora esta producción rodada en Galicia -la periferia también existe, afortunadamente- donde aparece un Fernando Fernán-Gómez que cada vez se prodiga menos. Ron se apoya en la cómplice relación que estableció el veterano intérprete con el ya adolescente Manuel Lozano, que fue niño en La lengua de las mariposas. Otro de los encantos, éste sí se puede desvelar, reside en ver en acción a Phyllida Law, madre de Emma Thompson, en el epílogo de este cuento.

Bajo los designios de un ilustre parangón con el nombre de Amélie y múltiples deseos, como el de inculcar el amor por los libros y el afán de superación. Así se desarrollan dos historias entrelazadas, relatos pasionales cada uno con drama y comedia en su justa medida y separados por paréntesis cómicos aportados por el personaje de Diana Palazón (Hospital Central), una actriz que debería tener más oportunidades en el cine.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "¡Peligro! Menores sueltos

2006-12-15T07:57:00.000+01:00

Director: Paul Feig
Intérpretes: Lewis Black, Wilmer Valderrama, Tyler James Williams, Dyllan Christopher, Quinn Shephard
Estreno en España: 16 de diciembre de 2006

Le damos un 5

Bromas, correrías, travesuras... Vamos, lo que suelen hacer los niños, pero esta vez en las dependencias de un aeropuerto. Típica y tópica producción de consumo vacacional.

Ya sabemos que será lo próximo que van a prohibir los responsables de tomar las medidas de seguridad aérea: viajar con niños. Desde luego, son más peligrosos que cualquier dentífrico o navajilla que podamos llevar en nuestro equipaje de mano.

Lo que nunca llevaremos con nosotros, hablando en términos cinéfilos, es el recuerdo de esta cinta. Eso sí, debemos ser sinceros con esta banal película y valorar el alto grado de diversión infantil que aporta la actualización de las aventuras que hicieron famoso a Macaulay Culkin. Atención a progenitores despistados: el prota de Solo en casa pasó una adolescencia difícil, así que, por lo que pueda pasar, no quite ojo a los suyos, que estas fechas son propicias para que se pierdan.

Reconozco que cuando veo en pantalla toboganes y deslizamientos me embarga cierta envidia. Ya somos mayorcitos, por lo que el efecto en los niños se multiplica. Se contagian las ganas de convertirte en protagonista de esos juegos, de formar parte de la versión aeroportuaria de unos ya míticos Goonies que recorrían los resbaladizos y peligrosos subterráneos de la región donde vivían por un objetivo loable. Los dos grupos de chavales tienen en común la necesidad de formar una improvisada familia ante la adversidad, ya sabemos que la unión hace la fuerza.

Mensajes moralistas a un lado, propongo una secuela a los responsables: estaría filmada por filmaría Steven Spielberg, que narraría las desventuras de estos niños y preadolescentes 40 años después, 4 décadas en las que no habrían salido de la terminal. La historia vivida por Tom Hanks quedaría en mera anécdota. Vamos, que las vacaciones y los viajes estresan tanto o más que quedarse en casa.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "Happy Feet. Rompiendo el hielo"

2006-12-06T11:24:00.000+01:00

Director: George Miller
Estreno en España: 5 de diciembre de 2006

Le damos un 6

Casi todos, pequeños y mayores, disfrutarán si van al cine buscando esta ácida revisión de la fábula del patito feo.

Del total de espectadores se descuelgan los espectadores que odian el género musical, porque sí, los animalitos que pueblan este remoto paraje antártico, se enamoran los unos a los otros cantando. Y no se trata de un tema aislado, de un canturreo, ya que amor hay, y mucho.

Dejando a un lado este punto, notable aspecto que condiciona el argumento, no nos cuentan nada nuevo. Aún así se trata de una recomendable e impecable producción debido a que el interés no radica en el contenido sino en la forma de contarlo. George Miller, después de firmar la trilogía Mad Max y los dos títulos de Babe, el cerdito valiente, retoma el clásico cuento del patito feo, cambiando patos y cines por otros palmípedos más australes.

Los somete a un intenso trabajo de animación digital, a partir del trabajo de bailarines profesionales. El resultado te mantiene ensimismado buscando detalles: el plumaje, las formas del hielo, los gestos de los humanos... Las posibilidades de las nuevas técnicas de captación de movimiento están revolucionando el sector de la animación, haciendo cada vez más fina la barrera entre el mundo real y el artificial, pero no podemos olvidarnos de que cada plano lleva días e incluso meses de trabajo.

En la línea de musicales protagonizados por humanos, como Moulin Rouge, las aves cantan y nos llevan por terrenos abonados con un exceso de moralina. Cada pingüinito –los emperadores, no los ‘latinos’- tiene su Canción del corazón, aunque el protagonista nos ha salido más bailón que Fred Astaire. Aquí está la diferencia, sobre la que giran todos los dilemas del relato. No se nos pasa por alto la carga de crítica medioambiental que propone Happy Feet, aunque no hacia las causas que provocan el deshielo de los casquetes polares. De eso se encarga el amigo Al Gore en Una verdad incómoda.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "Algunos días en septiembre"

2006-12-02T09:26:00.000+01:00

Director: Santiago Amigorena
Intérpretes: Juliette Binoche, John Turturro, Sara Forestier, Tom Riley, Nick Nolte, Mathieu Demy, Saïd Amadis

Estreno en España: 1 de diciembre de 2006

Le damos un 6,5

Este atípica historia de espías rodada bajo las premisas del cine negro camufla un film de alto contenido sentimental.

Ese septiembre del título es el de 2001. Fue convulso, ¿verdad? Imagine el impacto de los acontecimientos en los diferentes testigos, activos o no. Con los recuerdos de cada uno se podría hacer películas muy distintas. Parte de esa premisa, la de los recuerdos y las diferentes interpretaciones Santiago Amigorena, debutante en la dirección que se dedica a fantasear sobre relaciones entre espías, gobiernos y empresas. Es como la contundente y coherente Syriana pero a un nivel más, cómo lo diríamos, europeo, de andar por casa.

El argumento nos hace ver que estamos en un mismo barco, expuestos a las tormentas que pueden hacernos zozobrar. Pero va más allá: la trama de espionaje no es más que el envoltorio de un relato sobre los finos hilos que unen las vidas de las personas. En el universo abigarrado que disecciona, orbitan dos hermanos que no se conocen, una tercera persona en discordia vinculada de manera inexorable a ambos, un sospechoso matón convertido en sombra y un omnipresente gurú que planea sobre todos ellos.

Aunque pueda resultar algo espeso tanto ir y venir de los personajes y se ralentize el avance de las jornadas, interesa la idea que subsiste tras el fundido en negro final: termina la película y nos queda la atronadora visión de los que se nos viene encima, y aún no sabemos, tras el 11 de septiembre de 2001.

Hasta entonces queda aún buena parte de la pesada cuenta atrás que bien merece el destino final, Venecia, que agrada la visión, sin turistas, con planos desenfocados y otras algarabías, mezcladas con un aire de decadencia y melancolía. Juliette Binoche, con sus miradas y su destreza con las armas, amplifica la ironía con la que Amigorena anima la acción. Divertido John Turturro y muy correctos los demás, el sutil sentido del humor del que hacen gala los personajes sólo contribuye a que nos creamos mucho más a una gente que, de normal que es, da miedo.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "El camino de los ingleses"

2006-12-01T14:41:00.000+01:00

Director: Antonio Banderas
Intérpretes: Alberto Amarilla, María Ruiz, Raúl Arévalo, Félix Gómez, Marta Nieto, Mario Casas, Berta De La Dehesa, Fran Perea, Antonio Garrido, Antonio Zafra, Lucio Romero, Cuca Escribano, Juan Diego, Victoria Abril.
Estreno en España: 1 de diciembre de 2006

Le damos un 8

Sentimientos y recuerdos dolorosos, piruetas arriesgadas con la cámara y el montaje... Banderas ha hecho una película difícil pero es, que no quepa duda, su película.

Los caminos más espinosos son los que, una vez concluidos, dan más satisfacciones. Así es esta propuesta nueva, diferente y complicada de defender ante los puristas. Una huida de lo convencional que hace que la historia de Antonio Soler brille con fuerza en pantalla aunque a veces se pierda entre ensoñaciones y pormenores.

Fácil de argumentar, difícil de contextualizar en términos formales, la cinta tiene en sus 5 primeros de minutos la mejor tarjeta de presentación. Una secuencia en un hospital, con muchos elementos anticipatorios, nos mantiene en tensión para dar paso a un relato más costumbrista, el de 4 amigos que llegan a una piscina. Tras la muestra de cortesía, el cineasta opta por enderezar el camino y borra todo halo de realismo.

No planteamos la cuestión de si un cineasta debe hacer una película para él, para el goce de la mayoría, para que algunos con menos ataduras entren en su mundo... Estamos ante la película más personal que puede hacer un autor, la que recorre el terreno de las emociones con la máxima, siempre presente, de que mirar hacia atrás resulta doloroso.

Impregna Banderas a la fotografía tristeza y melancolía. Envuelven el retrato imaginado y por tanto sesgado: no nos permite ver el todo, los planos son escorzos, abundan detalles en apariencia nimios y juega con los encuadres. Trabaja con material sensible, por eso sus personajes pueden perderse –y con ellos el espectador- en la angustia existencial. Aún así apunta al optimismo ya que sólo ellos pueden contar con la valentía suficiente no para hacer frente al destino, sino para vivir al máximo, precisamente porque el caprichoso destino se impone cuando quiere.

Domina el acento poético sin que el lenguaje resulte artificial. Traduce metáforas en imágenes, huye del costumbrismo, también de la acción y quizás peque de gastar metraje en presentar a los personajes, pero es que en realidad no pasa nada y pasa todo. Como Pablo Aranda en su novela La otra ciudad, configura Banderas su propia urbe, con escasos referentes para los foráneos y pocos anclajes a la época, bastante tienen con su mundo interior y hermético, lejos de sucesos sociales y políticos. Sabemos que está basada en la novela homónima de Soler, pero de aquella sólo subsiste el germen: todo es nuevo en este nada sosegado viaje por un verano dominado por el desasosiego.

En esta suicida y sugerente apuesta formal la frialdad nos guía por espacios emocionales, terrenos pantanosos de los que sale el director con la ayuda cómplice de quien confíe en él. Ese espectador habrá sentido la visceralidad con la que narra emociones, recuerdos y ensoñaciones, logrando que el pellizco en el estómago no permita relajarnos hasta el final, 10 minutos donde los cisnes entonan su canto agónico.

No esta en la piel de venerados autores por su contrariado concepto del cine, por ello tendrá que soportar los comentarios de los que esperasen la típica película generacional de jóvenes que pretenden abrirse camino. Se sale por la tangente y muchos se lo agradecerán, a lo mejor cuando pase cierto tiempo: la reflexión poética y evocadora quedará como una de esas joyas a las que muchos recurren años después de haberla criticado. Y Banderas, el director, seguirá en búsqueda constante de su propio camino. Ya verán.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "El gran silencio"

2006-11-24T14:01:00.000+01:00

Director: Philip Gröning
Estreno en España: 24 de noviembre de 2006

Le damos un 6

La impaciencia está reñida con este recorrido intimo por las dependencias de un monasterio donde las campanas constituyen el único ruido. Una osadía en los tiempos que corren.

Bajo los designios de la repetición, el ritmo y la quietud se presenta un singular tratado sobre el paso del tiempo en un recóndito marco que escapa al acelerado mundo exterior. Esa es la principal virtud de un sigiloso título cuyo excesivo y sosegado metraje no hace más que recordarnos que mientras estemos en la sala de cine estaremos a salvo de todos los males.

El cineasta encargado de realizar este heterodoxo ejercicio de aguante tuvo que esperar 16 largos años para introducir su cámara en un monasterio de la Orden de los monjes Cartujos perdido en un paraje montañoso en el sur de los Alpes franceses. Al final pudo asistir como testigo a la recluida forma de vida de unos seres entregados a la oración, aunque no son ellos los únicos protagonistas de este largometraje espiritual.

Conste que no acudimos al adjetivo fácil: la película puede resultar esclarecedora o tediosa. Algunos pensarán que ocurre igual con la religión. De lo que no tenemos duda es de la paz que trasmite: nadie habla –sólo pronuncia tímidos sonidos la naturaleza-, es posible oír el silencio, aunque parezca una incongruencia. La austeridad técnica entronca con la forma de vida de unos monjes que llega a la pantalla sin aderezos ni palabras. Las explicaciones no-visuales están vetadas en pro de una regeneración de la cotidianeidad que puede resultar hipnótica o aburrida a partes iguales.

Las imágenes que pretenden captar la esencia de las cosas –sin entrar en el aspecto místico- carecen de marco para que seamos nosotros, los espectadores, quienes encuadren en su mente la realidad. Philip Gröning se limita a conducirnos por una percepción más o menos lógica del quehacer diario de una comunidad en perfecta simbiosis con el entorno natural.

No podemos referirnos a este trabajo como un documental sino más bien como un recorrido por un museo humano vivo en cuyas paredes cuelgan cuadros frente a los que nos detenemos durante 160 minutos. Aquel que se atreva a entrar en los dominios del silencio deberá hacer frente a la idea de que la belleza también cansa.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "¿Por qué se frotan las patitas?"

2006-11-24T13:50:00.000+01:00

Director: Álvaro Begines
Intérpretes: Lola Herrera, Antonio Dechent, Carlos Álvarez-Novoa, Manuel Morón, Raúl Arévalo, Julia García, William Miller
Estreno en España: 24 de noviembre de 2006

Le damos un 7

Comedia musical en clave flamenca, esta fábula sobre el egoísmo y el coste de ser feliz resulta original aunque peque de tener un hilo argumental algo estirado. Aún así, aprueba con nota.

Echando un vistazo al cine reciente, en este título no hay demasiados componentes de novedad pero tampoco se debe pasar por alto su aportación a un género que ha tenido en los últimos años algunos ejemplos notorios, el más conocido es El otro lado de la cama, que incluso tuvo su correspondiente secuela. Esta tragicómica visión del hastío femenino entronca más con los narcolépticos 20 centímetros de Ramón Salazar.

La buena calidad de las coreografías recuerdan al experimento del cineasta de Piedras, también es punto de unión el hecho de que la tensión del relato decaiga una vez pasados los efectos de la confusión. Pero Álvaro Begines pasa el examen porque consigue su propósito de hacer reír rentabilizando el intrínseco ‘cachondeíto’ andaluz de personajes nada extraños, poniendo en boca de los actores expresiones y guiños que no resultan forzados. Y es de agradecer en un cine repleto de tópicos mal empleados.

Nuestra industria nos tiene reservadas un par de sorpresas al año. Miguel Albaladejo se presentó en 1997 con La primera noche de mi vida, un curioso fresco de historias cruzadas ambientado en Nochevieja. En esta fecha tan señalada también comienza la acción de esta ópera prima original, un soplo de aire fresco por el que coinciden Begines y el responsable de cintas como Manolito Gafotas, Rencor y Cachorro.

Ambos conectan en muchos aspectos más, como el esmero técnico con el que ruedan sus trabajos de presentación y la acertada elección de unos actores que van desde algunos pesos pesados de nuestro cine, como el omnipresente Antonio Dechent, hasta rostros menos conocidos a punto de ser descubiertos, como Belén López (La distancia) y Marisol Membrillo (Una pasión singular), pasando por solventes intérpretes imprescindibles en las producciones de Tesela: Ana Wagener, Manuel Morón y Alex O’Dogherty.

Aplaudimos la pareja formada por Carlos Álvarez-Novoa y Lola Herrera, recuperados ambos para el cine después de recorrer los escenarios españoles con el montaje Solas. La veterana actriz dota de empaque un personaje que tenía visos de no resultar creíble y juntos, sus personajes, logran desmontar mitos sobre la tercera edad, como ya hicieron China Zorrilla y Manuel Alexandre en Elsa & Fred.

Begines es un director novel que cuida su criatura, aunque es incapaz de borrar el rastro musical que le dio a conocer en el grupo No me pises que llevo chanclas (si no se convierte en un estigma, no importa). Prueba de ello es el exquisito tratamiento de la banda sonora, un acertado compendio de temas muy conocidos – Escándalo, Tu frialdad, Yo soy un loco- adaptados y producidos por Manuel Ruiz, Queco. Ya la introducción musical, un Aserejé bastante alternativo, nos adelanta el tono de lo que vamos a poder disfrutar, una agradable e inteligente mezcla de rastas y flamenco.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "El camino de San Diego"

2006-11-24T13:29:00.000+01:00

Director: Carlos Sorin
Intérpretes: Ignacio Benítez, Carlos Wagner La Bella, Paola Rotela, Silvina Fontelles, Miguel Gonzalez Colman, José Armónico, Toti Rivas, Marisol Córdoba, Hermano Otto Mosdien, Claudio Uassouf, Lila Caceres, Pascual Condito, Juan Villegas.
Estreno en España: 24 de noviembre de 2006

Le damos un 7

El director de Historias mínimas vuelve a convencer con una parábola sobre el fanatismo irracional por un mito, la religión de los más pobres.

La de Tati, el protagonista de esta cinta, tiene un Dios que no es otro que Diego Armando Maradona. Por él es capaz de recorrer la Ruta 14 que, por encima de conectar la provincia argentina de Misiones con Buenos Aires, constituye en realidad una experiencia que le hace olvidar su vida de miseria y desesperanza.

Simple y llana, sin que se atisbe aquí el tono peyorativo de ambos adjetivos, la película confirma la intención de Carlos Sorín por hacer de lo anecdótico un argumento capaz de sostener 98 minutos de metraje. No sólo logra captar nuestra atención sino que consigue que enfoquemos y veamos mucho más que historias sencillas que desde luego no lo son para sus protagonistas.

Cansado de que la vida sólo juegue malas pasadas, el cineasta de Historias mínimas y Bombón, el perro, se decanta por un relato amable acerca de la ilusión. Una esperanza que no se trunca, al contrario: va fortaleciéndose a medida que avanza el recorrido y aparecen personajes redentores y compasivos con las diferentes formas de entender la vida.

Hay voces que ya se han alzado criticando la repetitiva fórmula empleada por un incansable cineasta en tres cintas envueltas por un exceso de naturalidad. A nosotros, algo cotillas, nos gusta seguir como unos mirones los caminos que se tuercen y enderezan gracias a los transeúntes que cruzan sus vidas, insignificantes y pequeñitas.

De esta manera creemos que sigue conectando con el público gracias a la verdad, la que aportan los no-actores que nos conducen un fino hilo argumental lleno de etapas: las del destino, las creencias y las dudas. Sorín ostenta el honor de ser un escultor de la ingenuidad a partir de una materia prima maleable: la sencillez de los habitantes invisibles, aquellos que viven al margen de la globalización en la que los demás estamos sumidos.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "Grbavica. El secreto de Esma"

2006-11-24T13:04:00.000+01:00

Director: Jasmila Zbanic
Intérpretes: Mirjana Karanovic, Luna Mijovic, Leon Lucev
Estreno es España: 24 de noviembre de 2006

Le damos un 8

Las consecuencias de la guerra llegan al cine bajo un engañoso tono amable. Ocurre con esta tremenda e imprescindible historia sobre la convivencia con un demonio cotidiano.

Hay muchas formas de presentar la sinrazón de un conflicto bélico como el que sumió a los Balcanes (aquí al lado, por cierto) en un infierno durante más de una década. Se puede narrar bajo un halo de costumbrismo, como suele hacer Emir Kusturica, desde el humor (Danis Tanovic, En tierra de nadie) o la tragedia (Sueño de una noche de invierno, cruda y asfixiante).

Grbavica se presenta de manera sibilina, lanzando un imperceptible chillido que conforme avanza el metraje se hace más audible, para acabar destrozando los tímpanos al final. Tensión contenida y naturalidad a la hora de afrontar los desagradables asuntos que dan pie al relato, la cinta ganadora del pasado Festival de Berlín nos lleva hasta uno de los arrabales más populosos de la capital bosnia.

La ciudad de Sarajevo consiguió hacer frente a años de asedio, pero la huella de la guerra civil, los francotiradores que jugaban al tiro al inocente, el escaso alimento del porvenir y el exceso de intolerancia sobrevuelan en el ambiente. Lejos de parecer un ejercicio de revanchismo, la película se apoya en una mezcolanza entre poesía, sentimiento de humillación y desgarro que rápidamente nos posiciona en el lado de las víctimas, sin mostrar una imagen impactante, sin darnos más detalles de los necesarios.

Grbavica es un conjunto de referencias y pinceladas que pasarán desapercibidas, no así la terrible denuncia que hace. Las certeras interpretaciones nos sirven de enganche a una sociedad que debe recomponer sus cristales rotos, aunque da la sensación de que siempre se verá el pegamento, recordando que una vez el objeto se hizo añicos.

De eso sabe mucho la directora Jasmile Zbanic, que apuesta por un título que nos enseña lo qué hay detrás de una aparente apertura al mundo y vuelta a la normalidad: las historias que encierra el barrio de Grbavica, como la falta de empleo digno, la corrupción y el odio acumulado, no son las que tienen que ver con un Sarajevo que, de manera más general, parece destinado a convertirse de nuevo en un mal llamado crisol de culturas.

Zbanic acierta al hacer tangible un universo paralelo que poco tiene que ver con las presuntuosas etiquetas de prosperidad, reconstrucción y convivencia de religiones: hay un mundo desconocido que se extiende más allá de los límites del centro de la ciudad. Por ahí pasea una cineasta que saca su lado de documentalista al mostrar planos que consiguen trasmitir la desazón de una geografía gris bajo un manto blanco que no consigue -tampoco lo pretende- hacer invisible el legado doloroso.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: El ciclo Dreyer

2006-11-20T18:40:00.000+01:00

Director: Álvaro del Amo

Intérpretes: Elena Ballesteros, Pablo Rivero, Ruth Díaz, Fernando Andina, Isabel Ampudia

Estreno en España: 17 de noviembre de 2006

Le damos un 5

Este cómico retrato de la España de los 60 podría gozar de buena salud sin no se presentase como drama con tintes cinéfilos y el humor aflorase sin pretenderlo.

Su anterior película, Una preciosa puesta de sol, ponía en liza la labor de Álvaro del Amo como guionista: podemos estar equivocados en nuestro concepto de cine o, por otro lado, que sea él quien se complica de manera innecesaria al trabajar historias como ésta, que provocan la risa en momentos en los que la fatalidad debería embriagarnos.

Folletín sin ritmo, con dilemas absurdos. Con esas lindezas me presentaban unos compañeros la película, vista de manera inexplicable en la sección oficial de un festival como la Seminci vallisoletana, cuyos organizadores se esmeran a la hora de seleccionar sólo lo mejor para su escaparate principal. Una lástima que este año errasen y, más triste todavía, que la reseña llegase una vez terminada la proyección.

Lejos del título cinéfilo, las múltiples referencias a la obra del danés Carl Theodor Dreyer hacen mucho ruido pero aportan más bien poco, con la salvedad de alguna secuencia rodada al más puro estilo del responsable de Gertrud y Ordet. Pretensiones a un lado, y por si no fueran suficientes para hundir sin ayuda El ciclo Dreyer, los aires novelescos de guionista de tercera embadurnan el dudoso homenaje a los jóvenes que a finales del franquismo cultivaban sus inquietudes culturales, religiosas y amorosas.

El reparto está integrado por un cuarteto de rostros que, una vez conocidos por todos gracias a la pequeña pantalla, han ido apareciendo en las salas de cine con mayor o menor fortuna. Destacan Elena Ballesteros (que debería ser recordada por El lugar donde estuvo el paraíso) y Ruth Núñez (más televisiva que nunca gracias a Yo soy Bea), y por momentos convence Fernando Andina (El comisario) en la piel de un cura sosainas. Todos, también Pablo Rivero (Cuéntame) con su aire ‘pedantón’, ponen más ilusión que esfuerzo.

Las interpretaciones resultan forzadas, poco creíbles por culpa de un guión en el que predominan diálogos impostados e innaturales. Lo que para unos puede ser un libreto cuidado para la gran mayoría es un conglomerado demasiado rígido, sin vida en el guión y encajonados y carentes de emoción real al salir de boca de los actores. A estas alturas, con la cartelera llena de trabajos recomendables y con las entradas de cine tan caras, los buenos propósitos no bastan para sustentar una película.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: DOA: dead or alive

2006-11-20T18:30:00.000+01:00

Director: Corey Yuen

Intérpretes: Jamie Pressly, Holly Valance, Sarah Carter, Devon Aoki, Kane Kosugi, Natassia Malthe, Matthew Marsden, Eric Roberts, Steve Howey, Brian White

Estreno en España: 17 de noviembre de 2006

Le damos un 3

Otro más, otro video-juego que llega y se estrella en la pantalla. Los responsables de esta producción al menos son conscientes de que están jugando en una liga inferior.

No destaca por el consumo adolescente al que está destinada, sino por el homenaje a todas esas cintas que tienen entidad propia y aquí dejan retales, Matrix y Tigre y dragón a la cabeza.

En la tradición de las adaptaciones de aventuras gráficas, este título se queda lejos incluso de las que tienen todas las de perderse en el olvido de los tiempos, como las irregulares Alone in the dark y Silent Hill. Con un argumento que para estar delante del ordenador es más que suficiente, en su paso al cine no ofrece consistencia alguna.

Tiene más de 30 películas a sus espaldas, sólo una anterior rodada fuera de Hong Kong (Transporter) y por lo que hemos comprobado gracias a ésta, todas prescindibles. Corey Yuen es el director de una orquesta donde los instrumentos desafinan y los músicos se ríen de sí mismos. El sentido del humor que no falte en esta parodia con bikinis, chicas guapas y mucho músculo que por momentos parece una vulgar copia de La casa de las dagas voladoras y Los ángeles de Charlie, perdón, queríamos decir homenaje.

Insulsa y sin sentido alguno, DOA (así, en confianza) demuestra que sus responsables carecen de imaginación pero gozan de un magnifico mecanismo para hacer llevadero un metraje infumable. Parece mentira que la historia no resulte aburrida, aunque otra cosa es que el trabajito tenga cosas positivas a destacar, pocas la verdad: el argumento pide un ágil montaje que imprima ritmo a las escenas de acción.

Es lo único que nos llama la atención, tanto ritmo descompensado que al final nos posiciona ante un desequilibrado conglomerado de ‘peleítas’ y luchas, rodadas con desgana a pesar de que constituyen el grueso del guión. Un libreto, por cierto, repleto de chistes facilones, tópicos machistas y un leve intento de convertir a la mujer en protagonista, y no por su belleza ni su portento en el terreno de las artes marciales. No tiene el más mínimo interés.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: Trastorno

2006-11-20T18:21:00.000+01:00

Director: Fernando Cámara

Intérpretes: Ingrid Rubio, Najwa Nimri, Pep Munné, Juan Sanz

Estreno en España: 17 de noviembre de 2006

Le damos un 5

La buena calidad técnica del filme no corre en paralelo con el tratamiento, tan manido que parece que estamos ante un déjà vu continuo.

Fernando Cámara viene con aval y descalabro: dirigió Memorias del ángel caído y tropezó al firmar el guión de la absurda Más de mil cámaras velan por tu seguridad. Si Trastorno le ha tenido absortó durante varios años, mejor que se dedique a otra cosa, porque el resultado no merece el coste de una entrada de cine.

Ese baremo, el de los 6 euros de media a día de hoy, podemos empezar a emplearlo: ¿cuánto cuesta estar pendiente de una historia que se repite, sin que aporte nada al espectador? Por si fuera poco el resultado nos sale negativo si la previsión de la evidencia aflora a partir del primer cuarto de hora de metraje, cuando se emprende la feroz carrera por mantener ritmo y suspense.

Se desaprovecha dinero y talento, el de Nawja Nimri, Pep Munné e Ingrid Rubio, que luchan por hacer creíble lo que les ha caído encima. Del trío es la catalana, vista en 2006 en Tirante el blanco y Salvador, quien intenta que su personaje no resulte ridículo, predecible y recurrente. He aquí que encontramos la excepción que confirma la regla de que seguimos estando ante una de las mejores actrices del momento. Eso sí, las miradas que encierran envidias ya tuvieron su catálogo nutrido en La mano que mece la cuna, de la que bebe este título.

Trastorno se ajusta a los patrones más triviales del thriller: casas de revista fotografiadas desde el exterior, pobres recursos para generar sorpresa, planos repetidos que persiguen la tensión del espectador y una resolución típica, susto final incluido. Lo de meter al enemigo en casa ya está muy visto; también aburre el conflicto entre almas hermanas... Más de lo mismo y sin intenciones de contarlo de manera diferente, así que este firme defensor del cine español, debido al coste de la vida, se plantea medir con mucho tiento el valor de hacer una película como ésta.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: Los fantasmas de Goya

2006-11-10T09:54:00.000+01:00

Director: Milos Forman
Intérpretes: Javier Bardem, Natalie Portman, Stellan Skarsgård, Randy Quaid, Jose Luis Gomez, Unax Ugalde, Blanca Portillo

Le damos un 5

Milos Forman echa un vistazo bastante sesgado a la compleja España de finales del siglo XVIII. Lo hace a través de una película también convulsa y bastante irregular.

Se le puede acusar de faltar a la realidad fidedigna pero él se defiende argumentado que ha contado una historia, no la Historia con mayúsculas. No van a ver un retrato del pintor como el que hizo Carlos Saura en Goya en Burdeos ni, salvando discrepancias, Bigas Luna en Volaverunt. Francisco de Goya pasa a un segundo plano: no es el protagonista sino el testigo de unos hechos que durante los primeros minutos consiguen engancharnos para luego perder interés y consistencia, por devaneos innecesarios.

Da igual que Javier Aguirresarobe esté detrás de la fotografía, que el vestuario haya sido diseñado por la figurinista Ivonne Blake (con Oscar y 4 Goyas) o que se rodase en localizaciones donde el pasado cobra vida... El libreto, la columna vertebral, flojea por un exceso de maniqueísmo: tenemos a los buenos, que lo son hasta que dejan de serlo; los malos, los inquisidores, llegan a reconocer la ineficacia de sus métodos.

Tiene dos partes bien diferenciadas. Sobre la segunda mitad sobrevuela el ave del folletín, no sin cierto tono burlesco, lógicamente sin pretenderlo: la transformación del personaje de Bardem cuesta creérsela; Portman tiene buenos momentos que, por repetitivos, se hacen pesados. Parece que los protagonistas están encorsetados en sus personajes, más preocupados por no desilusionar a sus seguidores con una película más. Los que dan vida a retratos históricos -el sueco Stellan Skarsgard como Goya- están delimitados por la visión de los más letrados; el resto, mejor dicho, José Luis Gómez es el único que pasea con soltura, a pesar de someterse a increíbles pruebas.

Milos Forman (Amadeus, Valmont) sigue recreando tiempos pasados trazando paralelismos con el presente. Aquí ha intentado condensar muchos aspectos, demasiados y no muy bien hilados, de una etapa en nuestra historia que nosotros no hemos sabido rentabilizar. Reto para un director extranjero que pasa a priori por ser más crítico y estar más interesado en la Historia que los patrios. Tras la emoción queda la desvergüenza por contextualizar la trama con tópicos al estilo de Hollywood, perfilando la España que quieren ver, al igual que Memorias de una Geisha mostró Japón a través de ojos occidentales. Tras el varapalo llega la defensa ya que no debemos atribuir a un cineasta roles que no le corresponden, como el de profesor de historia.

Como producto puede funcionar con secuencias lujosas como la que recoge el proceso de un grabado. Y seguro que no nos equivocamos al afirmar que gustará más fuera de nuestras fronteras que dentro, donde más de uno se ha quedado imaginando la película que podría haber sido con tan jugoso material humano. Seguimos con ganas de entrar a través del cine en un universo pictórico tan variado, aunque le tendremos que dar la razón a los puristas: los cuadros, en el museo.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: Ficción

2006-11-10T09:44:00.000+01:00

Director: Cesc Gay
Intérpretes: Eduard Fernández, Javier Cámara, Montse Germán, Carme Pla, Ágata Roca
Estreno de España: 10 de noviembre de 2006

Le damos un 7,5

Resulta atractivo el cine ‘de charla interior’ que propone Cesc Gay. Narrado desde el reposo, primando el fluir de las conversaciones con uno mismo que no oímos, su Ficción no incomoda y eso que muestra algo tan triste como una historia sobre pasiones refrenadas.

Este alquimista que trabaja con material sensible, el de las emociones y las relaciones personales, no gusta de grandes algarabías. Apoyado en el clima familiar cómplice en el que sitúa la historia (fomentado por los lazos reales entre los actores y él mismo), Cesc Gay explora un nuevo territorio, más sosegado que los de antes: se marcha de la urbe para refugiarse en el ambiente rural, pasa del reparto coral al trabajo intimista.. Carga su mochila con primeros planos de actores que cuentan muchas cosas pero sin pronunciar palabra, con la excepción de Cámara, tan vigoroso y hábil como siempre.

Completa una trilogía sobre los problemas a los que nos enfrentamos en cada etapa de nuestra vida. Krámpack, En la ciudad y Ficción son muy distintas entre sí, pero es curioso que cubran etapas: la adolescencia, la treintena y la madurez asociada a la crisis de los 39, una veteranía que nos llega desnuda y desesperanzadora. La idea de que la película se contempla como una cariñosa despedida de hora y media entronca con la mirada reflexiva de un cineasta que se está haciendo con su sitio dentro del panorama europeo.

Con el permiso de Eduard Fernández –hay que hacer memoria para recordar un trabajo malo-, la sutileza es la principal protagonista de una historia que gira en torno al sentimiento de renuncia y la responsabilidad. La búsqueda de inspiración es una excusa llana para abandonar por algún tiempo la vida que le hastía... y hasta ahí podemos contar.

Da igual que el final del recorrido nos parezca previsible, lo que importa es el viaje, la excursión hasta el otro lado del mundo con ritmo pausado, casi detenido y nada artificioso. Fernández encuentra en Montse Germán a su partenaire ideal: sostiene su mirada y equilibra la balanza. Los otros tres personajes revolotean limitándose a observar sin alterar la naturaleza. Lejos de parecer pretencioso Gay vierte en sus cuadros de vida múltiples y agradecidas referencias musicales y cinematográficas, sin entrar en lo metafórico del título y el personaje alter ego del director.

Como apunte podemos decir que el rodaje tuvo lugar de manera cronológica, haciendo más creíble el trabajo de los actores. Una viveza que, como tantos otros aspectos, nos llega de manera sutil a través de una sencilla y preciosa historia de amor que todos tenemos derecho a vivir. Porque no vive quien no sufre, aunque sólo sea un poquito.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "Una verdad incómoda"

2006-11-03T08:59:00.000+01:00

Director: Davis Guggenheim
Intérpretes: Al Gore
Estreno en España: 3 de noviembre de 2006

Le damos un 7

La Tierra habla por boca de Al Gore: se derrite el hielo de los polos, aumenta la población de seres humanos y hay muchos ineptos entre los gobernantes políticos.

Interesante y didáctica lección sobre el calentamiento del globo mezclada con cierto halo de revanchismo tras el varapalo del ex vicepresidente del gobierno de Bill Clinton en la enmarañada carrera hacia la presidencia de EE.UU.

Él sí que es listo, no George W. Bush. Es la idea que subyace en este documental que, a pesar de su carácter político, ofrece a priori claves acerca de nuestro futuro en el planeta. Es posible cambiar el curso de la historia, la medio ambiental y, de camino, también la política, no dejando para mañana lo que podemos hacer hoy. El problema es que las empresas que no llenen sus arcas ahora, lo tendrán más difícil cuando todos estemos más alerta ante la peligrosa situación que se nos avecina.

Si le gusta el género de catástrofes recordará que en El día de mañana un científico interpretado por Dennis Quaid alzaba la voz en una conferencia mundial anunciando graves problemas para nuestra naturaleza, molestias que llegarían antes de lo previsto. Despojado el título en cuestión de acción, tufillo a crítica al imperialismo y el relato de ficción propio, nos queda este grito no tan desesperanzador como podría verse al principio.

Este ejercicio divulgativo sobre las catastróficas consecuencias del cambio climático no es más que una conferencia ilustrada con imágenes que hemos visto hasta la saciedad. La riqueza está en la puesta del largo de un showman, un ponente de lujo que, de no haber sido destronado de manera dudosa en Florida, hoy sería presidente demócrata de los EE.UU.

En ese caso nos hubiéramos quedado sin el actor que nos guía por este documental, que además de incomodar a políticos y a nosotros mismos, refleja lo que hay más allá de la carrera hacia el poder de un político. Toques biográficos a un lado, el ritmo del documental no decae salvo en los momentos en que nuestro amigo Al Gore recuerda sus vivencias infantiles y las relaciona con el imparable paso del tiempo y su mella en nuestra conciencia. No nos descubre nada, pero contribuye a que nos quedemos pensando si debemos actuar y cómo hacerlo.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "La matanza de Texas: el origen"

2006-11-03T08:54:00.000+01:00

Director: :Jonathan Liebesman
Intérpretes: :Jordana Brewster, Taylor Handley, Diora Baird, Matt Bomer, Lee Tergesen, Cyia Batten, R. Lee Ermey, Andrew Bryniarski, Marietta Marich, Terrence Evans, Kathy Lamkin, Cyia Batten, Lew Temple
Estreno en España: 3 de noviembre de 2006

Le damos un 5

Apta sólo para los muy fanáticos del género de terror, juega con la adrenalina a pesar de que ya sabemos cómo acabará la cosa.

Aquí tenemos a la clásica familia de la América profunda, la que se muestra unida en torno a un grupo de muchachos a los que descuartizar, festejando de este modo el espíritu festivo de un sentimiento común.

La acción nos remonta hasta el año 1969. Entre oníricas imágenes que darán lugar a una especie de espejismo desalentador, la película nos plantea un paseo por macabras retenciones y asesinatos nada limpios. Se revela como ejercicio de síntesis en torno a los orígenes de una de las leyendas cinematográficas más aplaudidas y temidas.

Esta historia marca el planteamiento de la que se narró hace poco con motivo de la revisión del clásico La matanza de Texas. Una película cuya finalidad principal es la de dar respuestas y no ser engañosa respecto a sus principios. Es por eso por lo que aplaudimos a su director, por no traicionar al espíritu de un tipo de cine que tiene muchos adeptos, sobre todo adolescentes, y es más consumido entre mantitas una noche de fin de semana.

Como producto cinematográfico no sorprende: la realización está destinada a resaltar el aislamiento en un paisaje rural, con carreteras semidesiertas y sospechosos personajes que fomentan encontronazos más inciertos aún. El desfile de vísceras, miembros separados de sus cuerpos y la sangre que brota sin freno puede resultar más cansino que molesto, siguiendo la estela de títulos recientes como Saw, Hostel, Creep... Un ejemplo del contraataque ‘gore’ occidental al cine de sustitos oriental.

Y aunque nunca pensamos que podríamos decirlo, se echa en falta el siempre dudoso y peculiar sentido del humor propio de un género cuya máxima aportación a la sociedad es la de permitir que muchos jóvenes se arrimen entre sí, no vaya a ser que venga el de la máscara.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "Jackass dos. Todavía más"

2006-11-03T08:47:00.000+01:00

Director: Jeff Tremaine
Intérpretes: Johnny Knoxville, Bam Margera, Stephen Glover, Chris Pontius, Preston Lacy
Estreno en España: 3 de noviembre de 2006

Le damos un 1

Esta desmedida mezcla entre carcajada, vergüenza ajena y asco no es más que un surrealista e insultante carnaval de golpes, pruebas salvajes y gamberradas sangrientas que no merece llegar a las carteleras.

La gracia está ahí, pero es tan aparente que no sustenta un largometraje confeccionado por piezas engarzadas con el único hilo argumental de la inconsciencia. Lo más duro es que sus promotores no lo son: saben muy bien que la gente se retorcerá en la butaca al tiempo que pedirá más y más, lo que da idea de la comparación con el ‘pan y circo’ de nuestros antiguos romanos para que el populacho no viese más lejos de lo que a sus gobernantes les interesa que vean.

Los mandatarios son unos desalmados productores de MTV, canal de televisión que ha visto como sube la audiencia con un grupo de chiflados capaces de hacer lo que sea. Es su religión, la que les lleva a colocar una sanguijuela en su ojo para que chupe la sangre, arrancarse dientes y vomitar después de... ¡Vomitar, en definitiva, que ya da bastante asco!

Untan de dinero a sus insensatos conejillos de indias y les dejan a sus anchas: ¿qué eres capaz de superarte con una prueba más salvaje? Pues ahí tienes. No tienen ningún aprecio por su piel, por su cuerpo... Algo que viene de tiempo atrás: pensé que estaría perdido al no haber visto la primera parte, pero no. Eso sí, una fuerza desconocida se apodera de nosotros una vez dentro de la sala, ya que enganchan las estupideces, cada una más absurda que la anterior. Quizá una de las gracias esté en el doblaje al castellano: los profesionales se esfuerzan en dotar a sus voces de ese tono tontorrón que seguro tienen en la versión original.

¿Es posible que un espectador imite las tonterías que durante hora y media se suceden en pantalla? Suponemos que no, pero no seremos nosotros censores de ninguna forma de vida estúpida. Sí recomendamos nos gastar un solo euro en este dudoso trabajo rodado cámara en mano, con primeros planos y con la firma de tipos como Spike Jonze, como si esto constituyera garantía alguna.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "GAL"

2006-11-03T08:40:00.000+01:00

Director: Miguel Courtois
Intérpretes: Natalia Verbeke, José García, Jordi Mollà, Bernard Le Coq, José Coronado, Ana Álvarez, José Ángel Egido, Ricardo Borrás, Jordi Reberllón, Abel Folk, Miguel Hermoso, Juan Gea, Blanca Marsillach, Mercé Llorens
Estreno en España: 3 de noviembre de 2006

Le damos un 4

El histrionismo exagerado mancha este thriller que, sin embargo, puede funcionar de la misma manera que El Lobo, aunque sólo si uno se olvida del rigor histórico.

Después de aquella historia sobre el infiltrado Mikel Lejarza, había otro episodio relacionado con la banda terrorista ETA que debía ocupar sus fotogramas correspondientes. Una aproximación en GAL que no cumple las expectativas creadas.

El caso de los conocidos Grupos Antiterroristas de Liberación llega tamizado por la mirada de Miguel Courtois que trabaja el mundo de las evidencias. Realidades posibles asumidas como certezas y corrompidas a su vez por el desgarrado empeño personal de Melchor Miralles, cabeza visible de Mundo Ficción y uno de los artífices de la investigación periodística de 12 años que sacó a la palestra el caso GAL. En demasiadas ocasiones, un buen guionista (Antonio Onetti) no hace milagros.

Viendo la película uno tiene la sensación de que no es ecuánime, aunque a estas alturas sabemos que la objetividad no existe y menos en el cine, un terreno abierto a toda clase de subjetividades al regirse por el principio de la creatividad. Sin entrar en la sustanciosa materia histórica –verán como cuesta-, GAL se adentra en la profesión periodística: la que se muestra independiente, la que se intenta manipular, la que tiene intereses... Nadie está libre de pecado.

La trama protagonizada por pistoleros, aguerridos reporteros, confidentes y víctimas que también son verdugos nos llega a ritmo de video-clip, como el de una secuencia que chirría por encima de las demás al tratar en paralelo asesinatos y lujos costeados a golpe de tarjeta. No dejamos atrás los personajes estereotipados al máximo. Llegados a este punto no cumplimos lo prometido y caemos en las similitudes con la historia: un ejemplo, el siempre convincente Jordi Mollá que aquí da vida a un ser que recuerda al subcomisario José Amedo, con el descaro de Torrente y el deje de José María Aznar.

Es el más caricaturizado de un reparto hilarante: Abel Folk se mete en el cuerpo de Pedro J. Ramírez; José Ángel Egido trabaja un personaje a medio camino entre los ex ministros del Interior Corcuera y Barrionuevo; el ‘hombre de la tónica’ da vida a la parodia de Felipe González -ese acento, por favor- y se relata el ‘erróneo secuestro’ de Segundo Marey. Más conseguidos están los secundarios a los que dan vida Ana Álvarez, Mercé Llorens, y Mar Regueras. Pero la pareja protagonista flojea: no te crees las afirmaciones de manual que suelta el personaje de Verbeke y quedan ridículos los guiños del enamoradizo interpretado por García.

A nadie se les escapa que detrás de esta película está buena parte de la gente que montó El Mundo del Siglo XXI pero son tan claras las referencias que no se deja vía libre a la imaginación y mucho menos a la interpretación. Está demasiado basada en hechos reales y nos lo dan todo hecho. Incluso lo repiten un par de veces por si no nos hemos enterado. Y eso al espectador, que no es tonto, le aburre.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "El destino"

2006-11-03T08:24:00.000+01:00

Director: Miguel Pereira
Intérpretes: Tristán Ulloa, Carolina Román, Mimí Ardú, Tukuta Gordillo, Tomás Lipán, Daniela Carril, Titina Gaspar, Rubén Fleita
Estreno en España: 3 de noviembre de 2006

Le damos un 4

Pocas sorpresas ofrece este título acerca de la introducción de un elemento extraño en un ambiente opresivo al margen del mundo.

Lo que en principio parece un western en cuya carga ideológica está el choque entre culturas muy distintas, acaba como un relato demasiado paródico con una estructura demasiado predecible y ritmo tan pausado que nos lleva al tedio.

Miguel Pereira traslada ideas a la pantalla, adapta sin demasiada pasión cinematográfica el contenido de El hombre que llegó a un pueblo, una novelita escrita por Héctor Tizón y ahora publicada en España. El argentino se limita a redundar en la idea inicial, con personajes que desvelan muy pronto sus verdaderas intenciones y desenvueltos en dilemas de manual.

Las buenas intenciones no son suficientes a la hora de contar una historia y menos en un tiempo en que estamos demasiado acostumbrados a mecanismos que inculcan idea de modernidad. Da la sensación de que Pereira se queda anclado en una forma de hacer cine algo escasa y primitiva –en realidad, nosotros somos culpables de no verlo como contemporánea-, con un montaje sencillo, interpretaciones correctas pero justitas y metáforas que se diluyen entre muchas evidencias.

Localizada en Jujuy, una provincia del norte de Argentina, el paisaje contribuye a que nos lleguen las sensaciones que persigue Pereira: soledad, aislamiento, confianza ciega en el otro, desprecio por el vecino de siempre, lentitud en el paso del tiempo... Pero esa transmisión se produce a trompicones, sin personajes que enamoren, como los que perfiló Laura Mañá en una historia similar a ésta, Morir en San Hilario, una película con más virtudes que defectos y sobre todo, con el alma que le falta a El destino.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "El corral. Una fiesta muy bestia"

2006-10-27T17:19:00.000+02:00

Se agradecen películas para los más pequeños como esta que no insultan su inteligencia con chistes facilones que salpican aburridas tramas.

De conocerles, Esopo e Iriarte seguro que les habrían dedicado muchas de sus fábulas. Es más, si vivieran y tuvieran cultura audiovisual, cada animalito de esta curiosa granja protagonizaría al menos un cortometraje.

Con ritmo, dosificando las sorpresas y jugando con referentes cinematográficos que entre los niños pueden pasar desapercibidos, esta cinta entronca con otros como Chicken Run (Evasión en la Granja), aunque más por la temática que por la forma ya que en este sentido recuerda más a Jimmy Neutrón, del mismo director.

Tras un título recurrente se esconde un mundo al que no podemos acceder los humanos. Stevie Wonder compuso los temas del álbum La vida secreta de las plantas, sugerente frase que al que suscribe provoca imágenes de flores y arbustos con personalidad, como las que descubre Alicia en su deambular por el país de las maravillas. Algo así ocurre con este retrato de usos y costumbres bestiales que no es más que una visión de la vida más oculta de los animales.

Al tener niños como público objetivo, no faltan patrones arquetípicos, aunque no es el punto más destacado de este divertido relato vacuno de superación. A los responsables parece no importarles que vacas, con sus ubres y todo, sean machos. Esto puede desconcertar sobre todo a los pequeños. Incongruencia sí, pero al fin y al cabo se trata de una licencia más, como las que se han permitido los dobladores al castellano en su decisión de imponerle un acento gallego a un trío insólito formado por tres vacas (machos) locas.

Por momentos llega a ser algo excesiva por sus devaneos melosos. La historia rezuma moralina, no mucha, pero en cantidad suficiente para comprobar que es cosecha de El rey león. Aquí no es Simba el que busca el consuelo y el apoyo de su padre, perdido en el firmamento, pero Otis recuerda mucho al leoncito de la Disney en ciertas secuencias. Ya se sabe que de referencias vive el cine actual y este trabajo está repleto de ellas, aunque también abundan los momentos hilarantes proporcionados por un hurón deseoso de hincar el diente a un pollo pesimista. Divertida y recomendable.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "Copying Beethoven"

2006-10-24T07:06:00.000+02:00

Director: Agnieszka Holland
Intérpretes: Ed Harris, Diane Kruger, Matthew Goode, Phyllida Law, Nicholas Jones, Joe Anderson
Estreno en España: 20 de octubre de 2006

Le damos un 5,5

Lejos de constituir una biografía al uso, este melodrama humaniza al genio con una brillante interpretación de Ed Harris.

La capacidad creadora de un genio no tiene límites. Eso puede llegar a dificultar cualquier visión cinematográfica sobre su vida. Si el espécimen en cuestión merece entrar en la categoría que aglutina a los ‘atormentados y tocados por Dios’, el trabajo puede ser más costoso aún. Que se lo digan a Milos Forman, en el caso de Amadeus (sobre Mozart), y ahora a la polaca responsable de títulos como Europa, Europa, El jardín secreto y La heredera.

Decantarse por una parcela de una existencia tan compleja es tarea difícil. Las últimas etapas suelen condensar mayor número de matices. Quizá esta sea la razón por la cual Holland traslada a la pantalla los últimos meses de Beethoven pero lo curioso es que, en lugar de que el sea quien aporte su mirada personal, es su copista la que nos guía por la trama.

Puede ser esta una forma inteligente de desligarse de tanta presión, sobre todo en el caso de este compositor del que hay escasas películas, Amor inmortal con Gary Oldman es un ejemplo. La práctica que se le asigna a la actriz Diane Kruger como cicerone es la misma empleada por Carlos Saura, que nos relató en Goya en Burdeos los últimos años del pintor de Fuendetodos por boca de su hija.

Rodada con intensidad y apoyada en momentos con fuerte carga emocional, la película se sustenta gracias al trabajo que hace Ed Harris. Directora e intérprete se reencuentran después de Conspiración para matar a un cura y El tercer milagro, aunque es aquí donde ella le rinde pleitesía con un personaje caramelo para cualquier actor que se atreva con él.

Además de la lograda ambientación y el trabajo de los actores, poco se le puede pedir a esta ficción histórica, que podemos dar por cierta o no, y en la que echamos en falta algo más de emoción. En definitiva, un este acercamiento al gran Ludwig van Beethoven que nos sabe a poco.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "Pequeña Miss Sunshine"

2006-10-23T20:29:00.000+02:00

Director: Jonathan Dayton, Valerie Faris
Intérpretes: Steve Carell, Toni Collette, Greg Kinnear, Alan Arkin, Beth Grant, Paul Dano, Abigail Breslin
Estreno en España: 20 de octubre de 2006

Le damos un 7

Explotando su etiqueta de filme de culto independiente, esta fábula con tono agridulce se posiciona como una de las sorpresas del año.

Su divertida historia acentúa nuestra imagen del mundo en que habitan raros llevados a la pantalla por cineastas como Todd Solondz (Bienvenidos a la casa de muñecas, Happinnes, Palíndromos) y cómics como Ghost World y American Splendor.

Cuando hablamos de la Norteamérica profunda nos imaginamos un mundo rural abanderado por el conservadurismo, comunidades cerradas e individuos obcecados en planteamientos de vida absurdos. Esta ópera prima parte de ahí, ofreciendo un retrato de personajes acabados que deben ayudarse los unos a los otros para escapar a la monotonía.

Son seres que aparentan ser corrientes, como los que pululan por las urbanizaciones de una más dramática American Beauty. La normalidad chocante es la base de este título donde no se cuenta nada nuevo: el motor viene dado por las ilusiones de una niña que moviliza a toda la familia con el fin de llegar al concurso que cambiará su vida. Es, como habrán comprobado, el típico relato del sueño por cumplir que luego no es tanto como se anhelaba.

No todo es belleza y popularidad. La destartalada camioneta en la que viajan hasta California es una perfecta metáfora. Es el mensaje que nos llega desde el principio, con unos personajes identificables y estereotipados en exceso, aunque certeros y jugosos. No hay trampa en todo el metraje, tampoco aspavientos. Aún así interesa este hilarante y moralizante fresco narrado a modo de película de carretera.

Sabido el destino –en ningún momento cabe duda de ello-, tan sólo queda disfrutar de los diálogos con chispa, algunos inverosímiles, muchos patéticos y, sin embargo, creíbles al salir de boca de una entrañable galería de monstruos que cuenta con el reclamo de haber arrancado aplausos en el último Festival de Sundance. Y con razón.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "A scanner darkly"

2006-10-23T20:17:00.000+02:00

Director: Richard Linklater
Intérpretes: Keanu Reeves, Robert Downey Jr., Woody Harrelson, Winona Ryder
Estreno en España: 20 de octubre de 2006

Le damos un 6,5

Tras este atípico producto de animación se esconde un reparto de estrellas y un relato con la firma de un autor polémico para algunos y certero para muchos.

La puesta en escena nos presenta una especie de tebeo en movimiento donde los personajes parecen estar en continuo estado de levitación. El resultado no es gratuito ya que en los 100 minutos que dura nos acerca a la dictadura de una poderosa droga llamada Sustancia D.

El narcótico es la excusa para presentarnos seres que gravitan en un escenario mal perfilado y nos llevan por el estado alucinógeno y narcótico proporcionado por el cine. Tras plantear una intrincada investigación policial para derrocar una trama de narcotraficantes llegan los efectos secundarios: crítica a la falta de libertades en un mundo dominado por la video-vigilancia.

Llegados a su resolución da la sensación de que la trama es mínima y lo que hemos visto es una larga introducción y un mínimo desenlace poco esperanzador. No importa, tampoco el hecho de que Richard Linklater se convierta en una especie de Pepito Grillo. Experiencia tiene porque en su celebrada Walking life ya nos guió por el discutido terreno de los sueños apropiándose de apuntes filosóficos y empleando la técnica del "rotoscopio" (dibujado sobre películas de acción real) como nuevo modus operando en el campo digital. Vuelve a sorprender, de manera grata, el heterodoxo cineasta, responsable de las dispares Antes del amanecer, Después del atardecer y Escuela de rock.

Ante un abigarrado argumento con demasiados recovecos, un despiste puede ser fatal. No se lo recomiendo en este experimento –que ya no lo es tanto- porque incluso a aquel que se regodea de no perderse ni un detalle, el amigo Linklater conseguirá desubicarle. El ‘fenómeno sociológico’ de Gran Hermano hizo que muchos echaran mano de 1984, de George Orwell, por lo que A Scanner Darkly es un título original más por la forma que por la tesis que esgrime. Y contribuye a ello el empleo de una técnica de animación que acentúa el desquicie paranoide con que el novelista Philip K. Dick nos presenta su mundo en decadencia apocalíptica.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "En la piel de Jacques Chirac"

2006-10-23T20:07:00.000+02:00

Director: Karl Zéro, Michel Royer
"Intérpretes": Jacques Chirac, Dominique De Villepin, Laurent Fabius, Lionel Jospin, François Mitterrand, Nicolas Sarkozy
Estreno en España: 20 de octubre de 2006

Le damos un 6,5

Cualquier parecido con la realidad no es pura coincidencia en este original, ameno y burlesco documental político.

La política puede ser muy divertida. Lo pone de manifiesto este recorrido por cerca de 40 años de carrera de Jacques Chirac, cuatro décadas que reflejan también la historia reciente de Francia, incluidas las molestas consecuencias para el gobierno del Contrato Primer Empleo y las revueltas callejeras del pasado año 2005.

No hay intromisión en la vida privada por lo que este trabajo no es censurable. Dicen sus responsables que el guión estaba prácticamente hecho, que ellos sólo debían decantarse por dotar de una estructurar tanta información. Escogieron la fórmula del decálogo del buen y perfecto líder político. Se explaya como si estuviera entre amigos, se dan apuntes sustanciosos acerca del europeismo o no del protagonista, su opinión sobre la entrada en el Mercado Común de España y Portugal y su relación con el Vaticano y jefes de estado y de gobierno internacionales.

Si nos dejamos llevar por la narración de hechos montada por los realizadores Karl Zéro y Michel Royer, avalados por su trayectoria en televisión, descubrimos que Chirac es uno de los mejores actores de todos los tiempos. En nuestro ánimo queda la creencia o no en todo lo que se nos cuenta. Somos mayorcitos para saber que en la trastienda de la política existe un entarimado cínico, duro y cómico al mismo tiempo.

Hace unos meses llegó a nuestras pantallas ¡Viva Zapatero!, documento satírico creado por Sabina Guzzanti. El demoledor contraataque, o mejor dicho, defensa contra el Berlusconi de turno, era un ejercicio sobre la falta de libertad de expresión en la vecina Italia. A diferencia de aquella, que mostraba la realidad sin manipulación alguna, a la cinta gala no le falta sarcasmo y mucho sentido del humor a partir del corte y confección, y una lograda declaración de intenciones, la única parte de ficción en términos estrictos.

Una recomendación: estos 90 minutos en la piel de uno de los hombres más poderosos del mundo occidental deben verse en V.O. para que la socarronería no quede en saco roto.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "Hijos de los hombres"

2006-10-23T19:54:00.000+02:00

Director: Alfonso Cuarón
Intérpretes: Clive Owen, Julianne Moore, Charlie Hunnam, Michael Caine, Chiwetel Ejiofor, Gary Oldman, Peter Mullan, Danny Huston, Claire-Hope Ashitey, Pam Ferris, Oana Pellea
Estreno en España: 20 de octubre de 2006

Le damos un 8

En continuo y agobiante equilibrio entre la esperanza y la agonía, este intenso trabajo nos avisa de que el tan anunciado mañana ya está aquí.

El inicio, vibrante y conciso, nos da las claves de lo que veremos: un Londres de 2027 similar al actual... a priori. El habilidoso Alfonso Cuarón nos introduce en la apabullante historia con pocos planos y nada de artificios digitales innecesarios. No necesita más que unas rápidas y certeras panorámicas y algún que otro documento informativo que bien podría emitirse por la televisión actual.

Rodada con intensidad y buscando el tono real en todo momento, la película nos asesta un duro golpe, a nosotros que estamos plácidamente sentados en una butaca y lo que vemos nos parece lejano. El fin de la humanidad ya no está en manos de alienígenas ni es cosa de robots. Puede que tampoco muramos por un gran terremoto o el impacto de un meteorito; nosotros seremos los culpables y lo terrible es la tranquilidad con que lo vemos.

Al igual que V de Vendetta y 28 días después, la inquietante Hijos de los hombres se ambienta en Londres, una capital occidental donde no extraña que el fenómeno de la inmigración se lleve a consecuencias bestiales, en un paso más allá del dado por Michael Winterbottom en la también indispensable Código 46. No nos olvidamos de los guiños al terrorismo y la manipulación de los ciudadanos como títeres a manos de los gobernantes. Esta fábula lo engrandece todo pero está narrada de una manera tan creíble que asusta. Es más, hasta podemos imaginar el final, porque no necesitamos respuestas a los interrogantes planteados.

La cámara en mano no deja de rodar durante minutos que se hacen eternos. Son los llamados planos-secuencia que, apoyados en el sonido atronador, contribuye a que tengamos la sensación de estar dentro de una terrible aventura simulada. Clive Owen (Closer, Sin City, Plan oculto) y la convincente Clare-Hope Ashitey son nuestros guías por este mundo a veces poético y siempre tremendo, fotografiado de manera triste y expresiva, con tonos grises y azules. El colorido viene dado por las medidas interpretaciones de Michael Caine y Julianne Moore. Aportan el punto de comicidad necesario para que la tragedia tenga más valor.

No pasó por mis manos el libro homónimo de P.D. James, pero me han comentado que cualquier parecido con él era pura coincidencia. Ratifica nuestra idea de que estamos ante dos formas de expresión diferentes. En cuanto a la sustancia, no es que el texto tuviese más contenido filosófico y humanístico, sino que Cuarón apuesta por el suspense y acción, armas fílmicas que contribuyen a que el mensaje llegue casi sin avisar y el bofetón sea más sonado. Una vez en casa, reflexionaremos a partir de las réplicas del terremoto visual que hemos vivido.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "El laberinto del fauno"

2006-10-11T10:27:00.000+02:00

Director: Guillermo del Toro
Intérpretes: Ivana Baquero, Sergi López, Ariadna Gil, Maribel Verdú, Álex Angulo, Doug Jones, Roger Casamajor, Sebastián Haro, Mina Lira, Federico Luppi, Ivan Massagué, Chema Ruiz, Manolo Solo, Milo Taboada

Estreno en España: 11 de octubre de 2006

Le damos un 9

Película fantástica en sus dos lecturas, la segunda entrega del ciclo iniciado con El espinazo del diablo promete lirismo crudo y dos horas de entretenimiento con sustancia.

A modo de fábula cruel, este magnifico ejemplo de un género denostado se envuelve en poesía producto de la suma de metáforas y guiños. Acuciada desde una visión infantil, casi inexperta y por ello curiosa y atrevida, la fábula se aleja de lo idealizado para entrar en un decadente y obsoleto reino del que no debemos perder detalle.

Como un niño el director de la notable Cronos juega a engañarnos con tanto realismo que nos convence. Toma las claves de la fantasía sin que parezca que confecciona un traje a partir de retales. Cumple con el decálogo de normas y he aquí una muestra: salta de un lado a otro del espejo con soltura, cuenta con una pequeña guía temeraria y atrapa la oscuridad narrada en los límites de una identificable la primera posguerra española. Y no falta la ‘madrastra’, convertida en un malísimo militar.

Si ya convence en trabajos donde desaparece la marca de autor, en uno donde ha volcado tanto amor y terror, no podía fallar: exprime la belleza plástica de los aspectos más crudos y feos de la realidad paralela que no envidian a los del mundo real. A los dos lados hay sombras aunque no son las responsables de nuestros sustos: El honor está reservado a los personajes que sustentan la historia, tremendamente reales, y causantes de más miedo. Confía en 4 actores convincentes sacados de papeles habituales y concede visado a nuestra imaginación, que da para vincular monstruos mitológicos a fascistas. Ese ancla al mundo real es lo que más nos perturba de este cuento de hadas para adultos aunque una expresiva y joven actriz nos guíe entre tinieblas y decadencia.

Confesa su adoración por el estudio de la Guerra Civil, el cineasta también revela el influjo de Goya y su paleta de colores tétrica y angustiosa. Ha sido capaz de homenajear al de los desastres y pinturas negras y emparentarlo con el Kubrick de El resplandor, aunque es Dorothy, la del mundo de Oz, quien puede acabar descuartizada en un remoto bosque de la España fracturada de los años 40. Referentes no faltan, pero la maestría reside en que sean sólo nexos a nuestra cultura fílmica y literaria y no burdas copias.

El responsable de las comerciales Mimic y Hellboy da a los maquis la notoriedad que sólo otorgaron cineastas patrios como Julio Sánchez Valdés en Luna de lobos (a partir de la novela de Julio Llamazares) y Montxo Armendáriz en Silencio roto. Los guerrilleros reaparecen convertidos en sombras del bosque visitado por la niña especial que podría ser compañera de juegos de la Wendy amiga de Peter Pan, y Alicia, asidua al país de las maravillas.

Del Toro consigue recuperar esas hadas que existen sólo cuando eres niño. Las viste de malicia, emparentándolas con los malos oficiales que se inclinan a la derecha y nos hacen retorcer de angustia. Maniqueísmos consentidos a un lado, les invitamos a que entre al laberinto sin riesgo de perderse ya que es visible sólo para nosotros, que sabemos donde mirar siempre y cuando estemos guiados por el cicerone adecuado. Y Guillermo lo es.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "El príncipe de los ladrones"

2006-10-07T09:42:00.000+02:00

Director: Richard Claus

Intérpretes: Rollo Weeks, Aaron Johnson, George MacKay, Alice Connor, Lathaniel Dyer, Jasper Harris, Jim Carter, Caroline Goodall, Alexei Sayle, Bob Goody, Carole Boyd, Robert Bathurst, Vanessa Redgrave, Geoffrey Hutchings

Estreno en España: 6 de octubre de 2006

Le damos un 5

Los ingredientes no han sido aprovechados al máximo por el realizador encargado de adaptar este título, convertido ya en clásico a pesar de llevar poco tiempo en las estanterías.

Hay ciudades con encanto natural en las que es muy fácil ambientar una historia de ficción y Venecia es una de ellas. A priori el 50% del trabajo ya está hecho, pero antes de que los cineastas se lleven las manos a la cabeza diremos que sin personajes y trama cuidada no hay nada.

Cornelia Funke lleva unos cuantos años dando excelentes muestras de literatura infantil y juvenil. Heredera de Michael Ende (La historia interminable, Momo) y C.S. Lewis (Las crónicas de Narnia) consigue exprimir el filón inagotable de las correrías de pandilla, en esta ocasión por calles y canales de la de por si mágica ciudad italiana y su desconocida laguna. A los niños les gusta imaginarse como pequeños aventureros así que con este título van a disfrutar mucho. Los adultos que les acompañen quizá algo menos, pero siempre se pueden entretener viendo Venecia.

No es que resulte demasiado aburrido este compendio entre síndrome de Peter Pan y reminiscencias a Robin Hood, pero el conjunto se presenta algo soso: el director se limita a hacer un perfecto trabajo de realización sin hacer algarabías y tampoco se esmera en dotar de gracia algunas secuencias que presuponen serlo. Y carrera tras carrera, hechizo por aquí y dilema moral por allá, los minutos se hacen demasiado largos.

En términos menos plásticos, y destacando de nuevo el posible interés entre los más pequeños, si que cumple esta producción con los principios que vieron nacer el proyecto: se trata de cine europeo trasnacional, con director germano –que trabaja de tanto en tanto-, actores ingleses y plan de rodaje a medias entre Venecia y Luxemburgo, donde se recrea parte de la ciudad de los canales.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicada en LaNetro.com.

Crítica: "Las partículas elementales"

2006-10-07T09:24:00.000+02:00

Director: Oskar Roehler

Intérpretes: Moritz Bleibtreu, Christian Ulmen, Martina Gedeck, Franka Potente

Estreno en España: 6 de octubre de 2006

Le damos un 7,5

Llevar un libro al cine es fácil, hacerlo bien ya es más complicado. Como en todas las adaptaciones, debemos tomar la novela de Michael Houellebecq como producto distinto a esta interesante y franca cinta.

Es directa e incómoda porque presenta las cosas como son y la vida, por lo general, es muy dura. El experimento también resulta curioso porque su director juega con ideas y sentimientos más que con hechos.

No es el primero que lo hace por lo que el camino ya ha sido algo allanado en cuanto a obstáculos se refiere. Luchino Visconti consiguió trasladar a imágenes los paisajes de la mente creados por Thoman Mann con ocasión de Muerte en Venecia. Ejemplo a un lado, Roehler se agarra al existencialismo y al humor negro a la hora de manejar cuatro títeres deudores de las carencias o excesos de sus progenitores en un teatrillo realista.

Dos hermanos atípicos vuelven a tener contacto después de muchos años separados. Uno busca un cambio a su metódica rutina mientras el otro se lamenta de llevar una existencia sin hitos. Los dos siguen por caminos diferentes pero la suerte les sonríe en un momento determinado. El mensaje inherente es que ellos son responsables de su felicidad: sólo la tendrán si son capaces de no apartar la mirada y devolver el esbozo de mueca. El director nos plantea el mismo juego así que, por nuestro bien, no dejemos escapar la atención.

Al principio no sabes por dónde va la cosa, aunque luego entras con soltura en las cuatro vidas entrelazadas, deteniéndonos frente al personaje más complejo y débil, un ser que se ha dado cuenta de que lleva demasiado tiempo siendo infeliz. Con situaciones a medio camino entre el patetismo y la parodia, la película destila humor a partir de la naturaleza más ruda de las cosas. Dedicada a todos aquellos que piensan que al crecer se disipan los miedos y los problemas.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "Los Borgia"

2006-10-07T09:05:00.000+02:00

Director: Antonio Hernández

Intérpretes: Sergio Peris Mencheta, Lluís Homar, María Valverde, Paz Vega, Ángela Molina, Sergio Muñiz, Eloy Azorin, Roberto Álvarez, Linda Batista, Antonio Dechent, Roberto Enríquez, Diego Martín, Eusebio Poncela.

Estreno en España: 6 de octubre de 2006

Le damos un 6

Los artesanos del cine español vuelven a poner en liza su capacidad para realizar una digna producción capaz de cumplir con objetivos comerciales al tiempo que hace justicia al rigor histórico.

Ya que sabemos que podemos competir con Hollywood, lo único que falta es mayor implicación artística en ciertos títulos que parecen auspiciados sólo por la cuota de participación televisiva en nuestro cine.

Ahí está el hecho de que el director de Los Borgia se sumase al proyecto cuando ya iba encarrilado. Si funciona en pantalla, esto no tiene que ser un inconveniente, aunque al ser un trabajo de encargo, algo apresurado, no se nota su mano. En cambio sí se aprecian los años de oficio. Puede que vayamos por el camino de hacer grandes y costosas películas sin que eso influya en una pérdida de obras de autor: nada tiene de malo que tengamos al inteligente y creativo Hernández de En la ciudad sin límites y al metódico y diestro realizador de Los Borgia.

Las intenciones son mejores que el resultado final de este filme donde la alta calidad artística y técnica compensa un argumento enrevesado y acelerado, montado con el miedo de que se quedasen asuntos en el tintero. Su vigencia es un punto a favor: es un drama de corte histórico pero el mundo actual no se aleja demasiado de las intrigas y los valores de esta familia valenciana, más humana que la protagonista de la leyenda negra que inspira. Cinco siglos después, la religión sigue rigiendo nuestros designios e impulsa conflictos bélicos y mucho podríamos hablar de la ambición y las ansias de poder.

El recorrido de los personajes es largo y profundo, aunque cualquiera podría decir que con 140 minutos no tiene mérito. Todos conocemos cintas que se hacen eternas con menos duración e historias que no avanzan. El ritmo que le imprime el montaje contribuye a que no nos aburramos con este cuento renacentista alimentado con acción que presenta ciertas carencias en cuanto a la emoción.

Los intérpretes principales cumplen, aunque el catálogo de actores de reparto es demasiado extenso, induciendo a participar en juegos absurdos, prueba evidente de nuestra perdida de interés. Aún así se necesitan películas como ésta, complementarias a cualquier otra con características de producción y promoción similares y cercanas en el tiempo. Sirven para concienciarnos de que es posible que el cine español, en lugar de echarse piedras a su propio tejado, puede ofrecer productos (resaltamos el término productos) competitivos.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.

Crítica: "Volver"

2006-10-04T06:40:00.001+02:00

Director: Pedro Almodóvar
Intérpretes: Penélope Cruz, Lola Dueñas, Blanca Portillo, Carmen Maura, Yohana Cobo, Chus Lampreave
Estreno en España: 17 de marzo de 2006

Le damos un 8

No defrauda Almodóvar con este ejercicio de cine en estado puro, un relato costumbrista, vibrante y conciso, en el que rebosa el humor, y eso que habla de la muerte.

Deja el listón bien alto, recuperando un tono con el que impregnó títulos característicos de su primera etapa, quedando bien visible la autocita a ¿Qué he hecho yo para merecer esto?, en concreto a la madre que viene a solucionar asuntos pendientes, y al humor ácido de Entre tinieblas.

Los planos de Almodóvar, estudiados al milímetro, suelen ser cuadros vivos. Pocas veces un plano concentra tanto como los primeros, con todas las mujeres del pueblo en el cementerio, adecentando las tumbas de cara al día de los difuntos. Las vestiduras de las hermanas protagonistas anticipan el acento colorista y luminoso que dominará todo el metraje, lleno como siempre de símbolos eternos en su filmografía (la maternidad, los hospitales, la vecina, etc.) y alguno nuevo, como la mesa camilla.

Nos regala un coro formado por seis personajes contundentes. Por medio de ellos dibuja a las mujeres que recuerda de su niñez en La Mancha, pero lejos de proponerles un fiel reflejo, las asimila y refunde, introduciéndolas en un relato redondo, sorprendente por sus portentosos giros. Entiéndase este apunte como todo lo contrario a los devaneos que le hicieron errar en La mala educación.

Muestra a sus personajes femeninos en toda su intensidad aunque un tanto idealizados, de ahí la soberbia interpretación de Penélope Cruz. Su rol ejerce de columna vertebral aunque ella pone mucho de su parte, dejando atrás su mejor trabajo hasta el momento, el de No te muevas. Consciente de que las marujas españolas tienen algún fleco o connotación peyorativa, Almodóvar ha convertido a Cruz en una casalinga italiana, un ama de casa con carácter y glamour, una mezcla entre la belleza racial de Sophia Loren y el porte atlético de Silvana Mangano.

La acompañan en sus viajes del pueblo a la ciudad -y viceversa- una cercana, y distante al mismo tiempo, Lola Dueñas, Chus Lampreave aprovechada al máximo y una correctísima Yohana Cobo que no se amohína ante tanto portento junto –su presencia en las situaciones surrealistas sirve de anclaje al lado más terrenal de Almodóvar-. Nos cansaremos de oír que Blanca Portillo, "ese animal cinematográfico", es el gran descubrimiento de Almodóvar para la pantalla grande. Lo cierto es que su aportación a la carrera de la actriz es similar a la que en su día hizo a la de Leonor Watling con Hable con ella (y Alejandro Amenábar a la de Dueñas con motivo de Mar adentro). Y no es otra cosa que apuntalar, con mucha destreza, el regreso al celuloide de una actriz que ya era grande en televisión y cine (no olvidemos El perro del hortelano y El color de las nubes) y, sobre todo, enorme en teatro.

Se reencuentra el manchego con las situaciones cotidianas pero llevadas a un extremo histriónico y muy divertido. Cuenta para ello con una de sus musas, con la que hizo sus seis primeras películas. El fructífero y agradecido trabajo de Carmen Maura otorga una dimensión especial, dejando en anécdota (o sueño surrealista, según se mire) una interpretación que en manos de otra actriz hubiera sido un tanto arriesgada.

Bajo una primera apariencia de fábula, Volver es un delicioso trozo de la vida real, un retrato con envidias, rencillas entre hermanas, rencores a flor de piel, luto, teléfonos móviles, zapatillas y rebequitas, muchas rebequitas. Un guiño a la España más tradicional, al barrio y al pueblo en el que hemos crecido la mayoría de nosotros.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.
Hablamos con Pedro Almodóvar.

Crítica de "Volver".

Avanzamos... "Volver".

Perfil de Carmen Maura.

Crítica: "V de Vendetta"

2006-10-04T06:39:00.001+02:00

Director: James McTeigue
Intérpretes: Natalie Portman, Hugo Weaving, Stephen Rea, John Hurt
Estreno en España: 7 de abril de 2006

Le damos un 8

¿Quién dijo que un producto de entretenimiento no podía ser a su vez un trabajo interesante con carga social y crítica? Llega la revolución al cine comercial hecho en Hollywood.

Aunque es muy probable que V de Vendetta quede en un conato de película con compromiso que no renuncia a las líneas básicas de entretenimiento. Esta correcta versión de la novela gráfica creada en los 80 por Alan Moore (guionista) y David Lloyd (ilustrador) se empapa de una estética plástica sugerente y envolvente que nos lleva hasta un eficiente retrato del adiós a la libertad individual en un mundo imaginario anclado en la realidad. ¿Por qué será que no nos rechina lo suficiente que esta historia sobre tiranía y fanatismos esté ambientada en entornos reconocibles y terriblemente cercanos?

Alegato en pro del poder del pueblo y su levantamiento contra los gobiernos autoritarios, V de Vendetta tiene todos los visos para convertirse en filme de culto. 1984, de George Orwell, Fahrenheit 451, de Ray Bradbury, y en un tono más relajado, El show de Truman y El club de la lucha –que beben de ellas a su manera-, constituyen sus referentes. Otra de las patas de este filme tiene su origen en los retratos bélicos de opresores y oprimidos ambientados en la ocupación nazi durante la II Guerra Mundial o las fuerzas rebeldes de algunos títulos de ciencia ficción. Y no olvidamos el valor simbólico de nombres como el de Evey (la Eva bíblica) y grafías: "V" de venganza, de valor, de victoria... También "5" en números romanos y la Quinta Sinfonía de Beethoven que tanto gusta al enmascarado.

Política y poética a partes iguales acentúan los ideales de una revolución hechos públicos a golpe de atentado contra los edificios representativos de un Londres gobernado con mano más dura que la de "la dama de hierro". El planteamiento nos lleva hasta un acertado punto de no retorno del que salen con soltura los hermanos Andy y Larry Wachowski. Imposible no avanzar con la vista puesta en el horizonte del cambio y es ese punto vitalista el que impregna de el relevo que V encuentra en Evey.

La emoción carente en el cómic se traslada al audiovisual mediante inteligentes secuencias que contrarrestan los efectos que provocan tanta violencia y oscuridad: un asesinato puede ser bello, al igual que un relato desgarrador de tortura puede ser narrado de manera cálida. Lo que ya no es tan bonito es el miedo que se inyecta en las sociedades occidentales que más allá de propugnar un estado fascista, fomenta una política del terror desde el miedo a lo desconocido, una estrategia que tan bien le funciona a algunos gobiernos de EE.UU. y a ciertos países soberanos de nuestra vieja Europa.

Quienes critican de manera negativa la película, ahondando en el uso desmesurado de la violencia para combatir una dictadura, deben saber que ya lo han hecho otros héroes. Aún así, esta es una historia acerca de ideales y no sobre personajes concretos a partir del enfrentamiento a unos miedos que paralizan toda capacidad de reacción. Aprender de la experiencia de los otros es otro de los mensajes latentes: el ejemplo a seguir es el enmascarado V, victima y villano que, sin ser el personaje central, condiciona la marcha del relato, condicionado por el desarrollo de otros dos ejes clave, el inspector Finch (Stephen Rea) y la joven Evey (Natalie Portman). Ambos realizan una honrosa interpretación que les lleva a su peculiar redención, al igual que Hugo Weaving (Matrix, El señor de los anillos), que dota a su criatura de una expresividad asombrosa a pesar de la máscara que le oculta el rostro, dándole consistencia propia.

En esta ocasión el fin justifica los medios, derribar símbolos para que no se empleen los miedos de las personas como mecanismos de control. Es hora de rebelarse contra la sumisión silenciosa y obediente y ponerse a favor de la idea que resume esta gran e intensa película (y más en los tiempos que corren): los gobiernos deberían temer al pueblo y no al revés. Por si aún lo dudan, debe ser vista. Para su protección.

Texto escrito por Daniel Galindo y publicado en LaNetro.com.